BUENA NOCHE
BUENA MÚSICA
martes, 20 de julio de 2021
REFLEXIONES.- EL JUEGO DEL AMOR.
EL JUEGO DEL AMOR.
La tristeza anida en el corazón
instalándose el invierno en nuestras vidas.
Son escasas las horas de sol,
largas las noches en las que
lamentamos ese amanecer que no llega.
El mundo se nos volvió grande
en un momento,
siendo aún tan inocentes
para un juego tan complicado
como es el amor.
Y lloran mis ojos
ante la impasibilidad que contemplas
como si fuera ésta la primera de las noches
del fin del mundo.
Solo yo sé que es la última.
RF.
lunes, 19 de julio de 2021
REFLEXIONES.- TONTOS E INTRÉPIDOS.
TONTOS E INTRÉPIDOS.-
Es la esencia del amor
un arrojarse al vacío,
caminar sobre una cuerda floja
sin red que nos amortigüe
el paso final.
Como tontos e intrépidos
nos aventuramos sin pensar dos veces
ese futuro incierto -ya de por sí lo es-
en el que el azar marca los tiempos
como agujas de reloj.
Nada ni nadie nos impide apostar
por tatuarnos la piel
con el sentimiento ajeno,
la emoción sentida que adolece
de la fijación de la tinta.
Y entre todo este maremágnum
de momentos que ya son solo recuerdos,
instantes cuyo gozo aún permanece
y risas compartidas,
sobrevuela un amor sabor
de dolor y esperanza.
RF.
(También podría titularse "TONTAS E INTRÉPIDAS").
EUGÈNE JANSSON.- LOS MÁS HERMOSOS NOCTURNOS SUECOS.
Eugène Fredrik Jansson nació en Estocolmo, el 18 de marzo de 1862 y falleció en Skara, el 15 de junio de 1915; entre una y otra fecha una vida entera dedicada a su gran pasión: la pintura con especial atención a sus deliciosos "nocturnos".
El hecho cierto es que es bastante habitual entre los artistas cultivadores de todo tipo de facetas ser amantes de los viajes, toda vez que esto contribuye no ya solo a su formación, sino también a la visión del mundo que plasma en su obra; en el caso de Eugène Jansson apenas salió de su país natal, si bien ello no le impidió convertirse en uno de los pintores más creativos de su época.
De origen humilde, sus progenitores inculcaron en sus dos hijos Eugène y Adrian el amor por el arte y la música. Es así que estudió en la escuela Tekniska, una importante institución universitaria dedicada a las Bellas Artes, para después ser alumno de la Real Academia de Bellas Artes de Estocolmo.
Sus inicios en la pintura le hacen decantarse por los bodegones, a fin de poder vivir de su vocación, más una vez conseguida cierta estabilidad, dio un cambio radical a su pintura creando maravillosos nocturnos y optando por el empleo del color azul.
Es así que mereció el apelativo de blamalaren (el pintor azul).
Son de una especial belleza sus paisajes que nos muestran diferentes vistas o panoramas de su ciudad Estocolmo, toda vez que su taller se encontraba situado en las alturas de Mariaberget, desde el cual se podía observar todas sus islas, así como sus diferentes extensiones de agua.
Una circunstancia también determinante en su infancia como lo fue su afición hacia la música, también "aparece" en sus cuadros, de ahí el hecho que muchos de ellos son titulados con el nombre de "nocturno", siendo inspirado por su compositor favorito, el gran Chopin.
No obstante, y pese a la belleza de su obras, éstas eran de gran tamaño, amén de que eran consideradas demasiado vanguardistas, lo que le llevó a una situación económica un tanto difícil; fue entonces cuando conoció a uno de los hombres más ricos de Suecia, Ernest Thiel, que se convirtió en su mecenas.
La inquietud que aborda en su temática pictórica se traduce una vez más en un cambio radical, cuando comienza a pintar desnudos masculinos, principalmente, en ejercicios atléticos. Una afición, la del atletismo, que conoció en su adolescencia, a raíz de una enfermedad que le obligó a seguir una estricta disciplina física; es así como Eugène Jansson se convirtió en un auténtico experto en la representación del cuerpo masculino.
Hasta hace escasos años, la crítica y los expertos en artes negaron la relación entre esta última temática escogida por Eugène Janssen y su supuesta homosexualidad; bien es cierto que nunca llegó a casarse y que mantuvo relaciones con uno de los jóvenes modelos. Fue su hermano Adrian -también homosexual- quién destruyó a la muerte de Eugène toda su correspondencia y documentos personales, ya que en Suecia la homosexualidad fue ilegal hasta el año 1944.
La importancia y la belleza de los trabajos de Eugène Jansson no deben verse ensombrecidas por aspectos personales que nunca nadie debe juzgar.
Disfrutad con esta variada y singular obra.
Fuentes:
https://es.wikipedia.org
https://www.musee-orsay.fr/es
domingo, 18 de julio de 2021
JULIO GONZÁLEZ PELLICER.- FORJADO EN HIERRO.
La personalidad y la obra de JULIO GONZÁLEZ PELLICER, contemporáneo y amigo de Pablo Picasso, nos lleva a considerarle como uno de los artistas modernos, dentro de la escultura, más importantes de la primera mitad del siglo XX.
Su principal aportación es convertir el hierro en un material artístico, consiguiendo formas del todo innovadoras.
Nacido en Barcelona en 1876, en el seno de una familia de orfebres catalanes, sus inicios fueron inevitablemente en el taller familiar; no obstante, en la voluntad de Julio González P. estaba la de ser pintor, por lo que se trasladó, junto a su hermano Joan, a París en 1900, donde conoció a Pablo Picasso y a Pablo Gargallo.
Más el fallecimiento de Joan sumió a Julio G. en una profunda depresión y hacer aún más patente su ya naturaleza introvertida.
Durante la Primera Guerra Mundial trabajó en la factoría de la "Soldadura Autógena Francesa" lo que le decidió a dedicarse a la escultura a la que aplicaría sus conocimiento en orfebrería y la técnica empleada en la soldadura, sirviéndose del hierro como materia prima.
Sus primeros trabajos nos ofrecen dos diferentes temáticas, como son las naturalezas muertas y las máscaras. En las naturalezas muertas observamos una influencia del cubismo, en tanto en las máscaras, es el arte africano el que le sirve de fuente de inspiración.
Es a partir de 1929 y con las series El beso y El sueño, cuando Julio González Pellicer rompe con esa influencia cubista y se sumerge en la técnica de la abstracción; no obstante, en su obra se advierta una continua y ambivalente relación entre abstracción y figuración.
En esta década de los años 30 nos ofrece lo mejor de su producción, sirviéndose de planos pulcros, líneas definidas y haciendo un esfuerzo, recompensado, por establecer un nexo entre la materia y el espacio.
Julio González Pellicer puede ser considerado como un auténtico revolucionario de la escultura contemporánea, un artista que elevó la escultura a los tiempos modernos, siendo la suya una trayectoria incansable hasta el final de sus días, cuyo resultado fue una obra vigorosa, contundente, que allanó el camino para otros grandes artistas de la categoría de Oteiza o Chillida.
Su dominio prodigioso en la forja del hierro se ve resaltado en sus figuras esqueléticas, lineales y puras.
Desde piezas pequeñas hasta esculturas de grandes dimensiones su trabajo nos ofrece la muestra de cómo se puede captar sentimientos, "forjando" materiales tan fríos y duros como el hierro: solo una naturaleza de una delicada y profunda emoción es capaz de concebir tan deliciosa obra maestra.
La inmensidad de su aportación artística está distribuida por diferentes y variados museos como el Museu National d´Art de Catalunya de Barcelona, o el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, en Madrid, el Centro Georges Pompidou de París.
Fuentes:
https://es.wikipedia.org
https://www.biografiasyvidas.com
https://www.arteespaña.com
https://www.elmundo.es/cultura
martes, 13 de julio de 2021
DEBORAH TURBEVILLE.- LA FOTOGRAFÍA COMO ARTE DE VANGUARDIA.
Durante mucho tiempo y desde diferentes sectores artísticos la llamada "FOTOGRAFÍA DE MODA" ha sido considerada como un arte menor. Nada más lejos de la realidad si nos aproximamos a personalidades de la categoría de Helmut Newton o Guy Bourdin, pues con sus fotografías sentíamos el impacto de lo que viene a significar ARTE, con escenas en las que el erotismo o la provocación despertaban no ya solo curiosidad, sino que ofrecieron la oportunidad a muchos artistas para manifestar su forma de entender y plasmar la esencia de la vida, la belleza, a través de diferentes y controvertidos medios.
Este es el caso de una mujer estadounidense, llamada DEBORAH TURBEVILLE, nacida en Boston, Massachusetts, 1932, y fallecida en Manhattan, Nueva York, 2013, cuya obra viene a representar la moda en su estado puro, eso sí, marcada por su especial personalidad, y que la llevó a ser considerada una auténtica revolucionaria de la fotografía como arte de vanguardia.
Es así que la revista The New York Times calificó tanto a Helmut Newton, Guy Bourdin y a DEBORAH TURBEVILLE como auténticos transformadores de lo que hasta ese momento era tradicionalmente considerado simple "fotografía de modas".
Deborah Turbeville fue una niña un tanto diferente, tímida, rehusaba el contacto directo con las personas y prefería mantener cierta distancia incluso con otras niñas y niños de su edad. Con solo 19 años se decidió por marcharse a Nueva York para trabajar en el teatro, aunque terminó por trabajar para la diseñadora Claire McCardell.
Fue precisamente en Nueva York donde inició su actividad dentro del campo de la moda como editora en Harper´s Bazaar con Marvil Israel.
Su vida se desarrollaba entre dos lugares del todo diferentes, Nueva York y México, es más nunca dejaba pasar un años sin viajar a San Petersburgo, fuente de inspiración de su trabajo. Con el tiempo su amor por esta ciudad le valió el que recibiera en 2002 una beca Fullbright con la finalidad de que realizara una serie de conferencias sobre fotografía en la Escuela de Fotografía del Báltico, en Rusia. Asimismo, llegó a ser profesora, en 2005, en el Instituto Smolney.
Dos años después un viaje por diferentes países de Europa le ofreció la oportunidad de captar diferentes y adorables imágenes de personas, lugares, situaciones con la particular visión que ella misma era capaz de captar.
Es de destacar, entre la inmensa obra fotográfica de Deborah Turbeville un encargo por parte de la revista VOGUE, bajo el título "Bathhouse", en 1975, cuyas protagonistas son cinco mujeres que aparecen inmortalizadas en un aseo público, con ropa de baño y en actitudes que nos hacen evocar una singular languidez, con un mensaje estaba más que evidente: una crítica a la desigualdad, representando a la mujer como prisionera.
Pese a que Deborah Turbeville no se consideraba a sí misma como fotógrafa de moda, sí que su vida encontró en este medio de expresión sus inquietudes una forma rotunda de ofrecernos su visión del mundo que la rodeaba, marcada por un delicado y cuidadoso misterio.
Fuentes:
Wikipedia.
https://vein.es/la-fotografía.
https://www.vogue.es
Wikipedia.
https://vein.es/la-fotografía.
https://www.vogue.es
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