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lunes, 27 de junio de 2022
domingo, 26 de junio de 2022
FRÉDÉRIC AUGUSTE BARTHOLDI.- "LA LIBERTAD ILUMINANDO AL MUNDO"
Sin lugar a dudas, uno de los atractivos que más gustan de visitar quienes acuden a la ciudad de Nueva York es la conocida como ESTATUA DE LA LIBERTAD, si bien pocos son los que conocen quién fue su autor y cómo se gestó su construcción.
Sígueme en este artículo y verás satisfecha tu curiosidad.
FRÉDÉRIC AUGUSTE BARTHOLDI nació en Colmar, el 2 de agosto de 1834, y falleció en París, el 4 de octubre de 1904, reconocido escultor cuya obra más famosa es LA LIBERTAD ILUMINANDO EL MUNDO, regalo de Francia a los EE.UU. y que se encuentra situada en la entrada del puerto de Nueva York.
Su infancia transcurrió en el seno de una familia acomodada, si bien la muerte prematura de su padre supuso el que la madre se decidiera por instalarse en París; después de terminar sus estudios en el liceo Louis-le-Grand, Frédéric Bartholdi estudió arquitectura en la escuela nacional superior de Bellas Artes y pintura bajo la dirección de Ary Scheffer. A continuación de un viaje a Egipto, comenzó su actividad como arquitecto en su ciudad natal Colmar, con un monumento dedicado al general Rapp, en 1856.
Participó en la Guerra Franco-Prusiana de 1870, siendo enlace del gobierno. Fue en 1871 cuando a petición de Eduardo Laboulaye, del que realizó un busto, se trasladó a EE.UU. con la finalidad de buscar el lugar idóneo donde instalar la famosa ESTATUA DE LA LIBERTAD, siendo a partir de 1875 cuando comenzó la construcción de la misma en sus talleres parisinos de la calle Vavin.
Este excepcional trabajo, así como el resto de sus obras, se caracteriza por la monumentalidad, y por el hecho de que mayormente se trataban de encargos con la finalidad de conmemorar hechos históricos o patrióticos; en el caso de LA ESTATUA DE LA LIBERTAD lo fue con motivo de recordar la ayuda francesa al proceso de independencia de los EE.UU.
En la construcción de la misma colaboró Gustave Eiffel, quien diseñó la estructura de hierro y aluminio que sujeta las finas láminas de cobre, si bien la inspiración de Bartholdi se pone de manifiesto en la simplificación formal de la estatua, partiendo de una idea clásica y atemporal.
Lo que es la realización de la enorme base de la estatua la llevaron a cabo los estadounidenses, para lo cual Joseph Pullitzer realizó una campaña de recaudación de fondos, desde su periódico New York World; el sótano fue diseñado por el arquitecto estadounidense Richard Morris Hunt y realizado por el ingeniero Charles Pomeroy.
La primera piedra del pedestal fue colocada el 5 de agosto de 1884, en tanto su base, construida principalmente por piedra de Kersanton, se inició el 9 de octubre de 1883 y finalizó el 22 de agosto de 1886.
Justo en el centro del bloque que forma la base se situaron dos series de vigas que están unidas con la estructura interna diseñada por Gustave Eiffel, formando un todo con el que es su pedestal.
Las diferentes partes de la estatua fueron terminadas en Francia en julio de 1884, desmontada para ser trasladada desde el puerto de El Havre hasta Nueva York a bordo de la fragata francesa Isère, llegando el 17 de junio de 1886. Una vez en su destino, las diferentes partes -un total de 350 piezas- fueron ensambladas, para lo cual se tardó nada menos que cuatro meses, sobre el que sería su pedestal.
Este extraordinario monumento fue inaugurado el 28 de octubre de 1886, durante el mandato del presidente Grover Cleveland.
La estatua representa a una mujer en posición vertical, la cual va vestida con una especie de estola y en su cabeza porta una corona con siete picos -símbolo de los siete continentes y siete mares-; en la corona se encuentran 25 ventanas. En su mano derecha porta una antorcha encendida que mantiene en alto, y que simbólicamente nos traslada al siglo de las luces, si bien hay teorías que consideran que se trata de un símbolo francmasón, en la otra mano, la izquierda, sostiene una tablilla que tiene grabada la fecha de la firma de la Declaración de Independencia de los EE.UU., escrita en números romanos.
Su altura alcanza los 46 metros, si bien son 93 metros desde el suelo hasta la antorcha; en su base, cadenas rotas simbolizan la libertad, y el hecho de que esté orientada hacia el Este, o sea, hacia Europa, lo que porque los EE.UU. comparten pasado y valores con el viejo continente.
En la base del monumento una placa de bronce aparece grabada con el final de un soneto de la poetisa estadounidense Emma Lazarus, titulado The New Colossus, que fue añadida algunos años después de su inauguración, concretamente, en 1903.
El último de los viajes de Frédéric Bartholdi a los EE.UU. lo realizó el 28 de octubre de 1886 con motivo de la inauguración de su famosa estatua, siendo a partir de entonces cuando su fama como escultor le lleva a ser conocido internacionalmente, lo que le hace convertirse en uno de los más destacados del siglo XIX, tanto en Europa como en América del Norte.
Sobre quién inspiró a Bartholdi para dar vida al rostro de la Estatua de la Libertad se barajan varias hipótesis, entre ellas, el de su propia madre, Charlotte Bartholdi, o también la de una joven amante, Jeanne-Emilie Barholdi, con la que contrajo matrimonio en 1876; de entre todas las opciones quizá la que parece más acertada es que el rostro de la mujer que sostiene la antorcha correspondía a ISABELLE EUGÈNIE BOYER, nacida en Francia, en 1841, y viuda de Isaac Marrit Singer, el conocido fabricante de las máquinas de coser, con el que contrajo matrimonio cuando él tenía 52 años y ella sólo 22; esta mujer atrajo poderosamente la atención del escultor hasta el punto de que llegó a inmortalizar su rostro en tan reconocido monumento.
Con independencia de LA ESTATUA DE LA LIBERTAD, Frédéric Bartholdi es autor de grandes esculturas, entre ellas, Los cuatro ángeles trompetistas en la Iglesia Unitaria Baptista de Boston, La estatua de La Fayette en Union Square Park, en Nueva York, La Fuente del Capitolio, en el parque Bartholdi en Washintond D.C. o La estatua de Diderot, erigida en la plaza Diderot de Langres.
De LA ESTATUA DE LA LIBERTAD de Nueva York existen dos copias más pequeñas que se encuentran en el puente de Grenelle, en París, y otra en el Jardín de Luxemburgo.
Frédéric Auguste Bartholdi falleció el 4 de octubre de 1904 en París y sus restos reposan en el cementerio de Montparnasse. (Curiosamente, ese mismo año fallecería también en París, Isabella Eugènie Boyer).
Fuentes:
Wikipedia.
https://www.biografiasyvidas.com
https://www.artehistoria.com
Wikipedia.
https://www.biografiasyvidas.com
https://www.artehistoria.com
sábado, 25 de junio de 2022
viernes, 24 de junio de 2022
DAMIEN HIRST.- EL FENÓMENO BRITÁNICO DE LA "YOUNG BRITISH ARTISTS".
Situar en un contexto artístico la personalidad y la obra de DAMIEN HIRST conlleva hacer una más que destacada referencia a lo que puede considerarse un auténtico fenómeno británico surgido a finales de los años 80 del pasado siglo XX, el conocido como YOUNG BRITISH ARTISTS, pese a lo cual no puede decirse que existiera un manifiesto o estilo que viniera a definir quiénes integraron esta corriente; sí que es cierto que estaba conectado tanto con la moda, la pintura, la fotografía, los vídeos, e incluso la música pop.
Gran parte de los integrantes de este grupo artístico eran del Reino Unido, y sobre todo estudiaron en el Colegio de las Artes de Goldsmith, en Londres.
Su primera exposición con el nombre de FREEZE fue celebrada en 1988, y comisariada por Damien Hirst, Sarah Lucas, Gary Hume y Abigail Lane, y se llevó a cabo en un edificio vacío del puerto de Londres, lo que sirvió para dar impulso a que este tipo de espacios sirvieran para la realización de todo tipo de exposiciones del considerado como arte alternativo. Es de destacar que FREEZE también fue el detonante de las relaciones del colectivo con el coleccionista Charles Saatchi, quien después de visitarla, quedó tan impresionado que se decidió por patrocinar las siguientes.
Fue así que a partir de 1992 la GALERÍA SAATCHI llegó a dar enorme popularidad a nivel internacional a los más variados artistas, que a su vez obtuvieron una gran cobertura por parte de los medios de comunicación y se situaron a la cabeza del arte británico de la década de los años 90; en gran medida, esa popularidad venía precedida por lo que supondría la crispación, que generaron dos obras en la primera de las exposiciones, la indicada FREEZE: una de ellas, fue el retrato realizado por Marcus Harvey de la asesina Myra Hindley, quien ayudó a su pareja a matar y violar a varias niñas, la crispación vino del hecho de que la base de su pintura la realizó con las huellas dactilares de diferentes niños; la segunda de las obras una controvertida representación realizada por Chris Ofili de la Virgen, retratándola negra, para lo cual usó de materiales como el estiércol, sirviéndose de la técnica del collage introduciendo imágenes pornográficas.
De entre todos los artistas que destacaron de este grupo podemos destacar DAMIEN HIRST, nuestro protagonista de hoy, y Tracey Emin.
DAMIEN HIRST es el máximo y más conocido representante de la generación conocida con las siglas YBA, siendo considerado el artista vivo más rico del Reino Unido.
Damien Hirst Steven nació en Bristol, el 7 de junio de 1965, y creció en Leeds. El padre familia, de profesión mecánico, abandonó el hogar cuando el joven tenía sólo 12 años, en tanto su madre, que trabajaba para la Oficina de Atención al Ciudadano, llegó a expresar en varias ocasiones que el joven Damien tuvo una adolescencia bastante difícil, pues fue detenido en dos ocasiones por robo y los conflictos familiares eran continuos.
Después de trabajar durante un tiempo en la construcción, Damien Hirst se decidió por estudiar Bellas Artes en la Universidad de Londres, y lo cierto es que tal fue su rápido ascenso que en 1991 llevó a cabo su primera exposición individual, cuatro años después consiguió ganar el Premio Turner, que cada año organiza la Galería Tate de Londres, y que tiene como finalidad galardonar a artistas menores de 50 años y que ha llegado a convertirse en uno de los premios más cotizados del Reino Unido, en gran medida por la controversia que generan los premiados y sus trabajos.
El hecho cierto es que el "trabajo" de Damien Hirst como artista se ha ganado también la crítica de una gran parte de la sociedad, pues para la "creación" de sus obras de arte han sido muchos los animales que han tenido que morir, entre ellos, ovejas, vacas, cerdos, peces, e incluso, un tiburón.
Ello no impidió que el éxito de Damien Hirst fuera creciendo en la misma medida que su patrimonio, de la misma forma que gastaba convulsivamente. Llegó incluso a perder el control sobre lo que se suponía debía de ser su vida cotidiana, como el consumo del alcohol y las drogas, a lo que se unían las "amistades" que buscaban su contacto directo a fin de obtener jugosos beneficios.
Todo ello le llevó a un gran crisis personal de la que remontó, si bien Hirst ha llegado a admitir que ha aprendido de la experiencia, sus extravagancias siguen protagonizando el día a día; en definitiva, es el precio que tiene el hecho de ser un "genio".
Su mayor fama se la debe a una serie de obras en las que conservó en formaldehído animales, entre ellos un tiburón, una oveja y una vaca. La más conocida de esta serie es The Physical Impossibility of Death in the Mind of Someone Living, un tiburón tigre de 14 pies, lo que equivale a 4,2672 metros, sumergido en formol, dentro de una vitrina transparente.
Y un hecho del todo insólito fue que en septiembre de 2008 llegó a vender una exposición completa de sus obras, con el título Beautiful Inside My Head Forever, por medio de una subasta en Sotheby´s, por un total de 111 millones de libras, auténtico récord en lo que es una subasta para un artista individual.
La naturaleza provocadora de la obra de Damien Hirst queda más de manifiesto que nunca con su famosa calavera de platino, -Hirst tiene una singular fascinación por las calaveras, es más, tiene una colección particular de arte del artista sudafricano Steven Gregory- con un total de 8.601 diamantes incrustados, todos ellos pulidos y cortados: For the love of God (Por el amor de Dios), así tituló su creación, y su coste asciende a la suma de 20 millones de euros, y a la venta por 72 millones. Está inspirada en una pieza de origen azteca que podemos contemplar en el British Museum.
No obstante, el controvertido Damien Hirst y su singular obra también ha venido a despertar el interés y el debate sobre la naturaleza de lo que puede considerarse una obra de arte.
Fuentes:
Wikipedia.
https://elpais.com
https://academiaplay.es
lunes, 20 de junio de 2022
domingo, 19 de junio de 2022
AGNOLO DI COSIMO -BRONZINO-. RETRATO DE UN JOVEN CON LIBRO.
El pintor florentino AGNOLO DI COSIMO DI MARIANO, más conocido, como BRONZINO (1503-1572) fue, sin lugar a dudas, uno de los máximos representantes junto con el maestro Pontormo, de la pintura manierista en la Florencia del siglo XVI.
La mayor parte de las obras de BRONZINO son retratos, en los que puede observarse su estilo amanerado, refinado e incluso un tanto artificial, si bien ello era muy apreciado en las cortes italianas y francesas, en las que estos artistas formaban parte integrante de las mismas. Mayormente, los retratos se correspondes con integrantes de la familia de los Médici, destacando el sofisticado estilo cortesano, así como la abundancia en el exorno, tanto en joyas como en los vestidos. También son suyas algunas obras de carácter religioso, sobre todo, frescos que podemos admirar en diferentes iglesias florentinas.
Sin lugar a dudas, una de las mayores cualidades de BRONZINO fue la de captar la personalidad del retratado para lo que se basó en el intelecto más que en la observación de la realidad fisionómica, y todo ello unido a la asombrosa capacidad técnica del artista.
El que se conoce como "manierismo" dentro del arte tendió a mostrarnos una elegancia un tanto antinatural, así como artificiosa, para lo cual recurrió a la llamada línea serpentinata o lo que es lo mismo, cuerpos cuya estructura se corresponde con la ondulación de la letra S. Destaca también por el trabajo en fuertes primeros planos que llaman poderosamente la atención por la violencia e incluso por su carga erótica, incluso tratándose de temática religiosa.
El hecho de que a AGNOLO DI COSIMO se le conociera artísticamente como BRONZINO se debe a que en su técnica apostaba por las iluminaciones artificiales, metalizadas, abundando los blancos y brillantes. En sus más que exquisitos retratos destaca la mirada fría que el retratado dirige al espectador.
Dentro del grupo de pintores manieristas italianos -Parmigianino, Pontormo y Rosso Fiorentino-, BRONZINO marca cierta tendencia a abrir el camino hacia el Barroco, para lo cual se empleó en la utilización de diferentes texturas así como interiores en los que el detalle y la grandeza eran protagonistas.
Nombrado por el duque COSME I como retratista oficial de la familia Médicis, suta técnica se basó en el retrato de tres cuartos (a medio camino entre la postura de perfil y la frontal), como podemos apreciar en el RETRATO DE UN JOVEN CON LIBRO, amén de proporcionar a sus cuadros un efecto brillante de acabado esmaltado.
Es así que BRONZINO llegó a retratar a muchos integrantes de la élite intelectual de Florencia, es más, el joven del retrato se creyó durante cierto tiempo que era el duque Guidobaldo II de Urbino; no obstante, posteriormente se rectificó al considerar dicho retrato el de un amigo del círculo literario de Bronzino.
Esta pintura al óleo sobre tabla tiene unas dimensiones de 5,6 cm x 74,6 cm, y actualmente se conserva en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York desde el año 1929; más que significativa es la pose erguida del joven que nos mira y lo hace con un solo ojo, pues es estrábico; no obstante, ello no impide el hecho de que destaque su porte y la seguridad en sí mismo que transmite, y ello con independencia de su juventud.
Más si hay un detalle que destaque especialmente son las manos del joven, tanto la que sujeta el libro, uno de sus dedos lo tiene insertado entre sus páginas, como el que aparece apoyado sobre su cintura, con los dos dedos centrales unidos y los de los extremos separados, lo que permite obtener una luz especial al destacar sobre el fondo negro del traje.
Pese a que en el cuadro predominan los tonos fríos, nada en esta obra da esa sensación de frialdad, sino que todo nos lleva a descubrir exquisitez y delicadeza, lo que aumenta la precisión del traje que porta el joven, con un corte impecable y una fila de botones negros, todo ello complementado con un sombrero en el que destacan cintas de color dorado que aportan aún más elegancia al conjunto.
Por lo que respecta al mobiliario que aparece en el cuadro, dos máscaras, una en la mesa y otra en el brazo de la silla que introducen un toque de humor grotesco; y por último, la perspectiva que concluye alargando la estancia en diagonal.
Toda una maravillosa obra de arte, en la que no ya sólo la capacidad artística de BRONZINO la convierte en tal, sino la más que extraordinaria aproximación a la persona retratada, cuya vida parece latente.
Fuentes:
Wikipedia.
https://historia-arte.com
https://elcuadrodeldia.com
Wikipedia.
https://historia-arte.com
https://elcuadrodeldia.com
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