viernes, 30 de marzo de 2018

Albin Lee Meldau - The Weight Is Gone



BUENA MÚSICA


CINE DE ÓSCAR.- LA STRADA.



Buenos días, estimados amigos, aficionados creo que, en gran mayoría, al 7º Arte, y será con éste y con una de las películas más maravillosas y entrañables rodadas jamás con la que pasaremos un buen rato, aunque eso sí, con los ojos de la imaginación: LA STRADA, dirigida por Federico Fellini, en 1954, y con la que consiguió el Óscar a la mejor película extranjera, en 1956 y dos años antes, el León de plata en el Festival de Cine de Venecia.




Para llevar a cabo su proyecto, Fellini contó con la siempre deliciosa colaboración de su esposa, Giulietta Masina, toda vez que juntos formaron un de las parejas más legendarias de la historia del cine. Fue Fellini quién convirtió a Masina en una de las grandes estrellas del cine italiano, gracias a La Strada, film en el que interpretaba a la dulce  e ingenua Gelsomina y a Las noches de Cabiria (1957), en el papel de prostituta que le valió el premio a la mejor interpretación en el Festival de Cannes.




Amén de Masina, Federico Fellini contó con la colaboración de Anthony Quinn, en el papel de Zampano, el Forzudo, cuyo número circense, representado en la calle (de ahí el título de la película La strada), consistía en romper unas cadenas que rodeaban su pecho, así como con Richard Basehart, en el papel de un acróbata, apodado El Loco, por el que Gelsomina queda fascinada, cuando la pareja decide unirse a la compañía circense en la que éste actúa.
Si bien, en principio, la joven Gelsomina es vendida por su madre a Zampano, ello no le impide aprender el oficio, formando parte del espéctaculo, sintiéndose atraída por lo que es la vida bohemia ambulante.





En puridad, La Strada no tiene como base la lucha de clases, más sí que aportada una visión un tanto peculiar de la experiencia personal de dos seres humanos. Una joven pequeña, frágil, menuda como Gelsomina que se une a un tipo forzudo, descarado, que llega al punto de despreciarla, que ha hecho de su vida una rutina desesperada.
En el punto opuesto el acróbata El Loco viene a representar para Gelsomina el individuo que vive el equilibrio de las situaciones, de la vida, disfruta con su trabajo y esa diferencia de entender la realidad entre uno y otro es lo que llevará a que sólo sobrevivirá el más fuerte de los dos.


A raíz de la muerte de El Loco, Gelsomina queda desolada, más no abandona a Zampano, pese a que éste jamás le ha demostrado el menor cariño, rechazándola con total brusquedad.
De ello podemos deducir que La Strada no puede contemplarse como una parábola social poética, sino que es ante todo una triste, abrumadora historia de amor.



Se ha llegado a afirmar que con La Strada, Federico Fellini inició el cambio del neorrealismo de posguerra que había sentado las bases de todo lo que, en su momento, fue el cine italiano. Nada más cercano a la realidad que los personajes de Gelsomina y Zampano, cuya historia podría vivirse perfectamente en el presente, pues son seres humanos que se sienten impulsados por el deseo y la emoción básicos: el amor y los celos.
Circunstancia determinante en los personajes de Fellini y presente en todas sus películas es el hecho de aportarles cierto carácter teatral, en tanto les provee de una compleja vida interior.



La Strada en, sin lugar a dudas, una conmovedora película que marcó y mucho el talante del cine de posguerra italiano, una invitación a la ilusión cuando todo está roto, cuando la esperanza se siente tan lejos...



No podemos olvidar la excepcional música de la película, cuya partitura entera fue escrita por Nino Rota al final del rodaje, siendo el tema principal una melancólica melodía, que aparece orquestada al inicio, durante los títulos, y volverá a reaparecer a lo largo de la película, en diferentes ocasiones.
En La Strada nos encontramos con una narración del todo armoniosa, en la que poco a poco se va esbozando su esencia y en la que Fellini se sirve de anotaciones sutiles y delicadas para ofrecernos un argumento que aparenta ser una historia sin acción. Más todo ello se ve anulado por una fuerza poética del todo evidente.



Con el tiempo y en una entrevista, Federico Fellini se manifestó ligado a La Strada por el hecho de ser su película más representativa, autobiográfica, siendo además la que más trabajo le costó llevar a cabo.
Con la perspectiva de los años, la crítica de cine la califica como una de las mejores 1000 películas hechas jamás.

Trailer

No debemos olvidar que uno de los mayores encantos de Fellini fue su esposa, Giulietta Masina, una mujer menuda, que apenas llamaba la atención, más cuando aparecía por los estudios en los rodaba su marido, todo el mundo la aplaudía, era agasajada con flores y ella, tan sencilla, tan dulce, se sentaba al lado del gran maestro y le observaba con sus grandes ojos, esos ojos que hablaban de su grandeza como actriz y sobre todo, como persona.

Deliciosa Julietta



Fuentes: Wikipedia.
100 cláisico del cine del siglo XX. Taschen.
1000 películas que hay que ver antes de morir. Grijalbo.


jueves, 29 de marzo de 2018

Fantastic Negrito - Plastic Hamburgers (Official Video)



BUENA MÚSICA


WARWICK GOBLE.- PIONERO DE LA ILUSTRACIÓN.




Buen día, estimados amigos, una ocasión más para tratar un tema que seguro será de vuestro agrado como es la ilustración de libros.
Y para ello contamos con la presencia de un ilustrador victoriano de libros para niños WARWICK GOBLE ( Gran Bretaña,1862-1943).




El concepto de la ilustración de libros, tal y como hoy la conocemos, tuvo su origen en el siglo XV, partiendo de ilustraciones de talla en madera que fueron incluidas en los primeros libros impresos, para después serlo como libros impresos en bloque. Variadas fueron las técnicas empleadas, tales como el grabado, el aguafuerte, la litografía, así como métodos de impresión a color, destacando grandes maestros de este arte como Daumier, Doré o Gavarni.
De esta forma al encanto que supone la lectura de un libro se une la posibilidad de poder contemplar una obra de arte que toma la forma de ilustración.





WARWICK GOBLE nació en Dalston, Londres, y fue educado en la City of London School y en la Westminster School of Art.

El hecho cierto es que su dedicación a lo que le daría fama y notoriedad tardó en manifestarse pues fue en 1896 cuando empezó a ilustrar libros, siendo la suya la especialización en cuentos de hadas, de príncipes y escenas exóticas de Japón, la India y Arabia.
Sus primeros trabajos los llevó a cabo en una imprenta en la que se dedicaba a la realización de cromolitografías y colaboró con revistas de la época, como fueron Pall Mall Gazette y la Westminster Gazette.





Era suya la técnica de la acuarela con reminiscencias de lo que es el arte japonés, destacando en el uso y sentido del color. Ello contribuyó a la creación de mundos en los que la fantasía era un elemento primordial y sumergían al espectador un ambientes del todo maravillosos gracias a sus deliciosos dibujos, contando con un gran público infantil.





Una de sus más memorables ilustraciones fue la que realizó para el libro de H.G. Wells, La Guerra de los Mundos, para poco después hacer otro tanto con el Libro de Baal.
Su colaboración fue del todo acertada en revistas como Pearson´s Magazine, siendo uno de los pioneros en la ilustración de escenas de ciencia ficción.




Entre sus libros ilustrados es del todo necesario destacar los siguientes:

- The Water-babies: A fairy tale for a Land-baby (1909).
- Green Willow and other Japanese Fairy Tales (1910).
- The Complete Poetical Works of Geoffrey Chaucer (1912) y
- The Book of Fairy Poetry (1920).




Espero disfrutéis de la exquisita y deliciosa obra de WARWICK GOBLE.




Blog incorporado al
Directorio Hispano de las Artes


Fuentes: Wikipedia.






miércoles, 28 de marzo de 2018

James Bay - Pink Lemonade



BUENA MÚSICA



AMOMIPOESÍA.- NO HAY AMOR



NO HAY AMOR

Te lo advertí:
La pasión del amor no fue nunca mi fuerte,
El tiempo del deseo desenfrenado
Se ocultó en el frío del primero de los inviernos
Y la dura razón volvió para quedarse.

No fui entrenada para la renuncia
Ni siquiera en mi imaginación
La resignación cobró jamás forma
De cotidianidad, asumiendo ese concepto
Tan triste que se dice “destino”.

Te lo advertí:
El pájaro enjaulado vive la muerte diaria
En la esperanza del retorno a la libertad perdida.
Mi jaula eras tú, y tu concepto del amor/dominio,
Así que aprendí la magia del escapismo.

Desde la distancia se aprecian mejor los detalles
Cuando el amor ciega la tristeza cercana.
…Y yo estoy ya lejos,
Tan lejos que sólo me falta olvidarte.


Rosa Freyre.

La celda de oro
Odilon Redon

martes, 27 de marzo de 2018

Franz Ferdinand - Glimpse Of Love (Version) (Official Audio)


BUENA MÚSICA


ELIHU VEDDER.- MEMORIA (1870)

Elihu Vedder


Buen día, estimados amigos, el protagonista de este nuestro artículo de hoy es un pintor y reconocido ilustrador estadounidense ELIHU VEDDER, nacido en Nueva York, el 26 de febrero de 1836 y fallecido en Roma, el 29 de enero de 1923, al que se asocia con la corriente o movimiento simbolista.
Su obra destila un halo romántico y sus ilustraciones son el resultado de vivencias oníricas, en las que la fantasía es protagonista.

La Esfinge

El corazón de la rosa

Elihu Vedder estudió en París, entre los años 1856 a 1861, con François Édouard Picot, viajó durante dos años por Italia, trabando una excelente relación de amistad con Giovanni Costas, así como con otros miembros de la corriente conocida como los "macchiaioli".
De regreso a los EE.UU. fue miembro de la Academia Nacional de Nueva York, en 1863 y académico en 1865. Como consecuencia de la guerra civil, y durante cinco años (1860-1865) sus únicos ingresos procedieron de su trabajo como ilustrador de felicitaciones de San Valentín, así como de libros de calistenia -algo realmente curioso- y dibujante para la revista Vanity Fair.
Su traslado definitivo a Roma lo fue en el año 1867, lo que no le impidió viajar con frecuencia a los EE.UU.
El éxito de su trabajo le valió poder adquirir una casa veraniega en la isla de Capri.

El último hombre

Marsyas encantando a las liebres

La Sibila Cumean

Entre las diferentes distinciones a su producción destacan una mención de honor en París, en 1889, y la medalla de oro de Buffalo, en 1901.
Sus conocimientos sobre arte le llevaron también a escribir algunas publicaciones, como The Digressions y Doubt and other thigs.

Government (1896)
(Detalle del cuadro central del mural en el Library of Congress)

Peace and Prosperity


Entre sus obras más conocidas y que han captado el interés del público en general podemos destacar: El centinela africano (Museo Metropolitano de Nueva York); la decoración mural de Bowdoin Collegen; Tempestad en Umbria (Instituto de Arte de Chicago); el mosaico Universe (Biblioteca del Congreso de Washington); Las pléyasdes, La serpiente de mar, La esfinge, Lázaro y El pescador y las sirenas (Museo de Boston).

Las pléyades


La serpiente de mar

El centinela africano

Su éxito inicial lo fue gracias a las pinturas con las que ilustró el Rubaiyat de Omar Khayyám, un científico y poeta persa del siglo XI, cuya obra se desarrolla en escenarios fantásticos y alegóricos.





El óleo El cuenco de la muerte, datado en 1885, viene a representar lo más característico de la producción de Vedder, en el que podemos apreciar como un ángel oscuro lleva el cuenco con la bebida mortal a los labios de una joven (denota una total influencia de los prerrafaelitas y, en particular, de Edward Coley Burne-Jones y de George Frederic Watts).

El cuenco de la muerte

Si bien Elihu Vedder es de origen estadounidense, la singularidad de su obra permite clasificarle también como europeo. La temática de su producción, en principio centrada en temas religiosos e históricos, la transportó, con el tiempo, a mundos simbolistas.

MEMORY

Y nada más cierto que reconocer el gran talento de Elihu Vedder como paisajista, que reflejado queda en una pequeña tabla, bajo el nombre de MEMORIA, realizada en 1870.


Elihu Vedder se sirve de un formato alto para hacernos más patente la profundidad de lo que es el escenario, con una práctica ausencia de líneas verticales, la mirada del espectador se dirige hacia ambos lados, y nos traslada a una playa del todo vacía, salvo la del observador, que ve como una y otra vez rompen las olas en la orilla, de forma repetitiva, olas suaves que adoptan un color verdoso en tanto profundizando el color verde adquiere tonalidades más oscuras, y todo ello "coronado" por un conjunto de nubes en las que destaca el color violeta.
Más hay un elemento que nos altera, nos turba y es el rostro de una mujer que se dibuja en esa profundidad, a modo de visión fantasmagórica.
Este rostro no ocupa la parte central del cuadro, sino que se eleva y se dirige hacia la izquierda. 
¿Es sencillamente una curiosa composición de las nubes, o es algún recuerdo que habita en la mente del espectador? En todo caso la MEMORIA nunca nos abandona....y permanece fiel en nuestro subconsciente, hablándonos.
La cuestión es saberla escuchar.

Estrella de Belén


Blog incorporado al
Directorio Hispano de las Artes



FUENTES: WWW.MCNBIOBRAFIAS.COM
WIKIPEDIA.ES
SIMBOLISMO. TASCHEN.