lunes, 30 de junio de 2014

Sálvese quien pueda - vetusta morla (HD)

BUENAS NOCHES A TODOS Y MEJOR SI ES CON LA PRESENCIA DE VETUSTA MORLA. IMPRESCINDIBLES PARA DAR LECCIONES DE BUENA MUSICA. DISFRUTAD LA NOCHE.
BYE, LOVERS.

BORIS VIAN: EL POLIMATA.


Bienvenidos un día mas en el que intercambiamos historias de la historia, y al mismo tiempo, nos sentimos sorprendidos por lo que esas "historias" nos ofrecen.
Raro era en mí que esta el momento no hubiera recurrido a la personalidad de BORIS VIAN para hacer un post,  pero el hecho cierto es que "se me había pasado del todo".
Mas como la memoria está ahí, incluida la histórica -pero eso es algo que es mejor dejar para otro momento-, pues aquí que empiezo la andadura de conocer a esta personalidad, su entorno y su obra.
No cabe la menor duda que la corta vida de Boris Vian -padecía del corazón- es una especie de carrera contra el tiempo. La magnitud y la contradicción de su obra no hace mas que reflejarnos el sentimiento vital de toda una generación de artistas e intelectuales que han pasado a la historia con el nombre de "existencialistas".

Imagen de juventud

Boris, nació en Ville-d´Avray, un municipio de las afueras de Paris, el 10 de marzo de 1920,y falleció en Paris, el 23 de junio de 1959, un hombre calificado como POLIMATA, pues destacó como dramaturgo, poeta, músico de jazz, ingeniero, periodista, y traductor del francés. En la ejecución de sus trabajos utilizó varios heterónimos, entre ellos, Vernon Sullivan, Boriso Viana, o anagramas como Baron Visi, Brisaavion, Navis Orbi o Bison Ravi. Asimismo escribió teatro, incluidas letras y músicas de canciones, cuentos y novelas.
Su padre, Paul Vian y su madre Yvonne Ramenez, eran unos grandes amantes de la cultura, especialmente, su madre que tocaba el piano y el arpa; su padre, era un poeta aficionado, traductor de ingles y alemán y también mostraba un gran interés por la mecánica y la ciencia.
Mas como consecuencia del crack económico del año 1929, la economía de la familia vino a menos y amén de que el padre tuviera que ponerse a trabajar como agente comercial, la familia se vio obligada a trasladarse de residencia. Con apenas doce años, Boris contrajo fiebre reumática, y después tifus, con lo su corazón quedó afectado para el resto de su vida.


Evidentemente, y tras esta exposición de lo que es hasta ahora su vida, no cabe la menor duda de que Boris Vian era un hombre sumamente inteligente y con una capacidad excepcional para el estudio, mas fue su pasión por el jazz lo que atrajo a Boris Vian hacia el mundo artístico. Con tan solo veinte años participó en una orquesta amateur de jazz junto a sus hermanos, en la que interpretaban obras de autores norteamericanos. 
En el año 1942 obtuvo el título de ingeniero y fue a partir de entonces cuando empezó su trayectoria literaria. A este incansable genio universal le interesaban tanto las matemáticas y la física como la filosofía y la poesía Como miembro del elitista College de Pataphysiue, luchó con Marcel Duchamp, Max Ernst, Joan Miró, Michel Leiris, Man Ray y Eugene Ionesco por la divulgación de la lógica del absurdo de Alfred Jarry.


Titulo de Sátrapa Transcendete del Colegio
de Parafísica, expedido a Boris Vian el 22 de
Palotin de 80 (11 de mayo de 1953)

El centro de la vida artística, literaria e intelectual de la época la constituián los cafés de Saint-Germain-des-Prés, entre ellos Deux Margots, Rhumerie, y sobre todo, el Flore. La principal personalidad que frecuentaba este último era, nada mas y nada menos que Jean-Paul Sartre, que se convirtió en una figura de culto. De esta forma, el existencialismo llegó a convertirse en una posición vital de moda, que partiendo de París se extendió por toda Europa. Por existencialista se conocía en cierta medida todo aquello que se dirigía contra las convenciones de la sociedad. En la obra de Boris Vian que obedece al título de "Manual de Saint-Germain-des-Prés", éste caricaturiza la idea burguesa de la vida bohemia de los existencialistas, quienes despues de pasearse por los distintos cafés antes indicados, terminaban el día en clubs, donde se entregaban a juergas del todo desenfrenadas.
Boris Vian era conocido en dichos círculos como el príncipe Boris, un hombre un tanto excéptico que prefirió dedicarse a su actividad favorita: el jazz.
Es en el año 1942 cuando escribiría sus primeras novelas: "Trouble dans les Andains" y "Vercoquin y el plancton", esta última es un retrato de los zazous, jóvenes parisinos que se enfrentan a los soldados alemanes durante la Ocupación de París.
Mas por entonces BORIS VIAN era uno de las dignos genios que tocaba como trompeta en el club Tabou "el sótano mas célebre de la liberación", y el lugar en el que se concentraba toda la élite intelectual, así como distintos personajes del mundo del arte, como Maurice Chevalier, Yves Montand o Martine Carol, aunque la musa de los existencialistas fue la conocida Juliette Greco, cuyo presentador fue precisamente Boris Vian, y para la que Sartre, Camus y Mauriac escribieron numerosos textos.


Vian y Greco

Es en la década de los años cuarenta y cincuenta cuando publica la mayor parte de su obra, tanto novelas, como cuentos, publicados éstos últimos en "Les Temps Modernes". En 1946 escribió dos novelas "La espuma de los dias" y "El otoño en Pekín". También data de esta época su novela "Escupiré sobre vuestra tumba", mas lo hizo bajo el heterónimo de Vernon Sullivan, un supuesto escritor negro norteamericano. Tanto esta novela como las siguientes fueron calificadas bajo el estilo de novela negra, y llegaron incluso a ser censuradas por su contenido de violencia y sexo, lo que no hizo mas que incrementar la popularidad de su autor. Como consecuencia de que fue llevada a juicio, Boris Vian tuvo que reconocer su autoría y fue condenado a una multa de 100.000 francos, bajo la acusación de "ultraje a las buenas costumbres". Sin embargo, y con el mismo heterónimo había publicado otras tres obras: "Todos los muertos tienen la misma piel" "Que se mueran los feos", y "Con las mujeres no hay manera". La crítica fue feroz con todas ellas, y lo peor que esa crítica negativa salpicó a su obra en general. 



Llegado este momento de su vida, Boris Vian vuelve a frecuentar los grandes del jazz como Duke Ellington, Miles Davis y Charlie Parker.
En 1950 publicó su obra "La hierba roja", considerada de carácter autobiográfico, para continuar con otras obras de menor renombre como "El Arrancacorazones". Fue entonces, cuando BORIS, como buen polimeta se decidió por componer una ópera (El caballero de las nieves), al tiempo que escribía canciones y salió de gira con éstas, mas la crítica no le fue favorable.
Contrajo matrimonio, por primera vez con Michelle Léglise-Vian, en 1941, con la que tuvo dos hijos, Patrick Vian y Carole Vian. En 1952 se divorció y dos años despues, Vian conoce a Ursula Kübler, bailarina del ballet de Roland Petit, con la que se casa en segundas nupcias, instalándose ambos en un apartamento detras del Moulin Rouge.


Persona infatigable, en 1955 se interesa por otra actividad, en este caso la empresa discográfica Philips le ofrece que lleve a cabo la realización de un catálogo de jazz y poco después pasa a ser el director artístico de la compañía. Y cosa curiosa, que yo no sabía, y quizás tampoco vosotros lo sepáis, actuó en varias películas, una de las cuales ganó la Palma de Oro en el Festival de Cannes: "Las relaciones peligrosas" (1959), dirigida por Roger Vadim, adaptación de Chloderlos de Laclos.
Mas tanta actividad le llevó a que su salud se resintiera, y padeció un edema pulmonar. Esa salud que desde pequeño fue quebradiza y delicada empezaba a manifestársele cada vez con mas frecuencia.
Boris Vian vendió los derechos de su novela "Escupiré sobre vuestras tumbas" para una adaptación cinematográfica, en la que él sería el encargado de velar por la veracidad del guión; no obstante, después de distintas disputas con el director, la productora, y el guionista, abandonó el proyecto. 


Vian, Sartre y Beauvoir

Boris Vian se decidió por asistir de incognito al preestreno de la película, basada en su obra "Escupiré sobre vuestra tumba"; tenía entonces 39 años, y ante la visión de la  adaptación de su obra, sufrió un infarto que acabó con su vida. La sensibilidad del artísta no fue capaz de soportar tamaña mediocridad.
Mas la popularidad de BORIS VIAN fue creciendo con el tiempo, y recibió el reconocimiento de la crítica y del público, siendo sus obras vendidas habitualmente.
Si el 11 de mayo de 1953, el Colegio de "Patafísica" le nombra Sátrapa Transcendente", poco después adquiere la condición de "Promotor Insigne" de a Orden de la Gran Gidouille.


Si bien como escritor fue hasta cierto punto incomprendido en vida, su obra 
"L´Ecume des jours" -La espuma de los dias- ha tenido una edición superior al millón de ejemplares.

Para todos aquellos que amamos la literatura, y sobre todo, quienes siempre estuvieron en la vanguardia de los grandes movimientos y marcaron rumbos distintos a nuevas generaciones, BORIS VIAN ha sido y será un GENIO, aunque también se les llame "POLIMATA". 
El término "GENIO", particularmente, me gusta mas y lo considero mucho mas acertado, sobre todo en un hombre del todo diferente a quienes compartieron su, desgraciadamente, efímera vida.
Pero aunque corta, ¡que buen provecho supo obtener de ella!.



"YO NO BUSCO LA FELICIDAD DE TODOS LOS HOMBRES, SINO LA DE CADA UNO DE ELLOS"
(Boris Vian)

BUEN DÍA A TODOS

domingo, 29 de junio de 2014

Leonard Cohen - In My Secret Life

BUENAS NOCHES CON LA SIEMPRE EXTRAORDINARIA PRESENCIA DE MI ETERNO AMOR DESDE MI JUVENTUD -LEONARD COHEN- EL HOMBRE- Y CON ESTE VIDEOCLIP QUE ES TODO LO EXPLÍCITO QUE A ÉL LE GUSTARÍA. BYE, LOVERS, SEGUID SU EJEMPLO.

FRIDA KAHLO: TRÁGICO DESTINO.

FRIDA KHALO

Buen día, estimados amigos, ya llevamos mas de seis meses en contacto diario y para mí, el resultado es del todo satisfactorio, no solo hago aquello que me gusta, sino que, además, me ayuda a conocer hechos, movimientos culturales, literarios, artísticos con mayor profundidad e incluso llegar a descubrir innumerables "tesoros". Es por ello que espero que para vosotros también signifique una cita, si no diaria, al menos periódica, con la que podéis acceder a contenidos hasta el momento inéditos.

Pues bien, para hoy me detengo en el estudio de una obra de una artista excepcional, conocida por todos, supongo, máxime teniendo en cuenta que sobre el que fue su esposo hice un post (luego os pongo el enlace, como siempre). Su nombre FRIDA KAHLO. 


El simbolismo impregna, mayormente, todas las obras de FRIDA KAHLO; no obstante, ella misma negó, en reiteradas ocasiones, ser una artista surrealista, y ello nos lleva a la conclusión, como bien la propia FRIDA aseguró que pintaba su REALIDAD PERSONAL en lugar de pintar sus sueños (nada mas lejos de la realidad, si conocemos de lo que le tocó vivir y sufrir, tanto en el aspecto físico como moral a esta valerosa mujer).
La suya es una realidad del todo dolorosa, pues desde que era pequeña tuvo bastantes problemas de salud, amén de que el dolor emocional -quizás, el que mas te marca- también estuvo presente en su vida, pues, sin perjuicio de su matrimonio con el pintor mejicano Diego Rivera, con el que mantuvo una relación del todo turbulenta, fue amante del lider ruso León Trotsky. Las continuas infidelidades, también por parte de su esposo, del que se separó, para volver a casarse de nuevo (eran ambos dos volcanes en continua erupción)y el asesinato de Trotsky, nos lo representa FRIDA en esta obra.

Detalle del óleo

Su poderosa presencia física, en la que se abre paso el sufrimiento físico y el tormento psicológico, son del todo evidentes en la imagen que os muestro.
Y ello pese a que FRIDA, sin perjuicio de su tortuosa existencia, fue una mujer inspiradora para muchos otros artistas de su época, incluso comprometida políticamente, ayudando al México resultante de la revolución. 
Ella misma se retrata como una mestiza, una mujer orgullosa con raíces europeas y amerindias. Toma su inspiración de las imágenes que podemos encontrar de mujeres precolombinas y cristianas. En definitiva, se retrata a si misma, como una deidad martirizada, pero provista de un gran poder, todo ello tomando como base la folclórica mexicana.


Como podemos ver en la imagen que os presento, FRIDA aparece representada en el centro del cuadro, como si de un icono religioso se tratare, y en el que la cara lo dice todo. Su mirada es penetrante, amén de que en ella se aprecia una mezcla de dolor y desesperanza. Su pelo, peinado al estilo mexicano, nos ofrece la visión de una mujer orgullosa de ser, efectivamente, lo que es. 
También cabe destacar la abrumadora naturaleza que detrás de FRIDA se ve reflejada, grandes hojas verdes que se entremezclan, mas la hoja amarilla, en si misma, no es mas que una aureola; las libélulas, así como las mariposas que, igualmente, aparecen representadas son símbolos cristianos de resurrección.

DETALLE

Fijémonos en este detalle del lienzo, un gato negro que asoma sobre el hombro izquierdo de Frida, símbolo del mal presagio, pues, el gato en cuestión, si seguimos su mirada, la tiene fija en el colibrí que reposa bajo el cuello de la artista, y parece estar midiendo el tiempo para abalanzarse sobre él. FRIDA KAHLO fue siempre una gran amante de los animales, los que, en cierta medida, suplieron su incapacidad de tener hijos.
Y otro aspecto muy interesante del óleo es el collar de espinas que luce FRIDA, como símbolo de sus raices y patriotismo. El colibrí es el símbolo mejicano de la suerte en el amor, que cuelga del collar, si bien el que aparece retratado está muerto. Las espinas de este collar que se extiende por el cuello y torso de la artista nos recuerdan el sufrimiento de Jesucristo.

Portada de VOGUE dedicada a FRIDA

No podemos dejar de analizar la presencia del mono sobre el hombro derecho de FRIDA, que en la simbología mexicana lo son del diablo y de la lujuría. No obstante, este mono es del todo doméstico, por lo que nos lleva a pensar en el amor que no recibió, tal como ella lo entendía, de Rivera, ni durante su primer matrimonio, ni durante la segunda oportunidad que se dieron.

Hay que tener en cuenta que de las 143 obras que se conservan o están catalogadas de FRIDA KAHLO, mas de cincuenta son autorretratos, o mas bien son autobiográficas, que es algo bien distinto. De esta manera, FRIDA nos daba a conocer sus estados de ánimo, su estado físico y mental  y todo aquello que le tocó vivir. 
FRIDA KAHLO nació en Coyoacán, en 1907, siendo su padre fotógrafo de ascendencia alemana y su madre mestiza. Con tan solo seis años contrajo una poliomielitis, que le provocó que una de sus piernas quedara atrofiada de por vida.
Mas el sufrimiento para FRIDA no terminó ahí, pues siendo una jovencita, y mientras viajaba en un autobús, éste tuvo un accidente y le provocó terribles daños en el útero, la espina dorsal, las costillas, la pelvis y la pierna izquierda. Quedó estéril para siempre. Mas fue durante este periodo de larga convalecencia cuando empezó a pintar.

FRIDA Y DIEGO

En 1929 contrajo matrimonio con el pintor mexicano DIEGO RIVERA, y estuvieron viviendo en los EE.UU. Fue allí donde Frida inició una relación amorosa con un fotógrafo húngaro Nickolas Muray, el cual adquirió algunas de sus obras, entre ellas ésta precisamente. En 1935, Frida y Diego se separaron.
Fue a partir de 1936 cuando FRIDA mantuvo distintas relaciones sentimentales, entre ellas con Trotsky. Fue gracias a la ayuda del escritor frances André Breton que FRIDA KAHLO llegó a realizar una exposición individual en Nueva York en 1938, pasando a ser considerada por el público y la crítica en general como una pintora surrealista. En 1939 se divorcia  de Diego Rivera, pero para ambos era imposible vivir el uno sin el otro, sin sus continuas peleas, e infidelidades, por lo que un año después volvieron a contraer matrimonio.
A partir de los años cuarenta expuso su obra en Mexico, Estados Unidos y Europa, más su sufrimiento físico se vio incrementado con la amputación de la pierna derecha que le provocaba grandes dolores. Murió de  cáncer en su ciudad de Coyoacán.

FRIDA EN SU ESTUDIO

BELLISIMO AUTORRETRARO


"INTENTÉ AHOGAR MIS DOLORES, PERO ELLOS APRENDIERON A NADAR"
(FRIDA KHALO)


Este es el enlace sobre DIEGO RIVERA.-
http://purakastiga.blogspot.com.es/2013/12/diego-rivera-la-pasion-de-frida.html

BUEN DIA A TODOS



sábado, 28 de junio de 2014

Lana Del Rey - Shades Of Cool

BUENAS NOCHES A TODOS, HOY ES PARA MI UN DIA ESPECIAL, PUES HAGO 30.000 VISITAS EN ESTE MI BLOG QUE ES TANTO MIO COMO VUESTRO. Y PARA ESTA OCASION ESPECIAL CUENTO CON LA PRESENCIA DE LANA DEL REY Y ESTE MAGNIFICO VIDEOCLIP Y SU BELLÍSIMA VOZ. GRACIAS A TODOS POR SER TANTOS Y TAN BUENOS. BYE, LOVERS.

LEWIS CARROLL: LO QUE ESCONDÍA EL "ESPEJO".


BIENVENIDOS a un nuevo día y a una nueva forma de pasar un buen rato, leyendo y divirtiéndonos, que de eso es lo que se trata, porque aprender supone también y muchas mas veces de lo que pensamos, DIVERTIRSE.

Hoy tengo como protagonista de este "post" a CHARLES LUTWIDGE DODGSON, aunque por este nombre y apellidos no es conocido por el gran público, sino que lo es por su pseudónimo: LEWIS CARROLL.
Ahora que os he dado la pista definitiva sobre su identidad, para ninguno de vosotros os resulta imposible conocer, si bien lo que mas ha trascendido de LEWIS CARROLL ha sido su obra, y no tanto, su personalidad, por lo que tanto una como otras vamos a pasar a estudiarla un poco, para saber, porque saber satisface siempre.


LEWIS CARROLL fue el autor de las famosísimas "Aventuras de Alicia en el Pais de las Maravillas" y también de "A través del Espejo".
Nacido en Daresbury (Inglaterra) era el hermano mayor de once hijos: tres hermanos y siete hermanas, y vivió los primeros años desu vida en mitad del campo, todo ello como consecuencia de su padre era párroco de un pequeño pueblo de Chershire, en Inglaterra. Es de significar que Lewis Carroll rememora muchas veces su infancia y habla de ella de forma admirable, calificándola como de un auténtico paraíso.
Tanto Carroll como seis de sus hermanas eran tartamudos, lo que le hizo un tanto dificil su paso por la escuela pública de Rugby, a donde llegó con catorce años y permaneció hasta los diecisiete. Su experiencia de estos tres años fue brutal, le traumatizó para el resto de su vida; Lewis era un joven débil y dócil, que no supo enfrentarse a los designios de su padre, por lo que se hizo diácono.
Si bien siendo joven tenía un aspecto un tanto cursi y melindroso, con unos rizos que le sobresalían por encima de las orejas, con el tiempo su expresión fue cambiando y se volvió mas seria y austera; en definitiva, su aspecto denotaba una total tristeza. Podríamos decir que Charles era una persona hasta cierto punto inacabada, le falta algo. Según fuentes del todo fidedignas, cuando murió, a los sesenta y cinco años, era virgen; ello, por supuesto, no implica que no conociera el amor, un amor apasionado cuya protagonista no fue otra que una niña de diez años, llamada Alice Liddell, en cuyo honor escribió los cuentos antes mencionados.

Foto de Alice Lidell

Sin perjuicio de los cuentos por los que ha pasado a la posteridad como creador del llamado "nonsense" o humor del absurdo, Carroll escribió también otros cuentos y poemas, así como veinticinco tratados de matemáticas y de lógica, los cuales vieron la luz bajo su verdadero nombre, Charles Lutwidge Dodgson.
Lewis Carroll vivió durante cuarenta y siete años desarrollando su labor como profesor de matemáticas en la Universidad de Oxford, si bien, según sus alumnos, era un profesor pésimo.
Sin embargo esa apariencia de hombre que pasa desapercibido estalla cuando toda la ciudad de Oxford conoce su afición por fotografiar niñas desnudas; el mismo Lewis ordenó que fueran todas destruidas cuando falleciera, salvo una que se salvó de la quema: la protagonista era una niña llamada Evelyn Hatch, de tan solo 9 años. Evidentemente, por la postura que adopta la pequeña en la foto en cuestión podemos decir claramente que se trata de una foto pornográfica, cuyo autor es una persona de mente perversa. 


Evelyn Hatch

En Lewis Carroll nos encontramos con una personalidad que abarca dos vertientes; por un lado la del clérigo Dodgson, que iba siempre vestido de negro, un hombre conservador y muy estricto en todo tipo de manifestación, tanto personal como pública; mas, por otro lado, nos encontramos con LEWIS CARROLL, un hombre genial y transgresor, con un sentido del humor que muchos eran incapaces de comprender, que iba mucho mas allá de las convenciones sociales y lo moralmente correcto. Gustaba de la fotografía, en definitiva, su personalidad era del todo dual. No obstante, esta personalidad raramente ve expresado su sentimiento en sus escritos, es algo vetado, para él su mundo emocional está prohibido. En su interior jamás quiso reconocer que las niñas le atraían sexualmente, y para ello encerraba sus fantasmas en su mundo interior, siempre ocupado por cómputos matemáticos mentales. 



Curiosamente, Carroll que siempre afirmó que le gustaban los niños, en general, aborrecía a los varones, no así a las niñas, especialmente las que tenían entre nueve y doce años. 
Usando sus propias palabras: "Adoro a los niños, con excepción de los niños".
Cuando conoció a Alice Lidell, ésta tenía tan solo cuatro años, si bien Lewis se fijó inicialmente en su hermana mayor, Lorina. Una tercera hermana, Ethel, tenía apenas dos años. Las tres niñas eran las hijas de uno de los decanos de Oxford, y Dodgson adoraba verlas jugar en el jardín del decanato. Es por ello que empezó a frecuentar la casa de las hermanas Lidell, siempre acompañado del correspondiente regalo.
Con el tiempo, Alice se convirtió en la preferida de Lewis, y dedicado a ella, empezó a escribir el manuscrito de la que seria la primera versión del libro, que se título "Las Aventuras de Alicia Bajo Tierra", y que incluía dibujos del propio Lewis Carroll, que finalizó en 1864. En esa fecha, precisamente, la relación entre nuestro autor y la joven Alice se había terminado de forma total e irreversible, y todo ello como consecuencia del enfrentamiento entre Lewis Carroll y la madre de la joven, pues según referencias, Lewis llegó a pedir la mano de Alice, lo que espantó sobremanera a la madre de ésta, pues la chica tenía solo once años, en tanto que Lewis rondaba los treinta y uno.
No cabe la menor duda que la señora Lidell siempre había notado algo extraño en la relación de Lewis Carroll y sus hijas, en especial, con la pequeña Alice, y si a ello unimos que Carroll era lo que se dice un "sobón", pues le encantaba abrazar a las pequeñas, besarlas, y acariciarlas, amén de que les escribía cartas que eran propias de un auténtico enamorado. Todo ello puso sobre aviso a la madre de las hermanas Lidell, y de forma repentina y brutal, acabó la relación entre ellos.

Lewis y Alice Lidell

Acabada la relación con la joven Alice, y pasado el tiempo, Lewis Carroll se las arreglaba para tener siempre un grupo de "amigas niñas", y para ello utilizaba distintas estrategias. Solía viajar con una maletita, llena de juguetes y a la mas mínima ocasión, empezaba a trabar contacto con niñas que encontraba al paso. También era frecuente verle pasear por la orilla de la playa durante sus veraneos, y cogía a las niñas de la mano, a la vez que participaba con ellas de sus juegos infantiles. 
Por entonces, ya había publicado su versión de ALICIA EN EL PAÍS DE LAS MARAVILLAS, para lo cual retocó el manuscrito original, siendo un gran éxito entre sus lectores; es más, fijaos que utilizó con sus nuevas "amigas niñas" la estrategia de mencionarles que él era el autor de tan significativo libro, por lo que las pequeñas, evidentemente, quedaban extasiadas ante la presencia de su creador.
En 1871 se publicó "A través del espejo"; ambas fueron ilustradas por el famoso dibujante ingles John Tenniel. Con el tiempo han sido muchos los ilustradores que han llenado con su talento las distintas ediciones de ambos cuentos, pero ninguno fue tan "especial", como Tenniel.


Otra estrategia que se planteó para seguir el trato con las niñas fue frecuentar a las niñas actrices, y sus familias que eran mas permisivas; es mas trabó una gran amistad con una pintora, llamada Gertrude Thompson, que dibujaba pequeñas hadas desnudas, para las que utilizaba niñas como modelos. Esa relación solo fue para Lewis Carroll una tapadera de sus vicios, que fueron creciendo con el tiempo, pues remitía cartas a las madres de las pequeñas a las que consideraba como tales "amigas", y éstas escandalizadas huían de él como de la peste. 
Tal fue el escándalo que llegó a conocer la sociedad en la que se movía Lewis, que en 1880 no tuvo mas remedio que abandonar la fotografía para siempre. Aunque siguió cultivando el arte de la pintura, secretamente, pintando niñas desnudas....en el taller de su amiga Gertrude.




De esta manera fue transcurriendo la madurez de Lewis Carroll, una triste existencia, fustrante al máximo, con el siempre recuerdo de las pequeñas Lidell, a las que tanto quisó y rodeó con sus brazos. Se marchitó como un triste solterón, con el imperturbable recuerdo de la pequeña ALICE entre risas y juegos, reviviendo continuamente aquéllos siempre "maravillosos" años.



La historia de las personalidades que han destacado en distintos ámbitos, no tienen por qué servirnos de ejemplo de virtudes, es más, en algunos casos, su obra, definitivamente extraordinaria, como en el caso de LEWIS CARROLL queda un tanto oscurecida por la forma de vida de este hombre que no supo o no quiso resistirse a sus instintos.
No obstante, mejor quedarnos con su obra literaria y olvidar su condición humana, ALICIA EN EL PAIS DE LAS MARAVILLAS y A TRAVES DEL ESPEJO son dos obras literarias de obligada lectura, porque todo lo que en ellas ocurre es tan alucinante como puede serlo para cualquiera de nosotros un día normal....¿A que es cierto cuanto os digo?........Y es que la VIDA es todo ella una generosa SORPRESA.

Alicia

BUEN DÍA A TODOS

viernes, 27 de junio de 2014

Robin Thicke - Get Her Back

BUENAS NOCHES, EMPIEZA EL FIN DE SEMANA, Y MIS MEJORES DESEOS A TRAVÉS DE LA MUSICA QUE TODAS LAS NOCHES OS PROPONGO, HOY CON LA PRESENCIA DE MI CHICO ROBIN THICKE (TENGO TANTOS CHICOS Y CHICAS¡). DISFRUTAD AL MÁXIMO. BYE, LOVERS.

CASPAR DAVID FRIEDRICH: EL TIEMPO EN UN INSTANTE


EL VIAJERO CONTEMPLANDO UN MAR DE NUBES (1818)

"...  era una imagen como solo puede contemplarla quien viaja en una aeronave... elevándose sobre las nubes sobre el lugar donde.... a través del velo rasgado de las nubes se puede ver el azul límpido del cielo"-. Así escribió en 1855 Gotthilf Heinrich van Shubert sobre esta obra.

Buenos dias a todos mis queridos lectores, el día de hoy no podía empezar mejor con la deliciosa siempre presencia de una de las obras mas bellas, y llenas de un cierto sentido de esperanza, la que nos ofrece CASPAR DAVID FRIEDRICH, en la que un ser humano, que puede ser uno cualquiera de nosotros, mira la naturaleza, el mundo que le rodea, como queriendo abarcarlo todo. Este óleo sobre lienzo siempre ha sido una de mis mas sentidas y entendidas obras, quizás por el hecho de que me sitúo en la posición del "viajero" y tengo ante mí todo un mundo por explorar, y dispuesto a ofrecerme la mejor de las posibilidades que acierte a vislumbrar.
Creo que ese es el mensaje de CASPAR DAVID con esta su obra, "Viajero junto al mar de niebla" y también pienso que la obra de este romántico, caracterizada por la distinción, en palabras de un personaje de Victor Hugo: "Distinguons, monsieur, il y a des romantiques y romantiques".

En "El viajero contemplando un mar de nubes", vemos, en primer término la punta de una roca, oscura, cuya silueta nos resulta cortada como por unas tijeras; desde esta posición un hombre, al que vemos solo de espaldas, mira hacia las cimas mas lejanas, por encima de los bancos de niebla que se observan a lo lejos. Todo ello nos ofrece un sentimiento que nos conmueve, en el que la niebla nos muestra el ciclo de la naturaleza. La figura a la que da vida Friedrich, como podréis contemplar en distintos cuadros que os iré mostrando, aparece mayormente de espaldas, es una forma de hacernos mas que partícipes no solo de lo que el pintor ve, sino que  posiciona al espectador en la del protagonista de la pintura.

Retrato de Caspar David Friedrich

Caspar David Friedrich nació en Greifswald, el 5 de septiembre de 1774. Sobre su situación familiar existen versiones contradictorias, pues mientras algunas nos afirman sobre que descendía, por parte de padre, de una casa de rancio abolengo, que fue expulsada de Silesia por ser de confesión evangélica y que se dedicaron, posteriormente, a la producción de jabón en Pomerania; otras versiones nos mencionan su procedencia de una dinastía sueca de condes. Por otra parte, también se nos habla sobre su situación económica, unas fuentes hablan de pobreza, otras de que tenían quienes educaban a los niños. 
En cualquiera de los casos, el padre de Friedrich transmitió a sus hijos unos fuertes principios morales y una gran espiritualidad. Caspar David, siendo aún muy pequeño conoció la muerte de su madre, en 1781, y desde entonces, un ama de llaves se hizo cargo del pequeño, así como de sus cinco hermanos, uno de los cuales, por cierto, falleció en 1787, ahogado -Christoffer-, por salvar a Caspar David del hielo en el que se había hundido, de la misma forma que su hermana María, también fallecería siendo una niña, como consecuencia del tifus. 
La ciudad de Greifswald pasó a pertenecer a la corona sueca tras la Guerra de los Treinta Años, y por entonces no era mas que una pequeña ciudad de provincias a orillas del mar Báltico. 
Pocas perspectivas tenía CASPAR DAVID FRIEDRICH para destacar en aquello para lo que la naturaleza le había dotado: la pintura, más sobre el año 1790 recibió clases de Johann Gottfried Quistorp, que era profesor de dibujo en la Universidad. De esta manera CASPAR DAVID pudo hacerse con una base sólida con la que empezar a trabajar, destacando en el dibujo arquitectónico, la naturaleza y el paisaje.




La belleza de la obra de CASPAR DAVID FRIEDRICH queda patente en los óleos que podéis observar, en los que respiramos una sustancial diferencia entre lo que el ojo carnal observa, y lo que el espiritual es capaz de captar.
En 1794, Friedrich ingresó en la Academia de Copenhague, pintó vaciados de yeso de esculturas clásicas y estudió la pintura paisajística holandesa. Entre sus profesores, Nicolai Abildgaard, Christian  August Lorentzen. Existen pocos dibujos de Caspar David de esta época, si bien ya nos revelan una delicada observación de la naturaleza.
Cuando Friedrich abandona Dinamarca lo hace cargado de deseos de crecer en el aspecto artístico. En 1798 se establece en Dresde, una ciudad con una vida floreciente, tanto en el aspecto comercial como en el artístico. De esta época también se han conservado escasos detalles de naturalezas y paisajes, en los que Friedrich se va mostrando cada vez con trazos mas firmes y seguros.
Es también cuando participa en numerosas exposiciones colectivas que se llevan a cabo en la ciudad de Dresde, con éxito tanto de crítica como de público. En Weimar fue reconocida su obra en sendos concursos artísticos, organizados por  Johann Wolfgang von Goethe, así en 1805 obtuvo un premio compartido con dos paisajes a la sepia, destacando por el jurado la perfecta y delicada armonía de la naturaleza protagonista de los mismos.



Caspar David Friedrich fue siempre un hombre inconformista, y sufre, por tanto, el desencanto de una realidad que impide se cumpla su sueño de amor perfecto, de ideal imposible.. Infatigable, insatisfecho, angustiado solo desea conocer el límite de la infinitud. Es melancólico, pues busca en el pasado (el mundo que nos sugiere la edad media y el gótico) un mundo perfecto, en el que el misterio se convierte en su principal baza.
Es por ello que la creación de Friedrich está, fundamentalmente, en relación con la vida interior, con la espiritualidad. Según sus propias palabras "el único manantial del arte es nuestro corazón". "El artista no debe representar fielmente el aire, el agua, la roca... sino reconocer el espíritu de la naturaleza", y esa naturaleza es la que emerge ante al hombre que, de espaldas, resulta pequeño, indefenso y solitario, por lo que el paisaje adquiere un fundamental protagonismo. Estas figuras sencillamente tienen la labor de orientar nuestra mirada y hacernos sentirnos vivir el paisaje, nos hace  partícipes de esa naturaleza permanente, ante la que permanecemos absortos, callados, y sumergidos en una especie de ensueño. Todo en Caspar David Friedrich transciende al tiempo.



Su arte nos resulta callado, silencioso, nos sumerge en un mundo de ruinas envueltas en niebla, cielos, montañas, cementerios, cruces, mas su creación es, fundamentalmente, personal, es compleja y fantástica al mismo tiempo. 
Pese a su éxito inicial, CASPAR DAVID FRIEDRICH es un incomprendido, sobrevive gracias a un mínimo sueldo como profesor. Muere sin haber conseguido su ideal, el llegar a poner de manifiesto toda la introspección que su obra encierra. Mas para ello, solo el tiempo pone remedio, y en la exposición de Berlín de 1906, que fue la primera antológica que se le dedicó con 32 obras suyas exclusivamente, es cuando el público, en general y la crítica descubre la calidad de su pintura, que al día de hoy, permanece inalterable.
El 26 de junio de 1835, Friedrich sufrió un ataque de apoplejía que le produjo parálisis de brazos y piernas, por lo que se vio impedido para volver a pintar. El 19 de marzo de 1840 es víctima de un segundo ataque, que le deja, prácticamente, en estado de coma; pocos días después, el 7 de mayo, fallece.



Una de sus obras mas deliciosas
"Mujer en la ventana"

CASPAR DAVID FRIEDRICH está considerado como un pintor genial, que supo transmitirnos la esencia de la eternidad e infinitud, con una especial calma.

El pintor en su estudio

NO HAY MAS CALMA QUE LA ENGENDRADA POR LA RAZÓN
(SENECA)

QUE LA CALMA COLME VUESTRAS VIDAS HACIENDO PARA ELLO LO QUE CONSIDERÉIS JUSTO Y NECESARIO
BUEN DIA

jueves, 26 de junio de 2014

Muse - Madness

BUENAS NOCHES A TODOS CON LA MAGNIFICA PRESENCIA DE MUSE Y ESTE VIDEOCLIP, UNO DE MIS FAVORITOS, Y ESPERO QUE SI NO LO HABÍAIS VISTO OS GUSTE IGUALMENTE. SI NO, ESPERAD A MAÑANA QUE OTRO VIDEOCLIP CAERA. BYE, LOVERS.

APOLO Y DAFNE: GIAN LORENZO BERNINI


Bienvenidos todos a un nuevo dia, hoy cuento para pasar un buen rato de divertimento, porque eso es lo que es la cultura -diversión y conocimiento- con una de las figuras mas representativa del genio barroco italiano, GIAN LORENZO BERNINI, considerado, unánimemente, como el heredero de la fuerza escultórica de Miguel Angel.
Gian Lorenzo conoció y aprendió de la escultura gracias a su padre, Pietro, que tenía un taller y una cierta fama en su época. Fue precisamente gracias a éste que Gian Lorenzo conoció a muchos mecenas de su época que le permitieron desarrollar su arte, su concepto de lo que la escultura quedaba evidente en cada una de sus obras: el intenso dramatismo, la grandiosidad y la  tan elocuente escenificación en todas sus creaciones. 
Fue nombrado arquitecto de la basílica de San Pedro por el Papa Urbano VIII y es por ello que la mayoría de sus trabajos se centraron en las peticiones que les hacían los pontífices.
No obstante, hoy vamos a centrar nuestra atención en una de sus obras "APOLO Y DAFNE", realizada por encargo del príncipe y cardenal Scipione Borguese. Esta magnífica y bellísima obra escultórica se encuentra ubicada en Roma, en el Museo de Villa Borguese, que fue antigua residencial del cardenal.



Evidentemente, la escultura que nos regala, en el mejor de los sentidos, Bernini hace referencia a un relato perteneciente a la mitología griega, que ha sido narrada a través de la historia por distintos escritores. Es así que Ovidio nos habla del mito en el poema Las Metamorfosis.

Detalle

Mas si os parece bien, y antes de comentar la obra artística de Bernini, podemos conocer el Mito y la historia de Apolo y Dafne.
Pues bien, la mitología habla así:

"Apolo, dios del Sol y de la música, fue maldecido por el joven Eros después de que se burlase de este por jugar con un arco y unas flechas. Ante tal ataque, el irascible Eros tomó dos flechas, una de oro y otra de hierro. La de oro incitaba al amor,la de hierro, al odio. Con la flecha de hierro disparó a la ninfa Dafne y con la de oro disparó a Apolo en el corazón. Es entonces que el corazón de Apoló rozó la pasión por Dafne y en cambio ella tan solo le aborrecía. En el pasado, la ninfa Dafne había rechazado a muchos que habían querido ser sus amantes y había mostrado su interés principal por la caza y por explorar los bosques. Su padre, Peneo, le pidió que se casase, para que le diese nietos, mas Dafne demandó de su padre que la dejse soltera, como la hermana gemela de Apolo, Artemisa. Mas a su pesar, Dafne siempre tenía algún que otro pretendiente por su espléndida belleza.
Apolo continuó persiguiéndola, mas Dafne huía continuamente de él, hasta que llegó el momento en que los dioses tomaron partido y ayudaron a Apolo a que la alcanzase. Es entonces que Dafne invocó a su padre, para que la rescatase, y de repente, la piel de Dafne se convirtió en corteza de árbol, su cabello en hojas, y sus brazos en ramas. Dejó de correr, pues sus pies se enraizaron. Apolo abrazó las ramas, mas hasta estas se contrajeron. Puesto que ya no la podría poseer jamás como esposa, le prometió que la amaría eternamente como su árbol y que sus ramas coronarían las cebezas de los héroes. Apolo empleó todos sus poderes de eterna juventud e inmortalidad para que siempre se mantuviera verde."


Deliciosa historia ésta y todas las que la mitología nos ofrece, solo tenemos que poner nuestro interés en conocerlas.
Es entre 1622 y 1625,  cuando Gian Lorenzo Bernini esculpió en mármol esta bellísima obra Apolo y Dafne. En ella podemos advertir como Apolo trata por todos los medios de alcanzar a Dafne, en tanto ella, intenta escapar. Apolo aparece coronado por un laurel que nos lleva a presagiar el destino de Dafne, su metamorfosis en forma de árbol. El proceso de transformación de Dafne es digno del mes minucioso de los estudios.



Tal y como Bernini nos ofrece en muchas de sus esculturas, la presente nos ofrece una estructura lo que se conoce como "abierta", basada en una líneas compositivas que se dirigen desde abajo hacía arriba, lo que posibilita esa apertura. El mármol blanco con el que se ha realizado la escultura ha sido tratado con la mayor de las delicadezas, y al mismo tiempo sirviéndose de la resistencia que ofrece el material. La composición nos ofrece una visión total de movimiento, y sobre todo, la emoción que los rostros, tanto de Apolo como de Dafne manifiestan en cada momento de la composición.



Prestemos toda nuestra atención a la figura de la bellísima Dafne, en su tan terrible momento en que está siendo envuelta por la corteza de un árbol, sus deliciados dedos se van transformando en ramas y brotes de laurel, y sus hermosos cabellos -que parecen agitarse al viento-, tras la carrera perseguida por Apolo, se van enredando a medida que van brotando las hojas de laurel.

Bernini sabe como utilizar los distintos elementos de trabajo para de forma diferente, llegar a ofrecernos una especial textura en las superficies de la epidermis, en el árbol y en la cabellera, tan hermosamente arrebatada al viento por la transformación arbórea.



No cabe la menor duda de la bellísima aportación a la Historia del Arte por parte de GIAN LORENZO BERNINI, no ya solo como escultor, del que ha quedado muestra, sino también como arquitecto y como pintor.
Un artista completo, un verdadero GENIO.
Sólo la GENIALIDAD es capaz de crear tanta belleza.

Eternamente agradecidos
(La Humanidad)

BUEN DIA A TODOS