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miércoles, 11 de noviembre de 2020

EL ANCIANO DE LOS DÍAS (WILLIAM BLAKE).


WILLIAM BLAKE (1757-1827) fue, sin lugar a dudas, una de las personalidades más destacadas de su tiempo, un artista multidisciplinar, filósofo y poeta, dotado de facultades visionarias desde su infancia, cuya formación y perfección en el grabado es patente en cada uno de sus trabajos, dotados de una magnífica expresión de lo que puede considerarse filosofía mística.


El conocido como EL ANCIANO DE LOS DÍAS -The Ancient of Days- es el título de un grabado, coloreado a la acuarela, de 23 x 17 cm, y que originalmente fue publicado como frontispicio de su libro ilustrado Europe a Prophecy (Europa una profecía), -1794-.


En el grabado en cuestión destaca la figura de Urizen, con la que Blake viene a ofrecernos su visión de lo que es la sabiduría y orden dentro de su universo mitológico; para ello, el anciano Urizen toma una posición un tanto forzada dentro de un círculo que semeja a un sol, en tanto su entorno aparece cubierto de nubes.

Urizen fue utilizado por Blake hasta en ocho de sus obras, entre ellas el libro profético "El libro de Urizen", ilustrado con sus propias planchas de grabados a buril, y publicado originariamente como The First Book of Urizen, título que fue modificado en posteriores ediciones.


En definitiva, es en muchos aspectos, una singular versión del Génesis, y en el mismo Blake desarrolla su pensamiento sobre temas tan importantes para él como fueron la epistemología y la ontología.

Su cuerpo aparece desnudo, proyectado hacia adelante, y en tanto su pierna derecha está completamente doblada, su brazo izquierdo se extiende. Su mano sostiene un gigantesco compás, que se define sobre un fondo oscuro. El anciano mira hacia abajo y un fuerte viento agita sus largos cabellos.

La figura que compone Urizen toma la forma de un triángulo isósceles dentro del círculo inicial; el lado mayor del triángulo coincide con el diámetro del círculo y uno de sus lados menores hace de base. Es singular observar cómo la posición del brazo izquierdo forma un ángulo de noventa grados con la orientación de los cabellos agitados por el viento.


Esta obra es un total ejemplo de lo que se viene a considerar como precedente del Romanticismo, destacando la fuerza de la imagen y la libertad en su temática y realización, muy propias del individualista que era William Blake, quien adoptó el inconformismo como principio de su vida y de su arte. Tanto es así que es prácticamente imposible separar la visión mística de la obra gráfica de Blake de la que resulta de sus poemas; para William Blake el mundo visible para los humanos es sencillamente una envoltura irreal, detrás de la que se esconde una realidad espiritual; es así como Blake trató en toda su obra de crear una especie de forma simbólica de expresar sus visiones espirituales. En su tiempo, Blake no fue más que un extravagante, un individuo excéntrico, si bien su genio empezó a ser reconocido a partir de la mitad del siglo XVIII. 


Tan convencido de la "realidad" de sus visiones, William Blake nunca dibujo del natural, sino que se volcó en su mirada interior, nunca perfeccionó la perfección en sus figuras, toda vez que ello le parecía una cuestión sin importancia. Es así como al rebelarse de forma consciente contra lo que se consideraba la norma establecida por la tradición de la época, fue condenado por muchos de sus contemporáneos.


El tema de esta obra que hoy nos ocupa parece tener su precedente en una de sus "visiones", y el nombre de "El anciano de los días" es una referencia a un personaje que podría equipararse a Dios, en un mundo apocalíptico, y al que se cita en el Libro de Daniel.

El empleo que hace Blake de un "compás", si nos situamos en lo que es la iconografía, es un atributo divino, pues siempre se ha venido a considerar a Dios como al "gran arquitecto", si bien también puede hacer alusión a uno de los instrumentos más empleados por la masonería, de la que Blake era conocedor.


Este grabado fue uno de sus favoritos, del que llegó a hacer varias versiones, y ésta que observamos fue la última, cuya terminación debemos a uno de sus discípulos -curiosamente, recibían el nombre de ancients- Frederick Tatham, poco antes de la muerte de Blake.

Como grabado está considerado uno de los mejores, a modo de representación de un pasaje del Libro de los Proverbios: "Cuando formaba los cielos, allí estaba yo;/ Cuando trazaba el círculo sobre la faz del abismo".


Los libros de William Blake resultan para un lector habitual del todo raros, pues no se publicaron como se hacía de forma tradicional, sino que su impresión corrió a cargo de coleccionistas privados o libreros respondiendo a encargos especiales.



Blog incorporado al
Directorio Hispano de las Artes


Fuentes:

Wikipedia, Diccionario de Arte (Ian Chilvers).


 

sábado, 23 de marzo de 2019

ALBERTO DURERO.- EL CABALLERO, LA MUERTE Y EL DIABLO.

Autorretrato

Intentar calificar con una única palabra la personalidad y la obra de ALBERTO DURERO resulta del todo imposible, más designarle como un artista particularmente consciente de lo que fue su talento es del todo acertado, un genio que se situó en primera línea de las ideas humanistas del renacimiento.
Es la suya una pintura en gran medida compleja, pues contempla una síntesis de lo que son las influencias germánicas y neerlandesesas góticas, a la vez que las de la modernidad italiana.


Es el suyo un arte objetivo, concienzudamente erudito que ofrece una reproducción detallada de la representación del mundo.
Es, por tanto, su obra el resultado de una relación especial entre la vida y el arte.
La fama y lo que conlleva la misma, Alberto Durero la conoce en vida, llegando a convertirse en el único artista alemán que pasa de lo que es la calificación de "artesano" de la edad media a ser considerado como pintor humanista y clásico del renacimiento.
En su favor la total facilidad con la que consigue asimilar el arte europeo, y a la vez reinterpretarlo, y es el primer artista que consiguió crear lo que se llamó el autorretrato introspectivo de lo que se considera como pintura occidental.
Es en el grabado donde alcanza un nivel de maestría inusual, no sólo por la técnica empleada, sino también por lo que son las innovaciones que incorpora.


Su pintura nos muestra la aplicación más que exacta de lo que es la proporción y la perspectiva, sus paisajes, bien naturales o artificiales, parecen tener vida propia, aportándonos de sus personajes lo que es una relación humana, lejos de la que podría considerarse como exclusivamente social.


El grabado conocido como el título de "El caballero, la muerte y el diablo" está datado en 1513, para el que Alberto Durero se sirvió de la técnica de buril sobre plancha de metal.

Existen distintos ejemplares del mismo, siendo el más destacado el del Museo del Louvre, con unas dimensiones de 25 x 19 cm.
En el grabado es donde Durero nos ofrece una maestría insuperable y lo convierte en medio de un pensamiento que da paso a una alegoría, abundando en el empleo de símbolos iconográficos.


Con independencia de los tres principales personajes que dan título a la obra, un caballero, la muerte y el diablo, en la composición podemos observar la presencia de una gran cantidad de elementos que nos llevan a ser conscientes de lo que viene a definirse como horror vacui (miedo al vacío), expresión latina que viene a utilizarse, fundamentalmente, en pintura con la finalidad de rellenar precisamente espacios vacíos.


La figura del caballero es, sin lugar a dudas, la central del grabado y aparece del todo equipada y sobre un caballo. Una especial mención merece lo que es la perfecta elaboración del cuerpo del caballo, cuya anatomía, preocupación de los artistas del Renacimiento, resulta del todo impresionante.


El caballero aparece acompañado por un perro, lo cual está asociado a la idea de la fidelidad y la fe, por lo que Durero utilizaba con asiduidad la imagen de este animal. En el extremo opuesto es una lagartija la que huye en dirección opuesta, símbolo del alma que busca la luz.En definitiva, el Caballero viene a representar la virtud moral, nos ofrece la imagen de virilidad, lucidez, serenidad, en resumen, un soldado preparado para la batalla. Su rostro viene a ser como una máscara firme y enérgica. Al fondo se observa un castillo, su destino, la virtud inexpugnable.


Y es así como de entre lo que pueden calificarse como sombras aparecen la Muerte a caballo y un horrible Diablo. La Muerte está representada como un cadáver en descomposición, su rostro está del todo desdibujado, pues carece de mejillas, nariz y labios, amén de que su cuello aparece rodeado de serpientes. Se presenta ante el Caballero, tratando de provocarle miedo, mostrándole su reloj. En la misma escena nos encontramos con el Diablo que sonríe, en una mueca que nos muestra por detrás del caballo, a la vez que alza en sus manos una pica.





En lo que es la parte inferior del grabado una placa nos ofrece las iniciales del artista (A D), con su firma característica, incluyendo la fecha, si bien, detrás de esta placa aparece otra calavera, que simboliza, igualmente, la muerte.
El Caballero puede provocar la Muerte, pero también puede ser víctima de ella.
El paisaje rocoso y lóbrego nos abunda en la impresión de terribles presagios, a los que el Caballero está dispuesto a enfrentarse: su aplomo viene a demostrarnos que tiene una ardua tarea por cumplir.


Este magnífico grabado es una de las obras más significativas y mejor ejecutadas de Alberto Durero, que iba acompañada de un poema moralizador, si bien está tan oscurecido que resulta imposible leerlo, y según distintas fuentes Durero lo realizó condicionado por sus sentimientos de indignación y aflicción ante los rumores que se habían extendido sobre el supuesto asesinato de Lutero.
El grabado se inspira en un texto de Erasmo de Rotterdam: "Para que no te dejes apartar del camino de la virtud porque te parezca abrupto y temible, porque tal vez hayas de renunciar a las comodidades del mundo, y porque constantemente has de combatir contra tres enemigos en lucha desigual, que son la carne, el demonio y el mundo, te será propuesta esta tercera norma: todos esos espectros y fantasmas que se abaten sobre ti (....) has de tenerlos en nada".

Blog incorporado al
Directorio Hispano de las Artes

Fuentes:
Wikipedia.
www.artehistoria.com
Maestros de la Pintura. Larousse 



lunes, 27 de febrero de 2017

HOKUSAI: EL MAESTRO DE LA ESTAMPA.

Hokusai

Buen día.

En Japón, país al que está unido por nacimiento nuestro protagonista de hoy, la historia de la estampa está íntimamente relacionada con la evolución de la nueva sociedad, pues ésta conoció un inusitado amor por el arte, que se manifestó en las sucesivas escuelas de pintura.




Quizá el más famoso de todos estos pintores y grabadores fuera Katsushika Hokusai, conocido sencillamente por HOKUSAI, nacido en Edo, actual Tokio el 31 de octubre de 1760 y fallecido el 10 de mayo de 1849, adscrito a la denominada Escuela Ukiyo-e del periodo Edo, del que también fue un gran renovador.
Su celebridad le equipara a Utamaro, siendo pocos los artistas japoneses que hayan tenido tal reconocimiento a nivel mundial. 
Hokusai era lo que se puede denominar un misántropo, una persona original, distinta, siendo, en consecuencia, su obra tan diferente como su propia personalidad.



Su padre era fabricante de espejos, y siendo un niño entró como alumno en el taller de Shunsho y tomó el nombre de Shunro; fue en este taller donde permaneció durante algunos años, dedicándose a la fabricación de estampas de teatro, más su carácter, independiente y hasta cierto punto impredecible, era del todo incompatible con la estancia en un taller, siendo expulsado del mismo.
Ello no le impidió seguir trabajando por su cuenta, para lo cual tomó el nombre de Sori, con cuya firma realizó algunos retratos delicados y de gran sutileza, más ése no era su camino, y pronto se cansó de ello, así que se decidió por escribir, novelas destinadas a un público femenino y a niños, y de cuyas ilustraciones también se ocupaba; es por entonces cuando adopta el nombre de Gwakiojin Hokusai, y se generaliza la producción de novelas populares.



Es en 1814 cuando abandona la escritura y se inicia con la conocida serie de croquis de la "Mangwa", que viene a ser una especie de enciclopedia de lo que es la vida cotidiana japonesa; de esta forma cuentos y leyendas conviven con escenas domésticas; en otras páginas, Hokusai se nos anuncia como el magnífico pintor de la naturaleza que fue.





La publicación de los quince volúmenes de que consta esta "Mangwa" fue terminada una vez se produjo su fallecimiento, si bien en 1923 publicó la serie de estampas más famosa y por la que es más reconocido: "Las 36 Vistas de Fuji". Esta montaña-dios, que es de reverencia obligada para el pueblo japonés, fue pintada por Hokusai bajo los más diferentes aspectos; es así como es de general conocimiento para los amantes del arte, "El Fuji en buen tiempo", reflejo de un ambiente tranquilo y puro, y "El Fuji bajo la tempestad", que resalta aspectos de crueldad y tormenta.




Fue en el año 1835 cuando publicó un libro bajo el título de "Las 100 vistas del Monte Fuji", en la que cada hoja es una oda a la venerada montaña.
En sus ilustraciones son temas recurrentes el agua, y los ríos, en los que ve reflejada su alma atormentada, las cascadas, y las olas gigantes.



La gran Ola


Otro motivo frecuente en su obra son los pulpos, los que son protagonistas de forma diabólica en algunas planchas de marcado carácter erótico, y en las que vemos como abrazan a las mujeres enamoradas hasta la muerte. En ocasiones, también recurre al dibujo de flores, pero no simples flores, sino las que sirven para que un pájaro se pose sobre ellas o las que forman parte de magníficas enredaderas. El paisaje se llena de armonía y abunda la utilización de una gama de sutiles colores que tuvieron un gran éxito.






En Hokusai nos encontramos con un auténtico maestro del dibujo que llega a alcanzar el virtuosismo, pues era suya la idea de conseguir que aquello que pintaba se pareciera lo más posible a la realidad.
Artista incansable, su trabajo no le daba para vivir, y era pobre, siempre cargado de deudas. Pero para Hokusai su mayor riqueza era su maravillosa habilidad, la capacidad de transfundir el alma en sus estampas y todo ello marcado por un sentimiento poético que a nadie deja indiferente.



Sin lugar a dudas, Hokusai es el referente de toda una revolución pictórica y poética en su Japón natal, que ha llegado hasta nuestros días.
Fue a mediados del siglo XIX cuando su grabados llegaron a París, siendo objeto de colección por otros grandes artistas, como Van Gogh, Monet, Degas y Toulouse-Lautrec, en cuya obra podemos admirar una notable influencia de los citados grabados.



Ustedes disfruten de estas estampas en total armonía con su respectivo yo interior.

BUEN DÍA A TODOS

PURA KASTIGÁ

Blog incorporado al
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Fuentes: Wikipedia
Historia del Arte. Salvat.



sábado, 14 de enero de 2017

FÉLICIEN ROPS.- PRECURSOR DEL SIMBOLISMO Y LA MODERNIDAD.


Félicien Rops
Buen día.

FÉLICIEN ROPS es el protagonista de nuestro artículo de hoy, un artista belga que destacó como pintor y  grabador, si bien sus inicios le llevaron por el terreno de la caricatura para el semanario satírico Uylenspiegel, que fundó en el año 1856.


Rops nació en Namur, el 7 de julio de 1833 y falleció en Essonne, cerca de Paris, el 23 de agosto de 1898, hijo único del matrimonio de Nicholas Rops y Sophie Maubile; una vez completados sus estudios en la Universidad de Bruselas, se inició, como ya he indicado, como caricaturista.



Tras su matrimonio con Charlotte Polet, que fallecería tempranamente, y de la que tuvo dos hijos, se trasladó a París, donde convivió con las hermanas Duluc, Aurelie y Léontine, de la que tendría otra hija.
Pese a que su salud se vio resentida con el tiempo, a consecuencia de ciertos problemas de visión, siguió trabajando dentro del mundo artístico.



En su trayectoria profesional tuvo una vital importancia su conocimiento de Charles Baudelaire, quien le sirvió de fuente de inspiración, pues Rops nos ofrece a través de sus personajes una visión de una sociedad torturada por los vicios, un erotismo tan expreso que arrastra hacia la depravación del individuo.





Las mujeres que Félicien Rops nos presenta son imagen de mujer fatal, que atrae al hombre hacia un sexo provocador, con alusiones a la muerte y al satanismo.
Mas la forma en que Félicien Rops nos habla a través de sus grabados y pinturas son también una forma de denuncia social.


Rops diseñó el frontispicio de la obra Les Épaves de Baudelaire, con poemas de Les Fleurs du mal, un libro censurado inicialmente en Francia y que vio antes la luz en Bélgica.



Su obra despertó la admiración de muchos escritores, a raíz de su colaboración con Baudelaire, tales como Théophile Gautier, Alfred de Musset, Mallarmé y otros, siendo considerado un transgresor intelectual, cuyo estilo simbolista nos muestra un dibujo firme.
Félicien Rops fue francmasón y miembro del Gran Oriente de Bélgica, así como miembro del llamado Grupo de los XX.



Especial mención merecen dos de sus obras: una de ellas, La tentación de San Antonio, que nos presenta a una mujer desnuda en la cruz, ofreciendo un mensaje libidinoso, así como La muerte en el baile, un óleo en el que Rops trabajó nada menos que durante diez años, y cuyo protagonismo es una fantasía.


La muerte en el baile aparece vestida con ropa de mujer, es más, podemos observar bajo el dobladillo del vestido, un delicado pie femenino, lo que contrasta con el rostro, una calavera que se vuelve hacia un hombre que aparece a su derecha, barbudo, vestido elegantemente.


En esta obra Félicien Rops nos une aspectos como los horrores que nos llevan a la certeza de la muerte, pese a lo colorista del vestido; la imagen ofrece una visión infernal, pero ello no le impide cierta connotación sexual e instintiva.
El valor cromático de la obra es fundamental para definir la expresión y el hecho de que Rops apueste en este óleo por una pincelada rápida y manchada nos obliga a calificar a Félicien como uno de los grandes genios del colorismo.



Los textos a los que acompañan sus grabados e ilustraciones, nos ofrecen suficientes motivos para considerar a Rops como precursor del más puro simbolismo y una puerta hacia la modernidad, rompiendo con las bases de lo que hasta entonces se consideraba, en puridad, como arte.

Félicien Rops libertino, crápula, decadente, controvertido.... todo un referente.


BUEN DÍA A TODOS

PURA KASTIGÁ

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Fuentes: Wikipedia.
Arte, Pintura y Genios.
Simbolismo. Taschen.