domingo, 31 de agosto de 2014

Goldfrapp - Stranger (Official Video)

BUENAS NOCHES A TODOS DANDO POR FINALIZADO EL FIN DE SEMANA Y EL MES DE AGOSTO, QUE SE NOS ESCAPA, AUN SIN QUERER. PERO TODO UN MES DE SEPTIEMBRE LLENO DE INMENSAS POSIBILIDADES PARA DESCUBRIR DENTRO Y FUERA DE NOSOTROS MISMOS. BYE, LOVERS, DESDE LA DISTANCIA QUE SUPONE UN ORDENADOR PORTÁTIL, MAS DESDE LA CERCANÍA DE LA EMOCIÓN COMPARTIDA.

GABRIELE MÜNTER: POR AMOR A KANDISNKY.


Gabriele Münter

Buen día, amigos y lectores, empezamos nuevo día con un nuevo descubrimiento dentro de la disciplina artística de la pintura, así como también de la fotografía y el diseño gráfico, y cuya protagonista fue una mujer que durante muchos años fue alumna y compañera sentimental de Kandisnky, la pintora alemana GABRIELE MÜNTER, nacida en Berlín, el 19 de febrero de 1877 y fallecida en Murnau am Staffelsee, considerada como integrante del movimiento expresionista, que también destacó por su obra fotográfica;   gracias a Gabriele Münter las pinturas que formaban parte del movimiento Blaue Reiter fueron salvadas de su destricción y pérdida, durante la Segunda Guerra Mundial.

Countryside near Paris

La casa de los rusos 

Gabriele poseía desde su infancia cualidades artísticas que fueron fomentadas por sus padres, y que la apoyaron siempre gracias a que eran unas personas adineradas, y la joven siempre contó por maestros privados. 
En el año 1897, nuestra joven Gabriele se inscribió en una escuela de arte para mujeres en Düsseldorf, para posteriormente emprender un viaje de dos años por EE.UU. al que le  acompañó su hermana, estableciéndose definitivamente en Munich.
Como consecuencia de que la Academia de Bellas Artes de Munich no permitía como alumnas a mujeres, Gabriele continuó sus estudios en una asociación femenina de pintura de su ciudad. Mas ésta poco podía ya enseñar a la joven Gabriele por lo que se inscribió en la progresista escuela de arte Phalanx, en la que trabajaba Vasily Kandinsky. (Esta escuela era una asociación de artistas formada en Munich, en 1901, y cuyas teorias les alejaban del sentido mas conservador del arte).

Autorretrato

Enferma

Viento y nubes

Es durante el verano de 1903 cuando Kandinsky, aún estando ya casado, se compromete en matrimonio con Gabriele, circunstancia que ocultan a todos, y comienzan una vida en común, a pesar de que Vasily no se divorcia de la que hasta entonces era su esposa, hasta 1911. Ambos Gabriele y Vasily convivieron, mas nunca se casaron, hasta el año 1917, y su trayectoria artística estuvo marcada por los numerosos viajes que emprendieron juntos, a países como Túnez, Holanda, Italia y Francia.

Autorretrato

Imagen de Gabriele


Es precisamente durante la estancia de la pareja en Paris, en 1906, cuando Münter conoce la pintura de Henri Matisse, así como el movimiento fauvista, lo cual influirá en su técnica pictórica a largo plazo. En el año 1909, Gabriele y Vasily adquieren una casa en Murnau, donde ambos pasaran sus veranos, y a cuya residencia acudirían numerosos artístas invitados por la pareja, entre ellos, Alexei von Jawlensky, y el compositor Arnold Schönberg.

Casa de Gabriele en Murnau

Desde el punto de vista artístico Gabriele Münter empieza a desarrollar un estilo que puede definirse como abstracto, utilizando para ello multitud de colores brillantes, sin mezclar, y formas fuertes, todo ello bien marcado mediante líneas oscuras de separación. No cabe la menor duda que llegado este momento la influencia artística de Gabriele Münter es trascendental en quiénes la rodean lo que la hace convertirse en miembro fundadora de la Neue Künstlervereinigung München (Nueva unión de artistas de Munich), que encabeza Kandinsky y en la que se incluía todo el grupo de la Blaue Reiter.


Gabriele y Vasily con imagen de la BLAUE REITER

Paisaje

Niña con muñeca

La Primera Guerra Mundial obliga a Kandinsky a salir de Alemania, y entre los años 1915 y 1920 desarrolla su vida en Escandinavia. El último encuentro de la pareja lo fue en 1916 y es un año mas tarde cuando ambos se separan definitivamente, y es mas, Gabriele se entera pasado el tiempo que Kandinsky se había casado de nuevo, algo que nunca llegó a hacer con ella, pese a su compromiso oficial.


Retrato hecho a lápiz

Es a partir de 1920, cuando Gabriele Münter alterna su residencia entre Colonia, Munich y Murnau, mas debido a una grave depresión su arte se resiente y deja de pintar. Es entonces, en tanto reside en Berlín, hacia 1925, cuando produce pequeños retratos de mujeres hechos a lapiz. Mas recuperada su salud, en Paris entre los años 1929 y 1930, vuelve a ser la Gabriele de siempre.

Florero

Florero

Dos años mas tarde, de regreso a su casa en Murnau mantiene relaciones sentimentales con el historiador de arte, Johannes Eichner, junto al que permaneció unida hasta la muerte de éste, y de este periodo son fundamentalmente sus cuadros de flores, amén de obras abstractas. En 1937, los nazis le prohíben exponer y ella se retira de la vida pública, consciente de las graves consecuencias que puede acarrear para su persona y su arte el enfrentamiento con los dirigentes de tal movimiento. Es entonces cuando Gabriele Münter desarrolla un trabajo excepcional,y digo excepcional, porque gracias a su contribución muchas obras de arte fueron salvadas de la destrucción por los nazis, pues escondió mas de 80 de ellas, que años mas tarde regaló a la ciudad de Munich, concretamente, en 1957, y ahora ocupan un lugar preferente en la Lenbachhaus, que tras recibir tan impresionante legado, se convirtió en un mas que especial museo. 

Gabriele

La casa de Murnau de Gabriele también es, al día de hoy, un museo.

Son sin duda innumerables las mujeres que han hecho historia dentro de las distintas disciplinas artísticas y que han sido injustamente olvidadas, en gran parte debido a los convencionalismos de una sociedad machista, imperante a lo largo de distintas épocas y periodos. Mas para todo lo que queramos encontrar sobre cualquier personalidad que queramos conocer mas a fondo no tenemos mas que entrar en 

Con obra de Gabriele

BUEN DÍA A TODOS

sábado, 30 de agosto de 2014

Depeche Mode - Corrupt

BUENAS NOCHES DE SÁBADO, ESPERANDO LA LLEGADA DE LA NOCHE PARA EMPEZAR EL DÍA -SI ASÍ VIVIMOS LOS NOCTÁMBULOS- DISFRUTANDO DE LA OSCURIDAD Y DE TODO LO QUE ESTA NOS PUEDE SORPRENDER. BYE, LOVERS, Y SUERTE¡

GIUSEPPE BALSAMO...CAGLIOSTRO, EL MAGO.



GIUSEPPE BALSAMO

Buen día amigos, hoy nos vamos de historia y con la presencia un hombre, excepcional, que vivió su vida de la forma en que supo para bien buscarse su fortuna, y alguna vez que otra, su desgracia. Su nombre Giuseppe Balsamo, mas conocido, históricamente, como CAGLIOSTRO.
No obstante, es conocido el hecho de que Cagliostro no fue el único nombre que utilizó, a lo largo de su vida, este mago de la existencia, que recorrió las Cortes de toda Europa del siglo XVIII, con el título de Conde Alessandro di Cagliostro, sin que nadie pusiera en duda su evidencia.

Gisupe Balsamo nació el 2 de junio de 1743 en Palermo (Sicilia), siendo su familia de origen muy humilde, que para nada presagiaba el futuro que le tocó, en suerte vivir. 
Fue su madre la que quiso que su hijo pudiera escapar de la miseria y para ello recurrió a enviarlo a un seminario de Palermo y, posteriormente, a un convento, el de la Misericordia; pero nuestro personaje -pues parece que hablamos en relato de historieta o relato- salió de ambos, dejando una huella caracterizada, no por su bondad, o bonhomía, sino por licencioso. Mas antes de ser expulsado consiguió hacerse con todos los secretos mejor guardados que el farmacéutico del convento atesoraba, a la vez que hizo negocio con la venta de un mapa, que resultó del todo falso, y que prometía la existencia de un magnífico tesoro.




De esta forma nuestro amigo marchó a Palermo, en 1764 y allí empezó una vida llena de aventuras y del todo hilarante. Visitó numerosos países, entre ellos Rodas, El Cairo y Alejandría, llegando incluso a formar parte de los Caballeros de la Orden de Malta, valiéndose de los conocimientos médicos con que se hizo  del farmacéutico del convento en el que le ingresó su madre. Es mas por dichos conocimientos fue unánimemente reconocido como médico.
En 1866, Giuseppe decide establecerse en Roma, donde contrajo nupcias con una joven, cuya picardía estaba a su altura, Lorenza Feliciani, la cual adoptó el nombre "mágico" de Serafina. Fue en Roma, donde Giuseppe se dedicó a la venta de amuletos y ungüentos, así como tipo de pócimas a los peregrinos que acudían a Roma, que curaban todo tipo de males.


Toda una señora a la altura de Cagliostro, Serafina

Sus estafas y robos, algunos de poca monta, se sucedían por las distintas ciudades, en las que tanto Giuseppe como Serafina, tenían el gusto de establecerse, entre ellas, Venecia, Paris e incluso, Londres. 
Hasta el mismísimo Casanova cuenta en sus memorias que un peregrino de tez morena le robó la bolsa en una fonda, mientras cumplía amorosamente, con la compañera de viaje de éste, una tal "Serafina". Y curiosidades de la vida, con el tiempo Casanova y la pareja volvieron a coincidir en la ciudad de Venecia, cuando éstos últimos iban disfrazados de aristócratas.



Fue, concretamente, en Londres, hacia 1776, cuando Giuseppe Balsamo creó el personaje que le daría fama. Muchos habían sido los apodos que había utilizado hasta entonces, como por ejemplo, Tischio, Harat, Fenix, Pellegrini, mas se decidió, finalmente por "crearse" a si mismo con el nombre de conde de Cagliostro, cuya misión era la de sanador, originario de Egipto. 
Con estos sus "poderes", que lo eran mas orales que científicos, formó parte de distintas logias, en las que era acogido como un gran mago y curador, gracias a sus trucos de magia y a sus distintas pócimas curativas, que devolvían incluso hasta "la juventud". 



No contento con el conocimiento que de su personaje tenía ya gran parte de la Humanidad, Cagliostro se decidió por marchar al ducado de Curlandia (actual Letonia), y fue allí donde con su palabrería y su magia (que en definitiva no es mas que conocimientos de las debilidades humanas) cómo consiguió que le propusieran como gobernador de la región ante la mismísima Catalina de Rusia. Mas Cagliostro no era amigo de permanacer fiel a nadie ni a nada, y aprovechando la fama que ya tenía, empezó por "llevarse a su terreno" al duque Pablo, el heredero de Catalina de Rusia, mas ésta -que la historia nos ha demostrado que no tenía un pelo de tonta-  se olía algo extraño, y creyendo que era un espía enviado por alguna potencia extranjera, se decidió por expulsarlo.



De esta forma, Cagliostro pasó a vivir a Estrasburgo, donde para salvar su reputación, se dedicó a dar de comer y a lavar su imagen atendiendo gratuitamente a los pobres, cosa que no hacía con los ricos, y sobre todo, con la mujer del banquero Jacques Sarasin, que recuperada de unas fiebres que nadie acertaba a sanar (pura casualidad, o no, quien sabe), le valió el favor de un crédito bancario y una carta de agradecimiento que fue publicada por la prensa de Paris. 
La avaricia que siempre es pecado de ricos,y de mas de un pobre,  -de la que era portador el cardenal Rohan-, le llevó a caer a sus pies, practicando todo tipo de ritos cuya finalidad eran la de "engrandecer diamantes" (Sin duda, amén de avaricioso, tonto el cardenal).
Durante tres años Cagliosotro vivió bajo el favor del cardenal de Rohan, mas un escándalo  estalló el 16 de agosto de 1784, pues según manifestaron unos joyeros, el cardenal había utilizado el nombre de la Reina Maria Antonietta para hacerse con un valioso collar de diamantes, sin pagarlo. Como consecuencia de tal acción tanto Rohan como Cagliostro fueron encerrados en la Bastilla y juzgados por los tribunales de Paris, quienes pudieron escuchar la versión de Rohan en el sentido de que el collar había sido adquirido por él, por amor, basándose en unas cartas que tenía en su poder y cuya remitente era la mismísima María Antonietta (por supuesto, las cartas eran falsas). El hecho cierto es que el rastro de los diamantes se perdió, y tanto Rohan como Cagliostro fueron absueltos de las acusaciones que caían sobre ambos. 




La liberación de Cagliostro le supuso su partida hacía Inglaterra, donde fue tan dignamente recibido que hasta se aprovechó de la circunstancia para exigir por carta una indemnización, por el trato vejatorio recibido, de la Monarquía Francesa. La carta en cuestión encerraba, en sí, una bomba, pues en ella se incitaba a la Revolución, lo que puso enfrente una de otra a las monarquías francesa e inglesa.
Después de tamaña argücia que fue desenmascarada por conocidos del "mago", Cagliostro no tuvo mas remedio que exiliarse, en Suiza, y luego, atendiendo a los ruegos de Serafina,  en Roma, donde llegaron el 27 de mayo de 1789.




Sin embargo, las alusiones a la caída de la Monarquía y posterior triunfo de la Revolución en Francia, parece que se hicieron realidad, previo presagio de Cagliostro, quien recobró el renombre del que había gozado en su tiempo.
Fue entonces cuando entró en juego la curia pontificia, que ordenó a la Inquisición que lo detuvieran, culpándole por herejía y condenándole a"no hablar con nadie, ni ver a nadie, ni ser visto por nadie". 
El 20 de abril de 1791, Giuseppe Bálsamo fue trasladado al castillo de San Leo, donde, entre terribles augurios de grandes catástrofes para la humanidad y todo ser viviente, falleció cuatro años después.
Por lo que respecta a la que fuera su esposa, Serafina, que no cabe la menor duda que era mas lista que su "mago", acusó a éste de masón y blasfemo, y pese a que fue juzgada, terminó su vida en un convento. 




Para muchos, la magia ha sido siempre un motivo de admiración, una forma de demostrar lo indemostrable, o de hacer ver lo invisible, para GIUSEPPE BALSAMO le sirvió de "pasaporte" para una vida llena de aventuras y sin lugar a dudas, mas que movida. En todo caso, que se lo pregunten a Serafina, lo mismo, por arte de magia, nos contesta, se encuentre donde se encuentre. 




BUEN DIA A TODOS, Y ES QUE LA VIDA ES "PURA MAGIA".




viernes, 29 de agosto de 2014

Calvin Harris - Summer

BUENAS NOCHES DE VIERNES A TODOS EN UN FIN DE SEMANA MARCADO POR LA DESPEDIDA QUE NOS HACE EL MES DE AGOSTO, MAS ANTE NOSOTROS TODO UN MES DE SEPTIEMBRE PARA MUCHA DIVERSIÓN EN ESTE VERANO QUE SIGUE ADELANTE. BYE, LOVERS.-

FRANCISCO DURRIO DE MADRON: UN BILBAÍNO EN PARIS

Monumento a Arriaga en el Museo de Bellas Artes de Bilbao

Buen día, amigos todos, hoy nos vamos de recorrido cultural por la obra de un bilbaíno de adopción que desarrolló su obra fundamentalmente en París, si bien jamás olvidó sus vínculos con la ciudad que le adoptó. Hablo de FRANCISCO DURRIO DE MADRON, nacido en Valladolid, en 1868 y fallecido en París en 1940. Su obra conoce y participa de la escultura, el diseño de joyas y la cerámica, yl que podemos considerarla incluida dentro de las corrientes simbolistas y encuadrada en el modernismo.


Cabeza en cerámica

Sobre su infancia y adolescencia no tenemos muchas noticias, si bien sabemos que viajó siendo aún muy joven a Bilbao, donde estudió en la Escuela de Artes y Oficios del barrio de Atxuri y en el taller de Antonio Lecuona hasta que, en 1881, marchó a Madrid para trabajar en el taller del escultor Justo de Gandarías en la Ronda de Atocha. 
Una vez finalizó sus estudios en la Academia de Bellas Artes de San Fernando, allá por el año 1888, se trasladó y estableció en París, en donde se unió al grupo de artistas de vanguardia, que, por entonces, estaban liderados por Gaughin. Precisamente, y dada la confianza entre ambos, éste último le dejó a Durrio sus obras, cuando se fue a Martinica. Asimismo, fue amigo de Picasso, quien le regaló dos obras suyas la "Holandesa con cofia" y el "Muchacho con jarro", si bien dicha amistad se rompió como consecuencia de una discusión sobre arte.

Bajorrelieve

Los primeros años que transcurrió en el ambiente artístico de Paris discurrieron en el mítico Bateau-Lavoir de Montmatre; fue precisamente gracias a la amistad con Picasso, como Durrio empezó a trabajar la cerámica; con Gaughin, su amistad, como ya he indicado, le llevó incluso a ser coleccionista de su obra, lo que le sirvió para sobrevivir vendiendo sus obras. Dentro del movimiento parisino en el que Francisco Durrio se desenvolvía se encontraban también otros pintores vascos, como Ignacio Zuloaga y Francisco Iturrino, y catalanes, como Ramón Casas, Hermenegildo Anglada-Camarasa y Manolo Hugué.


La obra de Durrio se caracteriza, fundamentalmente, por su gran formato, como y fue el proyecto de panteón funerario de la familia Echebarrieta, o el Temple de la Victoire, un encargo en homenaje a Francia y a los aliados, una vez finalizada la Primera Guerra Mundial, mas no llegó nunca a realizarse.

Bronce

Cabeza de cerámica vidriada

Mas Francisco Durrio fue tambien un orfebre muy detallista y un gran ceramista. Sus joyas son de estilo modernista, la mayoría de ellas realizadas en plata, en tanto que los enormes jarrones vieron la luz en su taller de ceramista. Destacan también los broches, sortijas, alfileres y colgantes. Francisco Durrio fue un artista tremendamente creativo e injustamente olvidado.

Medalla

Alfiler

Anillo

La cerámica de Francisco Durrio nos muestra un peculiar sintetismo simbolista, y una especial predilección por encontrar una coción determinada para sus piezas.
La estética de su obra nos ofrece una emoción para los sentidos, un disfrute en cada una de sus creaciones, y todo ello relacionado con las aportaciones de las antiguas civilizaciones históricas, desde la oriental a la egipcia. Nos infunde un sentido completo de la evasión que nos proporciona un distanciamiento, en cierta medida, de las normas clásicas. Es fundamental su trabajo realizado en joyas, así como el dotar de rostros a jarrones con formas y colores caprichosos.

Jarrones gigantescos

Broche Cleopatra

El trabajo como orfebre y joyero de Durrió en París coincidió con las obras de Alphonse Mucha y René Lalique. Francisco estuvo en contacto con ellos y llegó a exponer sus obras, así como su joyería escultórica de estética marcadamente modernista, en las que abundaban los temas relativos a vegetales y animales. Trabajos en plata, entre los que podemos encontrar bajorrelieves, y alguna que otra obra en oro, pero no excesivamente. Sus piezas son de plata oxidada o ennegrecida, y carecen por completo de piedras preciosas. Gustaba representar a Adan y Eva, y también a Cleopatra. Igualmente, abundan las representaciones con motivos orientales.

Jarrón Cabeza

Muchas son las joyas de Durrio que se conservan en el Museo Reina Sofía de Madrid, y en el Museo de Bellas Artes de Bilbao, pues fueron adquiridas, en el año 1942, siendo el director de éste último Juan de la Encina. 
En la cerámica vidriada Francisco Durrio cultivó durante los últimos años de su vida un patrón consistente en mezclar colores muy vivos, siguiendo su particular estética modernista y esas formas tan rotundas que siempre desarrolló.


Francisco Durrio falleció en 1940, en el Hospital Saint-Antoine de París. Con posterioridad a su fallecimiento su obra fue expuesta en la muestra "Escultura Vasca 1889-1939" celebrada en el Edificio San Nicolás del Banco de Bilbao en 1984-1985, "Escultores y orfebres", en Bancaixa, Valencia (1994) y "Francisco Durrio y Julio González, Orfebrería en el cambio de siglo" (Colecciones del MNCARS), en el Museo Reina Sofía de Madrid (1997).

El Guitarrista
(Retrato de Durrio realizado por Gaughin)

"Pica aquí para saber que no eres un robot"

BUEN DÍA A TODOS

jueves, 28 de agosto de 2014

Greg Holden - The Lost Boy Official Music Video

BUENAS NOCHES AMIGOS TODOS, HOY MI CITA CON VOSOTROS UN POCO MAS TARDE DE LO HABITUAL, MAS QUE NUNCA FALTE LA BUENA MÚSICA, QUE ES TAMBIÉN PARTE DE NUESTRA CULTURA. Y YO APUESTO SIEMPRE POR LA CULTURA. VAYA QUE SÍ¡ BYE, LOVERS.

POLLOCK: LA PINTURA GESTUAL


Buen día, estimados amigos, el "post" del día de hoy me lleva a tratar de analizar, hasta cierto punto, y dentro de mis posibilidades, la obra y la personalidad de Paul Jackson Pollock, conocido como el promotor o padre del expresionismo abstracto y especialmente de la llamada action painting o pintura gestual; ello implica que Pollock pintó lo que el és, un hombre que da traslado al lienzo lo que le dicta su inconsciente. Cabe destacar que con Pollock nos encontramos con una técnica que hasta entonces nadie había utilizado, el dripping, para lo cual "mancha" sus telas, a base de derramamientos y todo tipo de entremezclados, bien oscuros o con el dominio del color.
Algo que debo deciros es que Pollock no es "santo de mi devoción", no como pintor, sino como persona, un hombre irascible, con tendencias esquizoides, y que unido al abuso del alcohol, le convirtió en una ser sumamente desagradable. Pero ello no implica que su obra haya sido alabada unánimemente, y que su consideración como uno de los mas grandes exponentes de la pintura del siglo XX, tenga por qué influir en el tratamiento que le dé a la misma. Eso se llama objetividad.





PAUL JACKSON POLLOCK nació en Cody, Wyoming, el 28 de enero de 1912, y falleció, en Springs, Nueva York, el 11 de agosto de 1956, como consecuencia de un accidente automovilístico. 
Sus padres, Stella May y LeRoy Pollock eran presbiterianos y de ascendencia irlandesa y escocesa. El padre LeRoy era granjero, si bien empezó a trabajar para el gobierno como agrimensor, lo que obligó a la familia a ir trasladándose de domicilio conforme lo requería el trabajo de aquél. De esta forma la familia Pollock vivió en Arizona y Chico, California, entre otros lugares.
En tanto vivían en Echo Park, Los Angeles, Pollock se inscribió en la Preparatoria de Artes Manuales de los Angeles, mas fue expulsado de la misma, y eso que ya lo había sido también en 1928. 
Sus primeros años los dedicó a estudiar la cultura de los pueblos nativos de los EE.UU., a la vez que acompañaba a su padre en sus viajes.



Es en 1930 cuando Pollock marcha a vivir a Nueva York, donde ya residía su hermano Charles, que era estudiante de pintura. Es en la ciudad de los rascacielos donde se inscribe en la Art Students League, y contacta con los grandes muralistas mejicanos como J.C.Orozco, Diego Rivera y D.A.Siqueiros, en tanto éstos están de viaje por los EE.UU. En el año 1935 el Federal Art Project le hace varios encargos consistentes en grandes murales, todo ello financiado con un programa, el Rooselvelt, destinado a ayudar a los artistas noveles. Un año mas tarde Siqueiros le invita a participar en su taller en el que experimenta con pintura con bomba de aire y con aerógrafo, así como utilizando pinturas de pigmento sintético industrial. No obstante, y pese a que sigue trabajando en el perfeccionamiento de su técnica pictórica, la crisis económica, la miseria, y sobre todo, el alcoholismo, presencia permanente en su vida, le obligan a hacer una cura de desintoxicación.



Pese a su salud, perjudicada por el alcohol, Pollock sigue desarrollando su faceta artística y en 1941 conoce, gracias a la pintora Lee Krasner, con la que se casará en 1945, a H. Hoffmann y a distintos representantes del expresionismo abstracto, entre los que podemos citar a R. Motherwell, . Gorky y R. Matta. Este grupo mantiene contacto con los artistas europeos que escaparon tras la Gran Guerra, sobre todo, a Miró, surrealistas como Ernst, y A. Masson, el poeta André Breton y a Mondrian. Con la finalidad de hacer de ellos un grupo que aúne sus intereses Peggy Guggenheim funda en 1942 Art of this Century, que es a la vez un museo y una galería comercial, e invita a Pollock a exponer en ella. Posteriormente, le hará un contrato y le encargará  una pintura mural para su propia residencia. Es gracias a este auge en su trayectoria artística que Pollock trabaja incesantemente, y de esta época datan sus obras Stenographic Figure, The Sep-Wolf, The Moon Woman Cuts The Circle y algunos mas. La última de sus obras que podemos encuadrar dentro de su "clasicismo" es la titulada Eyes in the Heat (1946).

Eyes in the Heat

Es en 1947, cuando Pollock empieza a realizar sus primeros drippings, a la vez que hace su última exposición en de Art of this Century. A continuación firma un contrato con la Galería B. Parsons. Es a partir de este momento cuando su pintura, calificada como gestual, recibirá la denominación de action painting, tal y como la llamó el crítico norteamericano H. Rosenberg. Pollock sigue produciendo una serie de obras que se enmarcan dentro de esta tendencia y en 1948 participa en la Bienal de Venecia. En 1950 su obra llega a su máxima expresión con creaciones como Lavander Mist: Number 1 o Composition (Lugano) One: Number 31, a la que se considera su obra maestra.

One Number 31

En 1951 su trabajo vuelve a situarse en el contexto de una figuración en blanco y negro, que lleva la marca de Picasso: Echo: Number 25, (1951) Number 7 (1952), Portrait and a Dream (1953). Pollock continúa trabajando el dripping con Blue Poles: Number 2 (1952). Pinta su última obra maestra The Deep (1953), y su carrera pictórica se ve truncada por un accidente automovilístico en 1954, a los 44 años, y mientras conducía alcoholizado.

Blue Poles: Numeber 2

The Deep

En el año 1956, la revista The Times calificó  a Pollock como "Jack el salpicador", debido a su estilo de pintar.

"Mis pinturas no vienen de un caballete. Prefiero fijar el lienzo nuevo a una pared o en el piso. Necesito la resistencia de una superficie dura. En el piso me siento mas tranquilo. Me siento mas cerca, mas parte de la pintura, ya que de esta manera puedo caminar alrededor de ella, trabajar desde cuatro lados y literalmente "estar" en la pintura.
Continúo alejándome de las herramientas tradicionales de los pintores como los caballetes, las paletas y pinceles, etc. Prefiero varitas, palas de jardinero, cuchillos y pintura diluida o impasto con arena, vidrios rotos o cualquier otro material añadido.
Cuando estoy "dentro" de mi pintura, no soy consciente de lo que estoy haciendo. Tan solo después de un periodo de "aclimatación" me doy cuenta de lo que ha pasado. No tengo miedo a hacer cambios, destruir la imagen, etc.., porque la pintura tiene vida propia. Intento dejarla salir. Es solo cuando pierdo contacto con la pintura cuando el resultado es un desastre. De lo contrario es armonía pura, un sencillo dar, y recibir, y la pintura resulta bien".

-Jackson Pollock, My Painting, 1956.

729 POLLOCK


He de reconocer que pese a mi cierta resistencia hacía la persona de este diíicil  y controvertido hombre, su personalidad como ARTISTA es indiscutible y su obra de una calidad que ha pasado a la historia de los grandes de la PINTURA. 
Espero no defraudar con este pequeño esbozo de su personalidad a los grandes defensores y aficionados a su obra, en definitiva, el hecho de haberle traído a este mi espacio, que lo es ante todo, de todos vosotros, implica, en cierta forma que yo también "he sucumbido" a POLLOCK -lo quiera o no-.

BUEN DIA A TODOS.