Flowers - Miley Cyrus (Jazz Waltz Cover) feat. Stella Katherine Cole

BUENA NOCHE

BUENA MÚSICA

 

BRUCE CONNER.- PIONERO DEL CINE EXPERIMENTAL.

En 2017 el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofia nos ofreció la primera exposición en nuestro país de uno de los artistas más relevantes de la segunda mitad del siglo XX: BRUCE CONNER, considerado pionero en la realización de cine experimental, amén de especialista en la utilización de técnicas como el ensamblaje y el Found footage (*) . Asimismo, Conner destacó por su más que variada obra, abarcando diferentes artes como el dibujo, la escultura, la pintura, el collage y la fotografía. 

(*) El FOUND FOUTAGE o mensaje encontrado es una técnica narrativa que se utiliza fundamentalmente en las películas de terror así como en los falsos documentales, en que todo o una parte esencial del film ficticio es presentado como si fuera material descubierto. Este género se inspira en la técnica literaria del manuscrito encontrado y los eventos en pantalla son vistos a través de la cámara de uno de los personajes involucrados, que suelen ir a acompañados por comentarios en tiempo real fuera de toma. La fotografía es realizada también por los mismos actores y la actuación resulta del todo natural.

BRUCE CONNER nació en McPherson, Kansas en 1933 y falleció en San Francisco en 2008, llevando a cabo sus estudios entre los años 1951/52 en la Universidad de Wichita, si bien fue la Universidad de Nebraska la que le valdría su licenciatura. A continuación siguió su aprendizaje en la Brooklyn Museum Art School y en la Universidad de Colorado; fue precisamente en esta última donde conoció a la que sería su esposa, la también artista Jean Sandstedt. 

La obra de Conner aborda diferentes cuestiones que la sociedad norteamericana consideraba preocupante en los años posteriores a la Primera Guerra Mundial, como el inicio de la cultura del consumo o el terror a un apocalipsis nuclear. Su forma de aportarnos su visión la lleva a cabo en diferentes escenarios y medios, lo que le sitúa como predecesor de lo que puede considerarse seña de identidad del arte del siglo XXI; sus trabajos son un híbrido de lo que en la pintura y la escultura, o el cine y la performance, e incluso, el grabado y el dibujo.

En los años 50 del pasado siglo XX alcanzó una más que notable popularidad por sus esculturas vanguardistas realizadas a base de muebles viejos y rotos o muñecas antiguas, todo materiales de deshecho, de ahí el éxito que llegó a conseguir con sus instalaciones con materiales encontrados, como CHILD (1959) O LOOKING GLAS (1964); más quizás una de sus más importantes aportaciones al arte del siglo XX es la redefinición que nos propuso del cine mediante la incorporación de metraje de distinta procedencia (tanto de películas antiguas, como avances de estrenos, noticiarios, etc...), y al que añadía secuencias captadas por él mismo, rodadas en 16 milímetros.

No olvidemos destacar su aportación al mundo de las bandas sonoras de música pop, como es el caso de COSMIC RAY (1961) o BREAKAWAY (1966), que sentaron las bases de lo que hoy todos conocemos como "video musical".

Su trabajo es todo un avance de lo que casi cincuenta años más tarde consideramos aspectos de nuestra sociedad que nos resultan preocupantes, de ahí su implicación en temas como la violencia  en la sociedad, la cosificación del cuerpo de la mujer o la degradación del medio ambiente y la guerra nuclear.

En 1988 Bruce Conner fue galardonado con el premio Maya Deren al cine independiente y videoarte del American Film Institute.

Gracias a su encomiable labor dentro de aspectos del arte cinematográfico, películas como A MOVIE (1958), REPORT (1963-67) y CROSSROADS (1976) son todo un referente de lo que es el cine experimental norteamericano.

A Bruce Conner, así como a muchos otros artistas que vivieron la primera mitad del siglo XX, algunos a día de hoy desconocidos, debemos el valor de hacernos conscientes de cómo la libertad de acción, y por supuesto, la de pensamiento, sentaron las bases de lo que hoy nos ofrece la tecnología digital, dando lugar a horizontes creativos del todo inéditos.

Qué sería del mundo que conocemos sin las VANGUARDIAS....

Fuentes:
https://es.wikipedia.org
https://www.museoreinasofica.es
Descubrir el Arte (Publicación)

Calvin Harris, Ellie Goulding - Miracle (Official Video)

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CASPAR DAVID FRIEDRICH.- "EL OCÉANO GLACIAL".

La obra artística de CASPAR DAVID FRIEDRICH, considerada como prerromántica, introduce de forma definitiva el romanticismo en Alemania.

Nada más acertado afirmar que son sus paisajes, puras alegorías, los que nos identifican el valor romántica con lo sublime, nos seducen con cielos tormentosos, así como nieblas matinales, en las que podemos distinguir ruinas góticas; todo ello señala a Caspar David Friedrich como un amante de la naturaleza, situando al ser humano como algo minúsculo en comparación con la inmensidad de sus paisajes.

Fue el historiador Christopher John Murray quien definió el trabajo de Friedrich en estos términos: "Dirige la mirada del espectador hacia su dimensión metafísica".

Caspar David Friedrich nació en Greifswald, el 5 de septiembre de 1774. Sobre su situación familiar existen versiones contradictorias, pues mientras algunas nos afirman sobre que descendía, por parte de padre, de una casa de rancio abolengo, que fue expulsada de Silesia por ser de confesión evangélica y que se dedicaron, posteriormente, a la producción de jabón en Pomerania, otras versiones nos mencionan su procedencia de una dinastía sueca de condes. Por otra parte, también se nos habla sobre su situación económica, unas fuentes hablan de pobreza, otras de que tenían quienes educaban a los niños. 

En cualquiera de los casos, el padre de Friedrich transmitió a sus hijos unos fuertes principios morales y una gran espiritualidad. Caspar David, siendo aún muy pequeño conoció la muerte de su madre, en 1781, y desde entonces un ama de llaves se hizo cargo del pequeño, así como de sus cinco hermanos, el mayor de ellos Johann Christoffer, falleció en 1787, ahogado -Christoffer-, por salvar a Caspar David del hielo en el que se había hundido cuando sólo tenía 7 años. Este terrible accidente marcó al artista para toda su vida;  su hermana María también fallecería siendo una niña, como consecuencia del tifus. 

La ciudad de Greifswald pasó a pertenecer a la corona sueca tras la Guerra de los Treinta Años, y por entonces no era mas que una pequeña ciudad de provincias a orillas del mar Báltico. 

Pocas perspectivas tenía CASPAR DAVID FRIEDRICH para destacar en aquello para lo que la naturaleza le había dotado: la pintura, más sobre el año 1790 recibió clases de Johann Gottfried Quistorp, que era profesor de dibujo en la Universidad. De esta manera CASPAR DAVID pudo hacerse con una base sólida con la que empezar a trabajar, destacando en el dibujo arquitectónico, la naturaleza y el paisaje.

Conoció prontamente del éxito gracias a que se codeó con lo élite artística de la época, más pese a ese ascenso profesional y personal, siempre padeció de depresiones, algo que sus tormentosos paisajes reflejan como alegoría de su complicado mundo interior.

La gran mayoría de los cuadros de Friedrich están caracterizados por una composición rígida, atendiendo a simetrías exactas, abundando en construcciones geométricas y también al contraste entre las que son las líneas verticales y las horizontales; Friedrich no pintaba paisajes naturales, sino los distintos "paisajes de su cambiante estado de ánimo"; es así que su trabajo nos lleva a producirnos una impresión "anímica", cumpliendo con uno de los principales requisitos de lo que constituye una obra de arte.

En este sentido una de las obras más significativas de Caspar David Friedrich es la que tiene como título "EL OCÉANO GLACIAL", óleo sobre lienzo datado en 1823/24, con unas dimensiones de 96,7 x 126,9 cm., y que podemos admirar en el Hamburger Kunsthalle.

Friedrich era un magnífico pintor en la representación de las que son las luchas de la naturaleza contra su mayor enemigo, el ser humano, y con esta extraordinaria pintura inauguró un nuevo género que se conoce con el nombre de "Artic Sublime".

La escena que podemos observar es cómo un barco, el HMS Griper, asoma su popa en medio de una capa de hielo rota en el Océano Glaciar Ártico, destacando los grandes fragmentos de hielo que se vemos elevarse hacia el cielo, dando la impresión de que estamos ante una especie de monolito funerario.

El velero se nos muestra aplastado por los bloques de hielo, en medio de un paisaje polar, sin ningún ser humano, con un colorido especial, y en el que Friedrich llegó a poner mucho de su propia historia personal por la muerte de su hermano mayor que le salvó de morir ahogado; en definitiva, el barco -como su hermano- condenado a hundirse, condenado a morir, en tanto en el horizonte se atisba cierta claridad, o lo que es lo mismo la oportunidad de la redención.

Y es que es justamente la naturaleza del mundo polar es todo una forma de expresión de los sentimientos humanos.

El barco HMS Griper participó, junto con otros, en las expediciones que llevó a cabo William Edward Parry al Polo Norte con la finalidad de encontrar el Paso del Noroeste.

Pese a la magnificencia de la obra, este cuadro no fue acogido positivamente, sino que la crítica artística lo consideró "agotador", y hasta el año 1840, cuando ya había fallecido su autor, la obra en cuestión no se vendió. Fue en 1905 cuando pasó a ser propiedad de la Kunsthalle de Hamburgo.

El movimiento romántico, en pintura, como es el caso que nos ocupa, se sirvió de historias épicas y a la vez trágicas, en medio de un paisaje lejano y que nos resulta devastador, y pese a que el barco apenas puede ya verse -está prácticamente hundido- la naturaleza nos regala un espacio en gran medida tranquilo, solitario, todo queda "congelado en el tiempo".

Fuentes:

Caspar David Friedrich. Norbert Wolf. Taschen.

https://historia-arte.com

Sidecars - El pasaje del terror (Videoclip oficial)

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GIOVANNI PISANO.- EL PÚLPITO DE LA CATEDRAL DE PISA.

En la ciudad italiana de Pisa, justo en el centro de la Piazza dei Miracoli, podemos admirar la catedral de SANTA MARÍA ASUNTA, que está dedicada a la Asunción de la Virgen y constituye la sede episcopal de dicha ciudad.

Sin lugar a dudas, Santa María Asunta es un obra más que representativa del arte románico, y en especial, del románico pisano, muestra de la riqueza y esplendor que llegó alcanzar la república marinera de Pisa en sus mejores tiempos.

Todo lo que es el conjunto patrimonial de la plaza fue declarado Patrimonio de la Humanidad por la Unesco en 1987.

En el interior de esta bellísima obra arquitectónica nos encontramos, entre otras estructuras artísticas, con el conocido PÚLPITO -también llamado "ambón"-, una de las obras maestras de GIOVANNI PISANO, escultor y arquitecto italiano, quien aprendió el oficio de su padre, Nicola, y con el que colaboró en la construcción del también púlpito de la catedral de Siena, la fuente mayor de Perugia y la decoración del baptisterio de Pisa.

Esta extraordinaria obra del maestro Giovanni Pisano vino a reemplazar a otro anterior obra de Guglielmo (1157-1162) que, a su vez, fue trasladado a la catedral de Cagliari.

Giovanni Pisano concluyó las obras del púlpito de la catedral de Pisa  en 1310 y éste llegó a sobrevivir al incendio que prácticamente destruyó dicha catedral el 25 de octubre de 1596. Ello obligó a que, debido a los trabajos de restauración de la catedral, el púlpito en cuestión tuviera que ser desmontado -entre los años 1599 y 1601-, en tanto las diferentes piezas del mismo se depositaron en otros  lugares, como el Camposanto y los almacenes de la Opera della Primaziale.

Es curioso el hecho de que no se volviera a montar hasta pasado muchos años, concretamente, en 1926 y lo fue en una posición distinta a la que tenía cuando fue realizado, presumiblemente por el hecho de que dado el tiempo transcurrido y que no existía documentación relativa a su composición inicial. Es más, faltaban algunas piezas, entre ellas, cuatro columnas que fueron donadas por Benito Mussolini, cuando ostentaba el cargo de Duce o Caudillo en Italia, por lo que fueron situadas a la vista, y las cariátides pasaron a ocupar la parte trasera del púlpito.

La obra arquitectónica es una de las más significativas narraciones por imágenes de lo que era el fervor religioso en el siglo XIII, al mostrarnos con un lenguaje del todo expresivo los diferentes episodios de la Vida de Cristo. Su estructura es poligonal, en los paneles se observa una ligera curvatura, lo que le concede una perspectiva de circularidad del todo nueva para su época.

También son del todo originales la presencia de cariátides y atlantes, en lugar de simples columnas, y que vienen a significar las diferentes Virtudes, el empleo de ménsulas con volutas, sustituyendo a los tradicionales arcos destinados a sostener el entrepiso, y por último la visión del conjunto nos da la sensación de un delicado sentido del movimiento, conseguido a base de las distintas figuras que van ocupando los espacios vacíos.

La inspiración de Giovanni Pisano al utilizar cariátides le lleva a emplear cada una de ellas como símbolo de las cuatro virtudes cardinales (Justicia, Fortaleza, Templanza y Prudencia; más Pisano no sólo se queda aquí sino que las mismas cuatro cariátides son como las cuatro partes del mundo, cuatro ríos del Paraíso y las cuatro edades de la mujer. En definitiva, toda una muestra de lo que constituía el conocimiento de la época que le tocó vivir.

La más que destacada inclinación de Giovanni Pisano hacia lo que es el realismo y la tensión dramática en el terreno de la escultura le ha servido para ser comparado con Giotto en la pintura. 

En el arte de Giovanni Pisano nos encontramos una mezcla de dos estilos el gótico francés y el clásico, que daría lugar poco después a lo que se conoce como gótico internacional, de ahí que el mismísimo Henry Moore considerara a Giovanni Pisano como "el primer escultor moderno".

Fuentes:

https://es.wikipedia.org

https://www.biografiasyvida.com

https:/www.lasesculturas.com

Viva Suecia - Últimas Voluntades (Canción Original De La Película / Lyric Video)

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GIORGIO VASARI.- EL PRIMER GRAN BIÓGRAFO DEL RENACIMIENTO.

El gran biógrafo de las principales figuras del Renacimiento italiano, artista polifacético y más que prolífico, es reconocido por ser el primer historiador del arte de la que puede llamarse era moderna y al que debemos el término "Renacimiento": GIORGIO VASARI, nacido en Arezzo en 1511 y fallecido en Florencia en 1574, fue arquitecto, pintor y toda una personalidad en su tiempo, ya que con independencia de sus obras, su aportación a la historia lo fue en función de su trabajo como teórico, en particular como biógrafo.

Nacido en el seno de una familia dedicada al comercio y de orígenes modestos, desde su infancia frecuentó los talleres de distintos artistas de su ciudad, en los que aprendió pintura y arquitectura, consiguiendo cierta formación en humanidades.

Siendo apenas un adolescente se trasladó a Florencia, donde conoció al cardenal Silvio Passerini, gran mecenas quien le puso en contacto con la familia Medici. Más esa incipiente carrera artística se vio interrumpida como consecuencia del fallecimiento de su padre, por lo que con tan sólo 16 años tuvo que hacerse cargo de su familia, su madres y sus cuatro hermanos menores. Durante este periodo de tiempo Vasari vivió gracias a la pintura, sobre todo, realizando retablos para diferentes iglesias de su ciudad natal.

Pese a que el éxito profesional le favorecía, lo cierto es que Vasari no parecía estar satisfecho con su vida, es más llegó a padecer tal estado de melancolía que se retiró durante un tiempo a una ermita, donde no olvidó su pintura, haciéndolo para los monjes y en mitad de la naturaleza. 

Ya en 1538 y cuando sus hermanos fueron mayores y la situación familiar mejoró Vasari se decantó por trabajar en otros proyectos más ambiciosos, y para ello nada mejor que viajar -el mejor método de aprender, por entonces y en nuestros días-, y así recorrió toda la península italiana, especialmente por la Toscana, Nápoles, Venecia y la Llanura Padana, también conocida como Valle del Po, todo lo cual le sirvió para aprender en diferentes  escuelas y a la vez obtener una buena fuente de ingresos que le permitieron que sus estudios sobre arquitectura se cimentaran.

Gracias a ello, Giorgio Vasari fue reclamado por el duque de Florencia, Cosimo de Medici, quien le encargó tres grandes proyectos: la renovación del antiguo Palacio de la Señoria, al que hoy se conoce como Palazzo Vecchio, dotándolo de una gran fastuosidad, la construcción de una más que amplia galería que tendría una finalidad meramente administrativa -conocida como, los Uffizi-, en la actualidad una de las más extraordinarias galerías de arte del mundo y por último, un corredor que uniera las mencionadas oficinas con los aposentos que en el Palazzo Pitti tenían como destino los aposentos de la corte ducal, y que recibe el nombre de Corredor Vasariano, que pasa por encima del famoso Ponte Vecchio. También recibió otro gran encargo, que apenas llegó a iniciar a consecuencia de su fallecimiento: los frescos de la cúpula de la catedral de Santa María del Fiore.

Más la gran fama de GIORGIO VASARI lo fue gracias a una antología de biografías publicadas en 1550 bajo el título de Le Vite dé piú eccellenti Architetti et Scultori Italiani da Cimabue insino á tempi nostri descritte in lingua Toscana da Giorgio Vasaria pittore Retino, con una sua utile ed neccesaria introduzione e le artI loro.

La edición de este trabajo lo fue a cargo de Lorenzo Torrentino, en Florencia, y constaba de dos volúmenes, conociéndose como la "torrentiniana". Se hizo una segunda edición -a la que se conoció como la "giuntina", ya que su editor fue Giunti, en 1568, si bien en esta segunda edición se recogía también la vida y obras de artistas aún vivos, amén de la autobiografía de su autor, Vasari, contando igualmente con diferentes ilustraciones y retratos.

Todos los artistas cuya biografía recogió Vasari, arquitectos, escultores y pintores, a día de hoy siguen considerándose figuras más que relevantes de la historia del arte del siglo XIV, del Quattrocento y del Cinquecento; a cada una de las vidas seleccionadas le sigue un texto redactado por Vasari, en el que viene a referirnos su trabajo y datos más que interesantes sobre su técnica, materiales empleados, etc...

Uno de los grandes artistas biografiados por Vasari fue MIGUEL ÁNGEL y sus pinturas de la Capilla Sixtina, amén de Giotto, Andrea Pisano, Simone Martini, Luca della Robbia, Paolo Uccello, Lorenzo Ghiberti... y muchos más, lo que podréis descubrir si os decidís por leer tan extraordinario trabajo.

Fuentes:
Giorgio Vasari. Las Vidas de los más excelentes arquitectos, pintores y escultores italianos desde Cimabue a nuestros tiempos.
https://www.biografiasyvidas.com
https://historia.nationalgeographic.com.es