BRUCE CONNER.- PIONERO DEL CINE EXPERIMENTAL.

En 2017 el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofia nos ofreció la primera exposición en nuestro país de uno de los artistas más relevantes de la segunda mitad del siglo XX: BRUCE CONNER, considerado pionero en la realización de cine experimental, amén de especialista en la utilización de técnicas como el ensamblaje y el Found footage (*) . Asimismo, Conner destacó por su más que variada obra, abarcando diferentes artes como el dibujo, la escultura, la pintura, el collage y la fotografía. 

(*) El FOUND FOUTAGE o mensaje encontrado es una técnica narrativa que se utiliza fundamentalmente en las películas de terror así como en los falsos documentales, en que todo o una parte esencial del film ficticio es presentado como si fuera material descubierto. Este género se inspira en la técnica literaria del manuscrito encontrado y los eventos en pantalla son vistos a través de la cámara de uno de los personajes involucrados, que suelen ir a acompañados por comentarios en tiempo real fuera de toma. La fotografía es realizada también por los mismos actores y la actuación resulta del todo natural.

BRUCE CONNER nació en McPherson, Kansas en 1933 y falleció en San Francisco en 2008, llevando a cabo sus estudios entre los años 1951/52 en la Universidad de Wichita, si bien fue la Universidad de Nebraska la que le valdría su licenciatura. A continuación siguió su aprendizaje en la Brooklyn Museum Art School y en la Universidad de Colorado; fue precisamente en esta última donde conoció a la que sería su esposa, la también artista Jean Sandstedt. 

La obra de Conner aborda diferentes cuestiones que la sociedad norteamericana consideraba preocupante en los años posteriores a la Primera Guerra Mundial, como el inicio de la cultura del consumo o el terror a un apocalipsis nuclear. Su forma de aportarnos su visión la lleva a cabo en diferentes escenarios y medios, lo que le sitúa como predecesor de lo que puede considerarse seña de identidad del arte del siglo XXI; sus trabajos son un híbrido de lo que en la pintura y la escultura, o el cine y la performance, e incluso, el grabado y el dibujo.

En los años 50 del pasado siglo XX alcanzó una más que notable popularidad por sus esculturas vanguardistas realizadas a base de muebles viejos y rotos o muñecas antiguas, todo materiales de deshecho, de ahí el éxito que llegó a conseguir con sus instalaciones con materiales encontrados, como CHILD (1959) O LOOKING GLAS (1964); más quizás una de sus más importantes aportaciones al arte del siglo XX es la redefinición que nos propuso del cine mediante la incorporación de metraje de distinta procedencia (tanto de películas antiguas, como avances de estrenos, noticiarios, etc...), y al que añadía secuencias captadas por él mismo, rodadas en 16 milímetros.

No olvidemos destacar su aportación al mundo de las bandas sonoras de música pop, como es el caso de COSMIC RAY (1961) o BREAKAWAY (1966), que sentaron las bases de lo que hoy todos conocemos como "video musical".

Su trabajo es todo un avance de lo que casi cincuenta años más tarde consideramos aspectos de nuestra sociedad que nos resultan preocupantes, de ahí su implicación en temas como la violencia  en la sociedad, la cosificación del cuerpo de la mujer o la degradación del medio ambiente y la guerra nuclear.

En 1988 Bruce Conner fue galardonado con el premio Maya Deren al cine independiente y videoarte del American Film Institute.

Gracias a su encomiable labor dentro de aspectos del arte cinematográfico, películas como A MOVIE (1958), REPORT (1963-67) y CROSSROADS (1976) son todo un referente de lo que es el cine experimental norteamericano.

A Bruce Conner, así como a muchos otros artistas que vivieron la primera mitad del siglo XX, algunos a día de hoy desconocidos, debemos el valor de hacernos conscientes de cómo la libertad de acción, y por supuesto, la de pensamiento, sentaron las bases de lo que hoy nos ofrece la tecnología digital, dando lugar a horizontes creativos del todo inéditos.

Qué sería del mundo que conocemos sin las VANGUARDIAS....

Fuentes:
https://es.wikipedia.org
https://www.museoreinasofica.es
Descubrir el Arte (Publicación)

ALBERTO DURERO.- VISTA DEL VALLE DEL ARCO EN EL TIROL.

Definir con pocas y sencillas palabras la calidad artística y la magnificencia de la obra de ALBERTO DURERO resulta del todo difícil, prácticamente imposible.

ALBRECHT DÜRER fue un artista alemán de genio precoz, que conoció de la fama y de la gloria en vida, principalmente por lo que respecta a su obra gráfica, estando considerado como el primer artista moderno del norte de los Alpes, rompedor por lo que respecta a la herencia germánica y gótica a fin de ofrecernos su particular modernismo tanto  desde el punto de vista iconográfico como en el plano de la composición y de la plástica.

Es así que con Alberto Durero sabemos del tránsito del estatus del conocido como artesano de la Edad Media al de pintor humanista y clásico del renacimiento.

La formación de Alberto Durero, hijo de orfebre y ahijado de Anton Koberger, uno de los más importantes impresores y editores de Alemania se consolida gracias a los dos primeros y también al humanista y poeta Wilibald Pirckheimer, del que fue amigo durante toda su vida y al que conoció cuando empezó a acudir a una escuela de latín, y al pintor e ilustrador de libros de Nuremberg, su ciudad natal, Michael Wolgemut. Todos ellos juntos y por separado conformaron el proceso creativo de Alberto Durero, amén, por supuesto, de su personalidad.

Durero fue un artista perfectamente consciente de su talento, con una mentalidad del todo abierta a las ideas humanistas del renacimiento; es así como su obra destaca por su virtuosismo, esa capacidad de llevar a cabo una reproducción minuciosa, unida a la concepción de un arte objetivo y que puede considerarse del todo erudito, con el que viene a conseguir una representación exacta del mundo en el que vive y que detenidamente observa. Es todo ello, sin lugar a dudas, consecuencia del nexo que siempre empleó: unir la vida y el arte.

Su capacidad intrínseca para asimilar el arte europeo y lo que es aún más sobresaliente si cabe, es su capacidad de reinterpretarlo, añadiendo a sus composiciones elementos que nos evocan esquemas neerlandeses e italianos.

Su pintura abarca fundamentalmente temas bíblicos y retratos, al óleo sobre madera, si bien también trabaja las acuarelas y aguadas de paisajes y animales, grabados y dibujos.

El perfeccionismo de su obra se aprecia en la aplicación de las leyes de la proporción y de la perspectiva que las complica aún más al situar el punto de fuga en diagonal. Los que son los planos posteriores bien de arquitecturas o paisajes nos dan la impresión de tener "vida propia". 

Con independencia de las diferentes obras que podréis observar a continuación, hago una especial mención a un cuadro que me ha llamado poderosamente la atención y que responde al título de VISTA DEL VALLE DEL ARCO EN EL TIROL -lápiz, tinta y acuarela sobre papel-, y que se encuentra en el Museo del Louvre de París.

Nada más acertado afirmar que Alberto Durero sentía una profunda atracción por la naturaleza que le rodeaba, lo que le llevó a estudiar con gran precisión las figuras de animales y plantas, siendo numerosas acuarelas cuyo único tema es el paisaje.

En "Vista del Valle de Arco en el Tirol" participamos de una perfecta representación de la localidad de Arco, situada en el norte de Italia, y para ello Durero se sirve de una iluminación uniforme, en la que no encontramos ningún efecto atmosférico, por lo que toda la visión del espectador se sitúa en la montaña, la naturaleza y la arquitectura. Pese a su pequeño tamaño que no lo parece a simple vista, denota una singular monumentalidad.

Este trabajo es una muestra más de hasta qué punto Alberto Durero fue un adelantado a su tiempo, pues estos paisajes, del todo libres y puros, son un anticipo de las creaciones paisajísticas de los siglos XIX y XX.

Disfrutad con esta belleza y con toda la obra de ALBERTO DURERO, de la que os inserto una mínima muestra, eso sí, extraordinaria, como todo su ARTE.

AUTORRETRATO

EL CABALLERO, LA MUERTE Y EL DEMONIO

EL MARTIRIO DE LOS DIEZ MIL CRISTIANOS

LOS CUATRO APÓSTOLES

FUENTES:
DICCIONARIO DE ARTE. Ian Chilvers.
MAESTROS DE LA PINTURA. Patricia Fride R. Carrasat. Larousse

GUILLERMO PÉREZ VILLALTA.- LA "NUEVA FIGURACIÓN MADRILEÑA".

La conocida artísticamente como NUEVA FIGURACIÓN MADRILEÑA fue un movimiento que se desarrolló en Madrid (España) a principios de la década de los años 70 del pasado siglo XX.

Entre las características más destacadas de este movimiento artístico destaca su pintura del todo desacomplejada, mordaz y todo ello con la finalidad de posicionarse lejos de la gravedad que se vivía por entonces en el aspecto socio político; todos los que llegaron a integrar esta forma de entender el arte se partieron de un centro expositivo, la Galería Amadís, entre 1971 y 1972, con una marcada tendencia que se nutría de la tradición española.

Entre sus máximos exponentes Carlos Alcolea, Rafael Pérez Mínguez, Chema Cobo, Carlos Franco y muchos otros, y entre ellos, el protagonista de nuestro espacio de hoy: GUILLERMO PÉREZ VILLALTA.

GUILLERMO PÉREZ VILLALTA nació en Tarifa (Cádiz/España), el 12 de mayo de 1948 y su trabajo abarca diferentes disciplinas artísticas, entre ellas, la pintura, escultura, el grabado y el diseño.

Toda vez que su padre era militar, Guillermo conoció de diferentes residencias junto con su familia, La Línea de la Concepción, Málaga y finalmente, Madrid.

Fue en 1966 cuando Guillermo Pérez Villalta se decide por estudiar arquitectura, si bien abandonó sus estudios para dedicarse a la pintura, no obstante, es precisamente su pintura la que se ve muy influenciada por dicha disciplina; es más, a lo largo de lo que es su vida profesional ha diseñado edificios y diferentes espacios públicos, de los que pocos se han hecho realidad física, como es el caso de el Kursaal de Algeciras.

Conocido como uno de los más destacados personajes de la llamada "movida madrileña" de los años 80, su obra se caracteriza por un estilo que podría calificarse como "neomanierista", por lo que se refiere al colorido y a la presencia de figuras que se ven deformadas en contorsiones, si bien fue evolucionando empleando un color más cálido y una técnica que encierran complejas escenografías teatrales. Ya entrada la década de los 90, Guillermo Pérez Villalta se atreve a explorar las estéticas orientales, rococós y motivos geométricos en sus composiciones.

En 1983 realizó una exposición antológica en la Biblioteca Nacional, y llevó a cabo diferentes escenografías, a la vez que ha cultivado el grabado y la litografía, y trabajado la cerámica y bronce, diseñando muebles e incluso tapices. 

Su obra la podemos encontrar presente entre las colecciones permanentes del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía en Madrid, el Museo de Bellas Artes de Bilbao o el Museo Patio Herreriano de Valladolid, entre otros. Asimismo, en 1985 fue galardonado con el Premio Nacional de las Artes Plásticas y en 2006 recibe la Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes. En 2021 fue galardonado con el Premio Nacional de Arte Gráfico, otorgado por unanimidad con especial mención al hecho de que "su obra gráfica reúne todo su universo y a la vez extrae de las técnicas tradicionales nuevas calidades".

A la generosidad de este excepcional artista tarifeño debemos que en 2013 llegara  a un acuerdo con el Centro Andaluz de Arte Contemporáneo a fin de que este museo reciba como donación, a su fallecimiento, de toda su obra, al igual que su casa de Tarifa, en la que el artista desea que sea expuesta en su mayoría.

Fuentes:

www.españacultura.es

https://es.wikipedia.org

https://www.march.es

KOBAYASHI KIYOCHIKA.- LA OCCIDENTALIZACIÓN JAPONESA

Kobayashi Kiyochika

A finales del siglo XIX y principios del XX la sociedad en general vivió momentos de gran cambio, y por supuesto, las artes conocieron de esa continua evolución que suponía adaptar a determinadas culturas, como la japonesa, elementos que hasta entonces eran propios de la llamada sociedad occidental.

En el aspecto del arte, y por lo que respecta al grabado, la litografía, la ilustración y la pintura KOBAYASHI KIYOCHICA (1847-1915) fue un artista japonés que destacó por sus litografías para las que adoptó los efectos de las que se utilizaban en occidente, así como sus grabados del bloque de madera de color, conocidos como Ukiyo-e.

Es el suyo un trabajo que viene a documentar la modernización y occidentalización japonesa, para lo cual se sirve de determinadas sensaciones de luz y sombra (kõsen-ga).

Kobayashi Kiyochika nació en el seno de una familia más que numerosa, en la que su padre ejercía de funcionario, siendo el pequeño de nueve hermanos. 

Tras el fallecimiento de éste, en 1862, y pese a ser el menor asumió el control de la familia.

Su actividad durante sus años de juventud estuvo marcada por su participación en la guerra de Boshin, en 1868, del lado del shõgun, si bien a raíz de la derrota de éste en Toba-Fushimi en Kyoto regresó a Osaka. Ello no le impidió volver a entrar a servir bajo las órdenes del shõgun, regresando por tierra a Edo.

Tras la definitiva derrota trasladó su residencia a Shizuoka, donde permaneció durante algunos años.

Regresó a Tokio en mayo de 1873 con su madre,más el fallecimiento de ésta le llevó a centrarse en el mundo artístico, afianzando sus técnicas de pintura. Es a partir de ese momento cuando empieza a trabajar en series de grabados, así como impresiones con estilo occidental.

Su último periodo artístico estuvo marcado por la dedicación a la pintura, inspirado por la escuela Shijõ. No obstante, fueron sus caricaturas en el Marumaru Shinbun las que más vienen a caracterizar la obra de Kiyochika, destacando su sentido del humor, a base de marcar las diferencias entre los japoneses y los extranjeros, si bien, en ocasiones representaba a estos últimos con tintes de inferioridad.

En su obra nos viene a mostrar una preocupación especial por la luz y la sombra que vino a convertirse en moda en Japón en la década de 1870. Su paleta se conforma a base de colores tenues que son toda una delicia.

Una muestra más de que el arte y su evolución no conoce de las fronteras y, en muchas ocasiones, la inclusión de determinadas técnicas y elementos propios de otras culturas resultan verdaderamente interesantes para lo que viene a ser la historia del Arte.

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Fuentes: Wikipedia.
https://tiposdearte.com