MARC CHAGALL Y LA ESCUELA DE PARIS

MARC CHAGALL

Buen día a todos estimados amigos, hoy volvemos a disfrutar de la pintura, y con ella a tratar la personalidad de un gran artista perteneciente a la que se conoció como la Escuela de París, una etiqueta o calificativo que se utilizó para enmarcar a toda una comunidad de artistas que ejercieron su actividad en la capital francesa entre las dos grandes guerras. No se identifica con ningun estilo artístico concreto, sino que tiende a agrupar a aquellos creadores que no están adscritos a ningún movimiento específico. 

Entre ellos nos encontramos con un exponente fundamental, la figura de MARC CHAGALL.

Over The Town

Birthday

Su historia, como la de todos los artistas cuyo un legado es de especial relevancia para la humanidad, viene marcado por su llegada a Paris, después de la Primera Guerra Mundial , y todo ello como consecuencia de que la "ciudad de la luz" se había convertido en un centro internacional del arte, tras del mas que ineludible triunfo del cubismo. Entre los numerosos artistas que se dieron cita obligada en Paris para beneficiarse de tal auge artístico; es de destacar que, en el periodo de entreguerras, había en Paris,  los llamados salones independientes que se calculaban en veinte, aproximadamente,  y nada mas y nada menos que 130 Galerias de Arte.

París

En consecuencia, ese bullidero artístico servía de atractivo a gran número de coleccionistas y creadores.

Fue precisamente el crítico André Warnod el que dio nombre a la conocida "Escuela de Paris", a principios de los años 20, y especialmente, referida a todos aquellos artistas, que sin ser franceses, residían en la ciudad, muchos de ellos residentes en barrios bohemios, como Montmarttre o Montparnasse.

De entre estos artistas, muchos de ellos eran judios, que huían del antisemitismo existente en Europa, y uno de sus mayores exponentes era nuestro protagonista de hoy, MARC CHAGALL, cuyo arte puede encuadrarse dentro de un estilo figurativo y poético, si bien algo influido por el expresionismo. Sus obras son, sin la menor duda, los mejores exponentes de la Escuela de Paris.

Éxodo

MARC CHAGALL nació en una mas que pequeña aldea bielorrusa (Vitebsk-1887) en el seno de una familia judía, cuya condición marcaría no solo su vida, sino su obra también. 

Marc Chagall mezcla en su obra lo real con lo irreal, da paso a la imaginación, a la nostalgia. Sus obras nos hablan mediante figuras geométricas articuladas, y nos ofrecen una visión de lo que en esencia puede conseguirse mediante la mezcla de lo que en puridad es ruso, judío, y lo que las vanguardias francesas, aportaron a su propio estilo y obra. En su producción podemos encontrar mas que figuras imaginarias, en las que el espectador se recrea en cada detalle. 

El violencelista

Sus primeros años transcurrieron en San Petersburgo, en los que pasó grandes dificultades económicas. Gracias a su encuentro con Lev Bakst, uno de los mas acreditados escenógrafos del ballet ruso, la suerte empieza a serle favorable. 

Entre los años 1910 y 1914 vive en Paris, donde desarrolla la mayor parte de su obra, y en la que aparecen numerosas escenas de la ciudad, con sus monumentos y lugares mas característicos, siempre sorprendidos por la luz y el color que Chagall les proporcionaba.

Es por esta época cuando conoce a un numeroso grupo de intelectuales y artistas, bohemios, entre los que podemos destacar Apollinaire y Modigliani; el primero de ellos le ayudó en sus primeras exposiciones, como la que llevó a cabo en Der Sturm, en la que se expuso, entre otras obras, su "Desnudo sentado en rojo" (1908).

Desnudo sentado en rojo

De este periodo sus obras nos ofrecen una visión un tanto influida por el entorno en el que vive inmerso, gracias a sus formas geométricas y coloristas, en las que observamos cierto legado fauvista, al que se une el cubismo, y todo el color que la herencia rusa ha dejado como marca en su obra. Destacan sus obras "Homenaje a Apollinaire" o "El poeta".

El poeta tumbado

Homenaje a Apollinaire

Marc Chagall, después de esta experiencia en Paris, se decide por regresar a Rusia, sirviendo de testigo de lo que fue la revolución. Se instala en Moscú, junto con su esposa, Bella Rosenfeld, la cual le sirvió de inspiración en aquellas obras que tienen el amor como temática. Así podemos disfrutar de "Por encima de la ciudad", "Mujer del artista", "El paseo", o "El cumpleaños".

"A mi esposa"

Mujer del artista

Durante este periodo el folklore ruso es eje esencial de su producción, si bien son frecuentes los enfrentamientos con diferentes artistas, por lo que, en 1922 marcha a Barlín y en 1923 regresa de nuevo a París, donde se instalará hasta 1941, debiendo escapar obligado por la persecución de que son objeto los judios en toda Europa durante la Segunda Guerra Mundial. 

Evidentemente, las vivencias de Chagal se hacen presentes en su obra, pues su pintura refleja el dolor, apunta a los colores oscuros y afronta el sufrimiento del ser humano.

Russian village

Vidriera de la entrada del Salón de la Meditación de la ONU

Finalizada la guerra y después de pasado algún tiempo, Chagal, junto con su nueva esposa, se decide por volver a Francia, donde dará un giro total a su obra; de esta forma podemos recrearnos con la visión de las vidrieras de la sinagoga del Hospital de Hadassah o los frescos de la ÓPERA DE PARIS, en 1964, así como los murales del Metropolitan Opera House de Nuera York, en 1965.

Ópera de París

Vitrales de la Sinagoga de Jerusalém

También son de reconocido prestigio los grabados que realizó para ilustrar la Biblia. 

En Marc Chagall nos encontramos con una mas que perfecta combinación de evocaciones, fantasía y folklores. Los Temas Bíblicos, los del Antiguo Testamento, así como otros muchos formaron parte fundamental del Museo Marc Chagall, de Niza, inaugurado en 1973.

Mas Chagall también ilustró una serie de obras literarias como "Las almas muertas", de Gogol, y "Las Fábulas" de Lafontaine.

Ilustración para "Las almas muertas"

Ilustracion para Las Fábulas, de Lafontaine

Su vida, que no su legado, vió su fin el 28 de marzo de 1985, en Saint Paul de Vence, en el sur de Francia.

Marc Chagall fue un hombre y un artista que buscó siempre la independencia, una independencia que aplicó a la temática y a la técnica de su obra, mas ello no fue y es óbice para que la perdurabilidad de la misma sea algo patente. 

Chagall es única y exclusivamente, CHAGALL.

El violinista celeste

MAGIA=CHAGALL

BUEN DÍA A TODOS

El Pescao - Azul y Blanco

BUENAS NOCHES DE LUNES CON LO NUEVO, NOVÍSIMO DE EL PESCAO. A MI COMO QUE ME ENCANTA, Y A VOSOTROS SEGURO QUE SÍ, COMO TODO LO QUE SACA ESTE CHICO. DELICIA EL PESCAO. ¿TE CONOZCO? ...AZUL Y BLANCO.... BYE LOVERS.

LAS CHICAS DEL CINE MUDO.

Buenos dias, estimados amigos, después   del paseo, eso sí, virtual, y en la medida en que mis posibilidades he podido ofreceros sobre la exposición de SADE, en el Museo D´Orsay, y que está batiendo records de entradas, hoy, me he decidido por un tema relacionado con el cine, el cine mudo y fundamentalmente, con las mujeres que, desempeñando distintos papeles, totalmente opuestos, se hicieron famosas.

Evidentemente, el cine siempre ha intentado llevar al público determinados roles o aptitudes, en este caso, de la mujer, y por lo que respecta a los años del cine mudo, nos podíamos encontrar con heroínas, tipo virginal, al estilo de Lillian Gish, o con cierto punto juguetón, como Mary Pickford. Mas este tipo de mujer también tuvo su contrapartida con las denominadas "vamps", diminutivo de las vampiresas, mujeres que lograban que todo hombre que cayera rendido a sus deseos; tal es el caso, de la mas que insinuante Theda Bara, protagonista del film "A Fool There Was" (1915).Era conocida por sus mas que atrevidos trajes, en los que el sujetador tenía forma de serpiente, que permitía ver, en gran medida su pecho. También era característico el papel de las llamadas "flappers", que en los años 20, sustituyeron a las "vamps", adoptando un papel mas hedonista, desprovisto de maldad. 

Lillian Gish

Mary Pickford

Las mas "famosas", por decirlo de alguna manera, eran las "flappers" que se identificaban con la nueva mujer, feminista, fumaba, bebía, bailaba al ritmo de diferentes melodías y sobre todo, tenía una mas que libertad sexual. También tenían "papel" en dichas películas del cine mudo, las esposas sofisticadas, al estilo de Gloria Swanson, que trabajó en numerosas ocasiones con Cecil B. De Mille.

Gloria Swanson

Con el tiempo, se impuso el modelo de chica trabajadora y liberada, propias de las comedias mas alocadas de los años 30. 

No obstante el papel de la mujer "vamp", siempre permaneció vigente, gracias, en gran medida a su mejor exponente, la antedicha Theda Bara, si bien Pola Negri en su interpretación de Catalina la Grande en "Forbidden Paradise", dirigida por Ernst Lubitsch, la catalogó en tal sentido.

Pola Negri

Sin embargo, Theda Bara no fue la primera vampiresa que conoció el celuloide, sino que también destaca la figura de Alice Hollister, mas Bara ganaba en erotismo a ésta última. 

Como ejemplo de "femme fatale" no podemos dejar de reseñar a la insuperable Greta Garbo, la cual en 1926, en The Temptress,  le hace un auténtico a John Gilbert, en la pantalla y fuera de ella, en "Flesh and the Devil".

Greta Gargo

Clara Blow

Louise Brooks

Los años 20 conocen, asimismo, el trabajo de Clara Bow, Joan Crawford y la mas que inocente Lulu, cuyo papel representó Louise Brooks, en "Die Büchse der Pandora", de G.W. Pabst.

Theda Bara

Mas la protagonista de nuestro post de hoy es THEDA BARA, que fue un mas que extraordinario fenómeno de los primeros años del cine, mostrando siempre unos encantos seductores, y peligrosos.

Nacida en Cincinanati, Ohio, con el nombre de Theodosia Burr Goodman, su padre ejercía de sastre, y tenía un próspero negocio. Theda fue a la Universidad de Cincinnati, donde estudió teatro. Poco después se trasladó a Nueva York y debuto, en 1908, en Broadway, con The Devil. 

Su primer papel le supuso el éxito fulminante, en "A Fool There Was", un auténtico bombazo para la Fox, gracias a cuya recaudación se creó la Fox Film Foundation, y Theda Bara en su principal estrella. Entre otros films, rodó CLEOPATRA, y llegó a filmar un total de cuarenta películas con Fox, si bien muchas de ellas se han perdido.

Abandonó la Fox, y con ello, su trabajó se resintió en gran medida, pues sólo rodó dos películas. Después de trabajar durante un tiempo en Broadway en The Blue Flame, en 1927, abandonó el cine, tras contraer matrimonio con Charles Brabin. 

Theda Bara

Para los aficionados al cine, que sé que los hay, y muchos entre todos los que seguís este blog, la película con la que mas nos identificamos protagonizada por THEDA BARA fue "A fool There Was", dirigida por Frank Powell. De ésta, su mejor crítica vino  del guionista de los hermanos Marx, S.J. Perelman: "Lo que dio sentido a la imagen no fue su historia, que era pésima, ni la interpretación de los actores, sino la química, algo salvaje, que desprendía la pequeña Theda Bara, quien inmortalizó a la vampiresa, del mismo modo que la pequeña egipcia de la exposición universal de 1893 tenía el hoochie-coochie".

La película basaba su argumento en la obra de teatro del mismo nombre que se inspiró en el poema de Rudyard Kippling "The Vampire". El papel de Theda Bara es el de una vampiresa urbana que seduce a un hombre de negocios -John Schuyler- económicamente bien situado, al que persigue desde EE.UU. hasta Europa, y le convierte en su esclavo. Mas tras ser despedido de su trabajo, éste regresa con su amante a Nueva York donde ambos se establecen. Pese a que la esposa de de Schuyler, intenta por todos los medios recuperar al que es su esposo, este cae una total degradación final.

Theda Bara

Gracias a este film, THEDA BARA, una de las mas representativas protagonistas de películas del cine mudo, se convirtió en un auténtico sex symbol y dió paso, con el tiempo, a una mas que suculenta chicas conocidas como "femmes fatales".

Silent Ladies

Y es que el cine, magia en todos los sentidos y del que muchos de nosotros somos incondicionales, es una fuente inagotable que nos aporta conocimiento de distintos mundos todos ellos confluyentes en la magia que unas imágenes nos hacen sabernos transportados en el tiempo y en el espacio. 

BUEN DIA A TODOS

"Aprende como si fueras a vivir toda la vida y vive como si fueras a morir mañana" (Charles Chaplin).

DOVER SERENADE MÚSICA SI

BUENAS NOCHES A TODOS CON LA PRESENCIA DE LAS HERMANAS LLANOS (DOVER) ENTRE NOSOTROS. BUENA MÚSICA LA DE ESTAS DOS CHICAS Y LA DE SUS CHICOS, POR SUPUESTO. DELICIOSA, SERENADE. BYE, LOVERS.

MARQUES DE SADE: LA ARRIESGADA APUESTA DEL MUSEO D´ORSAY.

Logo del Museo D´Orsay

Buen día a todos, empezamos con un video que no está recomendado para menores, y cuyo contenido puede herir la sensibilidad del espectador -que es lo que se dice siempre-;  éste que vereis a continuación -(si es vuestra voluntad)- es el VIDEO DE PRESENTACION DEL MUSEO D´ORSAY, de Paris, que ha hecho público con motivo de dicha exposición, comisariada por Annie Le Brun y Laurence des Cars, conservadora general, directora del museo de l´Orangerie, y al que hace la misma advertencia.

Marqués de Sade

Visita Guiada

La exposición de que hablo ha abierto sus puertas el pasado 14 de octubre y estará a disposición de todo aquel que quiera sumergirse en la historia de Donatien Alphonse François de Sade (1740-1814), un hombre, cuya vida y cuya obra supuso una total revolución tanto para la literatura como para las artes, en general, pues aquélla sirvió de inspiración a muchísimos artistas posteriores.

Museo D´Orsay

En palabras de Annie Le Brun, especialista en Sade y comisaria invitada, la exposición que tiene actualmente sede en el Museo D´Orsay "pone a la luz la revolución de la representación abierta por los textos del escritor. Se abarcarán los temas de la ferocidad y de la singularidad del deseo, del desvío, del extremo, de lo raro y de lo monstruoso, del deseo como principio de exceso y de recomposición imaginaria del mundo, mediante las obras de Goya, Géricault, Ingres, Rops, Rodin, Picasso..."

Se advierte, expresamente, al público que ciertas obras y documentos pueden herir la susceptibilidad de los visitantes.

  

Video de presentación

El Marqués de Sade dejó escrito: "Sostuve todos mis extravios con razonamientos. No dudé, vencí, supe arrancar de raíz, supe destruir en mi corazón todo lo que podía estorbar a mis placeres.... Es necesario tener el valor de transgredir los límites".

Ésta que nos presenta el Museo D´Orsay es una impresionante muestra, con un total de 500 obras de Goya, Ingres, Rodin, o Marx Ernst, y que encontraron su inspiración en el autor de la reconocida "Los 120 dias de Sodoma".

Evidentemente, la influencia de la obra de Sade lo fue también sobre la literatura, en escritores de la talla de Baudelaire, Flaubert, Huysmans, Apollinaire o los surrealistas. 

Donatien Alphonse François de Sade, nació el 2 de julio de 1740 y falleció el 2 de diciembre de 1814, en el asilo de Charenton, en las afueras de París, pues pasó 27 años de su vida en prisión, lo que  convirtió su personalidad perversa en la de un escritor mas que rebelde. 

Escena de guerra en la Edad Media, Edgar Degas

Angelique-Ingres

Degas fue un mas que excelente pintor que representó, a menudo, los cuerpos en total libertad, una libertad que nos lleva cerca de la violencia y mas allá del abandono.

Mas no solo son los pintores de principios del siglo XIX los que representan escenas de cuerpos desnudos, Gericault, nos representa una escena de canibalismo en su obra "La Balsa de la Medusa", como podemos ver a continuación.

El radical legado del Marqués de Sade es el que sirve de base para ofrecernos la visión de la muestra "Sade. Atacar el sol", y ello con motivo del bicentenario de su muerte. Nos encontramos ante un mas que acertado precursor del considerado malditismo, es mas nos lleva a plantearnos la historia de todo lo que es modernidad.

Su obra es mas que un ataque directo al cuerpo, a todo lo que es cruento y brutal, y todo ello bajo una representación última -la del deseo-. Un elogio del exceso, de aquel que clamaba porque "la revolución pertenece a los voluptuosos".

Y como muestra Rodin, también participa de esta revolución al ilustrar "El Jardin de los Suplicios", de Octave Mirbeau. Algo bien cierto es que Rodin, fue un artista obsesionado con el deseo, que vivió en su propia existencia de forma confusa y truculenta, pues llegó a producir mas de 10.000 dibujos eróticos, algunos de los cuales se muestran en la exposición. He aquí uno de los trabajos de Rodin que trabajan el tema del erotismo.

Salambó

Rapto de Cezanne

Entre los mas que "prestigiosos préstamos" que ha recibido, con motivo de esta exposición el Museo D´Orsay, podemos encontrar "La Medea" de Delacroix, las "Figuras al borde del mar", de Picasso o "El sueño" de Courbet. 

La escenografía de la muestra también nos enfoca al mundo de lo oscuro.

Medea

Figuras al borde del mar

El sueño

Las mas que diferentes expresiones del deseo, de la perversión, de la violencia sirven para mostrarnos e interrogarnos hasta qué punto nuestra sensibilidad puede verse alterada ante la visión de los puntos de vista del pensamiento del Marques de Sade. No cabe la menor duda, que el Marqués de Sade fue un hombre que vivió una etapa histórica que no estaba preparada para conocer y difundir una obra como la suya. Provocación y escándalo, que le acompañó también en su existencia vital y que le llevaron a terminar su obra ""Los 120 dias de Sodoma", entre muros, en la Bastilla, a la que fue trasladado en 1789.

Para poetas, como Guillaume Apollinaire, Sade es el espíritu mas libre que jamas haya existido, cuya esencia prendió en autores como Baudelaire, Flaubert o Swinburne, considerado como "maudit",  el adjetivo mas cualificado que puede recibir un artista, para hacerle no popular, sino reconocido mundialmente. 

Mujer estrangulada, Cezanne

El origen del mundo-Courbet

Las diferentes obras de las que nos hace partícipes esta muestra mas que extraordinaria y espectacular nos ofrecen una mezcla de bestialidad y placer, seres humanos, que se liberan de todo tipo de ataduras religiosas, sociales, históricas. En definitiva, Sade fue un precursor que, en el siglo XIX nos mostró todo aquello que el siglo XX vendría a ofrecernos. 

Eso sí, la muestra ha sido sometida a una especie de "autocensura", pues se han evitado que el visitante vea obras cuyos personajes son "pura y llanamente" pederastas. 

La visión que Sade nos mostró no fue otra que la verdadera conciencia de que toman los seres humanos cuando se saben que se destruyen a sí mismos, y es por ello que esa actitud le llevó a introducirse en los límites de un infierno que le condenó, pero que, en el fondo, la condena es la de todo ser humano que rebasa este tipo de obsesiones, las que se denominan "sádicas" y que sobrepasan la violencia, el cuerpo y la brutalidad mas innombrable. 

Grabado de La Nueva Justine

Sade fue perseguido, continuamente, a lo largo de toda su vida, por la justica, la primera vez, encarcelado como consecuencia de haber torturado a su criada, en 1768. Condenado posteriormente por delitos sexuales, en 1772, huyó a Génova. En 1777 regresó a Paris, donde fue detenido por orden de su suegro y encarcelado en Vincennes.

Trasladado a la Bastilla en 1784, cinco años mas tarde fue derivado al hospital psiquiátrico de Charenton, que abandonó gracias a un indulto concedido en 1790 por la Asamblea surgida por la Revolución de 1789. Tuvo una mas que importante participación en política, mas eso sí, aunque parezca una paradoja, desde el punto de vista mas "moderado". 

En el año 1801 y como consecuencia de la publicación de "La filosofía del tocador" fue internado de nuevo en Charenton, donde falleció.

Un hecho curioso es que Sade escribió la mayor parte de su obra, durante sus periodos de internamiento, y a dicho "castigo" debemos "Diálogo entre un sacerdote y un moribundo" (1782), un manifiesto mas que claro de su ateismo. Posteriores son "Los 120 dias de Sodoma" (1784), "Los crímenes del amor" (1788), "Justine" (1791) y "Juliette" (1798).

Calificada toda su obra como obscena, en cierta forma, SADE viene a mostrarnos la hipocresía de toda una sociedad, cuyas prácticas denuncia. 

La imagen de Sade como "precursor del malditismo" es un mito vigente a lo largo de la historia, lo cual nos ofrece la posibilidad de hacer un pequeño viaje a través de su mundo, que no deja de ser el nuestro, el de todos, aunque en algunos permanezca oculto, por los siempre convencionalismos sociales.

Detalle de "El sueño"

Hasta aquí, estimados amigos, todo lo que he podido reunir, a través de distintas fuentes de esta mas que "especial" muestra, única -quizá no se vuelva a repetir- y es por ello que os animo a entrar en la Web del Museo D´Orsay, si bien su información e ilustración, dado el carácter de la misma-, no es lo suficientemente  explícita, pero sí que los que tengaís la posibilidad, haceros con un catálogo de la exposición, editado por el Museo y por Gallimard, con 304 páginas, y que debe de ser toda una maravilla, perversa, pero maravilla, al fin.

BUEN DIA A TODOS

 (Por lo que respecta a vuestro hábitos, haced con ellos con lo que creaís mas conveniente o placentero)

Phil Collins - Another Day In Paradise

BUENAS NOCHES, CON LA MEJOR DE LAS COMPAÑIAS PHILL COLLINS, BUENA NOCHE DE SABADO Y A DIVERTIRSE QUE NO HAY COSA MEJOR QUE HACER A ESTAS HORAS (SALVO DORMIR, CLARO,  PERO RESULTA ALGO ABURRIDO). BYE, LOVERS.

LA GRAN ODALISCA.- JEAN-AUGUSTE-DOMINIQUE INGRES

Ingres

Buen día estimados amigos, consciente de que la lectura y ARTE conjugan en vosotros en perfecta armonía, hoy os propongo el estudio, en la medida a que llega mi conocimiento e información sobre el tema, de un óleo sobre tela que se encuentra en el Museo de El Louvre, de Paris, y cuyo nombre obedece al de "LA GRAN ODALISCA".

Su autor no es otro que Jean-Auguste-Dominique Ingres quien gozó, gracias a su obra de una gran notoriedad en vida, si bien su arte puede ser objeto de crítica o de admiración. 

Ingres fue un hombre decidido, impetuoso, cuyo talento de dibujante, en el que el color domina el lienzo es del todo apreciado por el espectador. Si bien la época de su vida artística conociera del clasicismo, lo cierto es que también participa, en cierta medida, del romanticismo, en su deseo de expresar lo que es la esencia del ser, y por el uso del arabesco abstracto y de los colores lisos, lo que le ofrece una gran expresividad. Destaca su obra por la sensualidad con que trabaja el desnudo, definida por su línea curva. 

Ingres es a la vez clásico, romántico y realista; del todo innovador por lo que aporta a su obra su imaginación orientalizante y por sus temas  que nos hablan de la edad media y del renacimiento. 

Trabaja, especialmente, el cuerpo de la mujer desnuda, a la que llena de expresividad, haciendo que cada una de ellas sea única, exclusiva. 

Su técnica le lleva a realizar un esbozo sobre el papel en base a la idea que ha concebido y mas tarde, escogido definitivamente el tema, madura todos y cada uno de los detalles, para a continuación pintar rápidamente el tema elegido. Eso sí, algunas veces hace retoques en sus lienzos, pero mucho mas tarde.

Y una curiosidad siempre dibuja a su modelo desnuda, aunque despues le vista y le rodee de la mas maravillosa de las vestiduras.

Esbozos

Gran parte de la temática de la obra de Ingress trata temas que guardan estrecha relación con la historia antigua, medieval y nacional, nos evocan la literatura homérica, a Dante, e incluso, nos lleva a pensar en pasajes de la Biblia y, fundamentalmente, de la mitología. Lo suyo es el retrato, mas el retrato en gran escala.

Mucha de su obra es realizada por encargo, especialmente de la burguesía residente en La Rivière y en Berlín, e incluso de gobiernos como el francés y el de Roma. 

Siente una especial predilección por el clasicismo  y gusta de los primitivos franceses y flamencos, de la misma forma que le atrae, enormente, el maestro J. Van Eyck, la escuela de Fontainebleau y pintores clásicos. Masaccio, es uno de sus descubrimientos cuando viaja a Italia, de la misma forma que las madonas y los frescos de Rafael, dando una especial importancia al manierismo de "Pontormo".

Para Ingress la evolución de su pintura le lleva a la búsqueda del estilo, del que según sus propias palabras, afirma: "El estilo es la naturaleza". Sus retratos nos ofrecen un realismo del todo natural y una especial elegancia. Sus modelos destacan por su individualidad, de la misma forma que la expresión de sus rostros. Enamorado de las curvas y de los arabescos, suele emplear tonos sutiles y delicados, lo que invita a destacar al modelo.

Ahora que conocemos un poco de la obra y la técnica de INGRES nos vamos a detener en su antedicha obra: LA GRAN ODALISCA, y su historia.

Detalle del óleo

La reina de Nápoles, Carolina Bonaparte, encargó a Ingres la realización de este óleo sobre tela, con la finalidad de que hiciera pareja con otro desnudo, del que al día de hoy, no se tienen noticias. Mas la obra nunca llegó a su destino, pues Carolina Bonaparte fue derrocada en 1815, y el óleo fue adquirido años mas tarde por el chambelán del rey de Prusia, Conde de Pourtolè-Gorgier. Se evidencia en la obra el interés por lo exótico y lo oriental, lo que es un adelanto del Romanticismo. Ingres crea una figura de enorme belleza, para lo cual traza una mas que delicada linea. La imagen de la joven, en un primer plano, deja casi sin efecto el resto de detalles que se encuentran en la composición, las telas, los cortinajes, los almohadones o el abanico. Su luz es dorada, lo que le crea un efecto volumétrico, y consigue crear uno de los desnudos mas atractivos que conocemos de la pintura. Si ponemos especial detalle en el rostro de la joven observaremos la influencia de Rafael, del que Ingres se consideró discípulo. Fue presentada en el Salón de 1819, recibiendo críticas contradictorias. Años mas tarde expuesta junto a la Olimpia de Manet, crearon una gran controversia. 

La joven nos ofrece la curva mas que alargada de su espalda, la mirada directa y franca, y la dulzura del rostro, con un cuerpo que se nos brinda redondeado, lánguido y acariciado por una luz en cierto sentido diáfana, lo que supone un anticipo del japonesismo y los medios tonos de "Manet". 

En ella encontramos los elementos característicos de los manieristas toscanos, en un mas que discreto pero pertubador juego de curvas y motivos audaces.

"El  estilo es la naturaleza"

Bellísima naturaleza la de La Gran Odalisca

BUEN DIA A TODOS

Sandie Shaw - Puppet On A String (1967) HD 0815007

BUENAS NOCHES A TODOS, LA MUSICA NOS LLEVA AL RECUERDO DE LA CHICA QUE CANTABA CON LOS PIES DESCALZOS. PARA TODOS LOS QUE VIVIMOS AQUELLOS MOMENTOS FUE INOLVIDABLE, PARA LOS QUE NO LA CONOCÉIS LO SERÁ. DISFRUTAD DE LA BUENA MUSICA. BYE, LOVERS.

Sam Smith - I'm Not The Only One

BUENAS NOCHES A TODOS, HOY COMO QUE LOS POST SE ME ACUMULAN PERO NO PUEDO DEJAR DE PONEROS ESTE VIDEOCLIP QUE ES UNA MARAVILLA. SU AUTOR SAM SMITH LO AVALA, Y YO OS LO CONFIRMO. DELICIOSO. BYE, LOVERS.