jueves, 30 de junio de 2016

Jake Bugg - Broken







BUENAS NOCHES A TODOS

(I LOVE JAKE.....)

PURA KASTIGÁ

AMOMIPOESÍA.- AQUELARRE




AQUELARRE

Quisiera que hablaran por mí
palabras que saben de luz, amor y afectos;
que cantaran por voces de jilgueros,
melodías de salón,
risas de niños,
jugando en la plaza del pueblo.

Palabras que abundaran
en el amor que por ti siento,
en el deseo oscuro de tu sexo
que conoce nuestros cuerpos.

Mas son las mías palabras
alimentadas por soledad,
nutrida por desconsuelo.
Proclaman estados de angustia,
tristeza o desencanto.

Ni rendida a nadie me entrego,
en tanto no puedo creer en lo que
ni siquiera sé si quiero.

No sé si soy yo, en esencia,
o soy lo que veo,
que mi alrededor deviene
aquelarre de invierno.



Rosa Freyre del Hoyo.



miércoles, 29 de junio de 2016

UMBERTO BOCCIONI.- FORMAS ÚNICAS DE CONTINUIDAD EN EL ESPACIO


Umberto Boccioni

Buen día.

Dedicamos el día de hoy a una sola obra, cuyo autor es el escultor y pintor italiano, teórico y representante del conocido como movimiento futurista, su nombre UMBERTO BOCCIONI, y su obra FORMAS ÚNICAS DE CONTINUIDAD EN EL ESPACIO.




Mas, antes de continuar con este tema, voy a haceros una breve exposición  de lo que se consideró la revolución futurista, cuyo iniciador y promotor fue el poeta Filippo Tommaso Marinetti (1876-1944), quien en 1909 expresó en un manifiesto, en París, la apuesta por la renovación total de la cultura y del arte. Es así que, en contraposición con los modelos tradicionales, los futuristas se decantaban por plantear una nueva concepción de la vida, y por ende, una nueva forma de expresión artística, todo ello basado en los principios que regulaban la que llamaban "la civilización de las máquinas", en el siglo XX.




Pues, informados de lo que supuso el movimiento futurista, nos adentramos en el estudio de esta singular obra escultórica: FORMAS ÚNICAS DE CONTINUIDAD EN EL ESPACIO, en la que Umberto Boccioni quiso reflejar las fuerzas vitales que mueven al cuerpo humano y llevó a cabo su representación mediante la utilización de formas plásticas que reflejaran el movimiento interior de la musculatura durante el esfuerzo. 
Su versión original se encuentra en yeso y fue realizada en 1913. Sus dimensiones son 111,2 cm de altura, por 88,5 cm de largo y 40 cm de ancho. Tanto el original, así como una fundición en bronce se encuentran en Sao Paulo, en el Museo Contemporáneo de la Universidad de Sao Paulo. Las diferentes fundiciones se encuentran repartidas en diferentes museos en Nueva York, Londres, Los Ángeles y Milán.



La escultura se caracteriza fundamentalmente por una concepción del todo moderna, en la que Boccioni apostó por individualizar las líneas de fuerza o de energía del movimiento. 
La estatua no está cerrada sino que adopta la forma abierta.
Y es mas que acertado aclarar que con esta escultura, Boccioni se interesó por ir más allá del movimiento, haciendo un estudio de lo que significa la velocidad y la fuerza en la escultura, y dando una expresión lumínica a la superficie tallada. 
Como bien podréis observar su estructura excede lo que son los límites del cuerpo humano y puede afirmarse que asemeja a una bandera que ondea al viento, nos ofrece la impresión de que el cuerpo lucha contra indeterminada fuerza invisible, y el resultado, maravilloso, es un retrato en "tres dimensiones". Evidentemente, carece de una cuarta dimensión, el tiempo, algo a lo que solo podemos aspirar los seres humanos. 





Y una curiosidad: esta escultura aparece reproducida en una de las caras de la moneda de 20 céntimos de euro italiana.




BUEN DÍA A TODOS

Blog incorporado al
Directorio Hispano de las Artes


Fuentes: Historia del Arte (Susaeta)
Wikipedia.

martes, 28 de junio de 2016

Shura - Make It Up (Official Audio)







BUENAS NOCHES A TODOS

PURA KASTIGÁ

AMOMIPOESÍA.- LA BRUJA




LA BRUJA

La bruja la creó la esencia
de conocimientos ancestrales,
de miedos a lo desconocido.

En sus manos,
una baraja del tarot
le habla de todo futuro.

No hace falta saber del presente
cuando anhelamos la esencia
de lo que quizá no sea.

La bruja sabe bien de sus artes:
atiende respondiendo por la duda eterna
que albergamos nuestra.

Siendo dueña del porvenir,
maneja el ayer y el hoy,
adivina cualquier misterio
con una mirada de sus ojos negros,
y una tirada de cartas.

También lee en tus manos
las líneas de la vida,
ésa que habita en nuestros sueños.


Rosa Freyre del Hoyo.

Fotograma: Maléfica. Angelina Jolie


lunes, 27 de junio de 2016

Sarah McLachlan - Angel [Official Music Video]






BUENAS NOCHES A TODOS

PURA KASTIGÁ

EMIL OTTO HOPPÉ: RETRATO PSICOLÓGICO Y FOTOGRAFÍA DOCUMENTAL.

Emil Otto Hoppé

Buen día.

Nos estrenamos hoy con un artículo dedicado a un fotógrafo cuya obra conoció el éxito y el reconocimiento del público, y que puede considerarse en la línea marcada por Richard Avedon o Irving Penn.

EMIL OTTO HOPPÉ fue un fotógrafo británico si bien sus orígenes eran alemanes. Nacido en Munich, el 14 de abril de 1878, falleció en Londres el 9 de diciembre de 1972, siendo su obra muy variada pues nos aproxima al retrato, a los viajes y a la imagen captada en la calle.
Se le considera con un talante modernista dentro de la etapa histórica que supuso la era eduardiana.



Sus primeras fotos las realizó en 1907, y conoció el éxito entre la élite cultural y artística de su época, toda vez que formaba parte de la misma y tenía la posibilidad de tratarse con políticos, intelectuales, así como los mas que famosos actores y actrices de su época, pues siendo un retratista muy reconocido, era requerido por personalidades como Georges Clemencau, Ezra Pound o incluso, George Bernard Shaw.



En definitiva, su obra es una fiel exposición de lo que de modernidad se vivía dentro de la intelectualidad y creatividad de la primera mitad del siglo XX.
Y una de sus aportaciones mas célebres fue el hecho de que empezó a 
considerar la belleza femenina no solo a la mujer blanca, sino también a la de otras razas.




Toda vez que su familia se dedicaba a negocios bancarios, fue la suya una educación que le permitió estudiar en diferentes escuelas en Munich, París y Viena.
Si bien, por tradición familiar, empezó a trabajar en el mundo de la banca, tras su matrimonio con Marion Bliersbach permaneció en Londres y fue abandonando su trabajo, hasta dedicarse a la fotografía, decantándose por lo que se considera la fotografía pictorialista.



Fue su gran amigo Geroges Bernard Shaw quién le dio a conocer entre las personalidades mas conocidas de su tiempo, en los distintos ámbitos. Es así que retrató a Arthur Conan Doyle, Rabindranath Tagore, Albert Einstein, Mussolini, el rey Jorge Vi, Ezra Pound y otros muchos. 

Mas algo que diferencia a Emil Otto Hoppé de muchos otros fotógrafos que se decantan en su trabajo por una exclusiva temática, es el hecho de que Emil también participó de la fotografía de la calle, los lugares públicos, amén de retratar distintos aspectos de las zonas industriales de su ciudad. 
Sus viajes por países como Cuba, Jamaica, Polonia o Japón quedaron retratados en sus imágenes. 



No cabe la menor duda de que en la fotografía de Emil Otto Hoppé se observa la trayectoria que marca la diferencia del retrato de la personalidad al de todo aquél que encontraba por la calle, haciendo una reflexión psicológica de lo que es la esencia humana.

Sus retratos están firmados por un pictorialismo que nos evoca el mundo de los sueños, a la vez que por el modernismo, haciendo de la esencia de sus retratados la protagonista, y no su belleza.
Su trabajo era muy cuidado, nada dejaba al azar, procurando alcanzar el mundo más íntimo de la persona. 
Ello lo podemos descubrir en sus primeros planos, pues carecen de fondos o decorados, siendo fundamental el tratamiento que le daba a las expresiones faciales.




Asimismo, en las calles de Londres encontró un magnífico escenario para lo que le pedía su espíritu cosmopolita.
Para llevar a cabo su trabajo se servía de una Kodak Brownie que escondía en una bolsa de papel, y con ella captaba imágenes de incognito. Posteriormente, se decidió por utilizar una Leika, mas ligera y rápida, y a la que no escapaba cualquier momento que Emil Otto Hoppé quisiera hacerlo "para siempre". 




Fue en 1954 cuando vendió su archivo personal a la Mansell Collection de Londres, si bien como consecuencia de que este archivo se llevaba por temas y no por autor, la obra se fue esparciendo hasta que en 1994, el comisario Graham Howe recuperó toda la obra de Hoppé y la reconstruyó al completo, después de varios años de investigación y catalogación, por lo que la espléndida obra de este genio de la fotografía EMIL OTTO HOPPÉ puede ser vista en su integridad.




Fue precisamente la Fundación Mapfre, la que llevó a cabo, en Madrid una exposición en 2012, bajo el nombre de Hoppé, El Estudio y la calle.



BUEN DÍA A TODOS

Blog incorporado al
Directorio Hispano de las Artes



Fuentes: Cada día un fotógrafo
Maestros de la fotografía.
Fundación Mapfre.


domingo, 26 de junio de 2016

Fito & Fitipaldis - Entre la espada y la pared (Videoclip oficial)








BUENAS NOCHES A TODOS


PURA KASTIGÁ

AMOMIPOESÍA.- ADIÓS








ADIÓS
Hay diferentes tiempos
que asignados tenemos para vivir,
descubrir el que lleva tu nombre
no solo de ti depende.
Compañeros de viaje nos animan.
Pequeñas señales,
mensajes en claves,
todo está preparado
por el azar de cada momento.
Hay diferentes tiempos
que nos acercan a preparar la despedida,
mas solo cada cual conoce
de cada momento el suyo.
Desconsuelo en la evidencia
para aquéllos que dejamos atrás,
siempre hay lágrimas
que guardamos sin saberlo.

                               Rosa Freyre del Hoyo.



sábado, 25 de junio de 2016

Celtas Cortos - Cuentame Un Cuento - videoclip








BUENAS NOCHES A TODOS

PURA KASTIGÁ


MAXIMILIEN LUCE.- EL MAS DELICIOSO PUNTILLISMO PAISAJISTA.


Maximilien Luce


Buen día.

Hoy nos dejamos llevar por la pintura y por un artista que, amén de pintor, fue también impresor y grabador. 
MAXIMILIEN LUCE nació en París, el 13 de marzo de 1858 y falleció el 6 de febrero de 1941. 



Sus inicios en las Bellas Artes lo fueron como grabador, en el taller de Hildebrand, donde llevó a cabo su formación, finalizándola en 1876. Poco después, Maximilien Luce se decanta por trabajar con Eugène Froment, dedicándose al grabado de planchas para publicaciones.
Bien es cierto que empezó sus estudios en la "Escuela de Artes Decorativas", pese a que después trabajara como xilógrafo. Sus comienzos como grabador le llevaron, con el tiempo hacia la pintura.
Amén de ser aprendiz del  grabador Hildebrand, también recibió formación en dibujo con Truffet and Jules-Ernest Paris, asistiendo a clases nocturnas que el pintor Maillart impartía en la fábrica de  tapices Gobelins.





Sus trabajos en el taller de Eugène Froment le sirvieron para participar en publicaciones como L´Illustration y The Graphic, de Londres.
Mas el hecho de que tuviera consolidada una cierta reputación, no le impidió continuar formándose, esta vez en la Académie Suisse y en el taller del pintor Carolus-Durán.





Su éxito definitivo le vino gracias a la práctica, en su pintura de la conocida como técnica puntillista, de la que Georges Seurat fue el máximo exponente, y esa notoriedad lo fue, fundamentalmente, entre el mundo obrero, que habitaba en el barrio de Montparnasse, lo cual le llevó a hacer con sus obras plasmaciones de barrios industriales y en los que daba una especial presencia al hombre trabajador. 




Su presencia fue mas que general en numerosos certámenes artísticos de Bruselas, primero en el Salon des XX, y posteriormente, en La Libre Esthétique.
En 1892 conoció a Signac en Saint-Tropez y un año más tarde se decidió por marchar a Bretaña.
De esta forma sus puertos y sus mares pasaron a ser protagonistas de sus lienzos. Es abundante en su obra el paisaje, si bien, hacia 1900 se decantó por el retrato y la pintura de flores, sirviéndose de una pincelada libre.




Mas no cabe la menor duda que en Maximilien Luce tuvo una fundamental parte su descubrimiento de los colores que podemos apreciar en sus obras que nos hablan de la Revolución industrial.
Siguiendo el posicionamiento político de Camille Pissarro fue, durante toda su vida, un anarquista activo, haciendo numerosas manifestaciones contra la tragedia de la que fue la Primera Guerra Mundial. Tanto es así que, por sus ideas, fue a presidio en la cárcel de Mazas, y esta dolorosa situación la  plasmó en un álbum de 10 litografías, con la colaboración mediante textos de Jules Valles.





Y una especial reseña que os dejo sobre el concepto de "puntillismo", que creo que os servirá para conocer y acertar mejor en el contenido de la obra de MAXIMILIEN LUCE.







El iniciador del puntillismo fue George Seurat quien creó una técnica pictórica nueva, consistente en aproximar pequeños puntos (points), utilizando colores complementarios o contrastantes.
La utilización del azul junto al amarillo, o del rojo junto al verde tenía como finalidad acrecentar los efectos de vibración luminosa. Contemplados a distancia, los colores se mezclan en la retina del ojo del espectador, mostrando un aspecto homogéneo, si bien lleno de vida.



BUEN DÍA A TODOS

Blog incorporado al
Directorio Hispano de las Artes


Fuentes. 
Museo Thyssen Bornemisza
Wikipedia.
Historia del Arte. Susaeta.