BUENA NOCHE
BUENA MÚSICA
domingo, 31 de octubre de 2021
GEORGES JULES VICTOR CLAIRIN.- EL ORIENTALISMO FRANCÉS EN LA PINTURA Y LA ILUSTRACIÓN.
Los pintores y otros artistas que cultivaron el orientalismo como forma de representación en sus trabajos quedaron seducidos por el mundo oriental, ya que fueron muchos los que viajaron y estudiaron las diferentes culturas de Oriente Medio; el orientalismo puede interpretarse como una oscilación entre la emoción pictórica romántica y la concisión propia del reportaje documental. Fue un estilo que alcanzó una gran popularidad por Europa en el siglo XIX, triunfando en las Exposiciones universales de París, en 1855 y 1867.
Así como la temática se adapta a la representación de harenes y paisajes, como el desierto, destaca la precisión del dibujo y la luz, cálida y transparente; sus colores son tornasolados, lo que producen escenas de una gran majestuosidad.
GEORGES JULES VICTOR CLAIRIN, en adelante, Georges Clairin, nació en París, el 11 de septiembre de 1843 y falleció en Belle-Île-en-Mer, el 2 de septiembre de 1919.
Fue en 1861 cuando inició sus estudios en la Escuela de Bellas Artes de París, después de trabajar en los talleres de Isidore Pils y François-Édouard Picot. Sus exposiciones pudieron empezar a verse a partir de 1866.
Su formación se complementó con los conocimientos que adquirió en sus viajes a España, junto a Henri Regnault, a Italia, en compañía de François Flameng y Jean-Léon Gerôme; en Marruecos trabó amistad con Mariano Fortuny y en su viaje por Egipto le acompañó el compositor Camille Saint-Saëns.
No cabe la menor duda de que la experiencia vital y artística de Georges Clairin fue de lo más amplia y variada.
No obstante, sus trabajos más conocidos son los retratos que hizo de la actriz Sarah Bernhardt, dando testimonio de sus distintas interpretaciones en diferentes obras de teatro, y dando lugar a una relación de estrecha amistad.
Sus obras las podemos también admirar en los techos de la Ópera Garnier, los teatros de Cherburgo y Épergay, la cúpula de la Bolsa de Comercio de Paris, así como son cerca de veinte las que decoraban el palacio Cosueño en Santiago de Chile (en la actualidad se conservan ocho óleos, de las que cuatro representan las estaciones del año; es de destacar que la pintura con motivos alegóricos del techo del salón principal del palacio Errázuriz, en Brasil. También realizó grandes frescos para La Sorbona, la Bolsa de Comercio y el Hôtel de Ville.
Su temática abarca desde el retrato de festivales venecianos, ballets de ópera, pasando por escenas de género y escenas orientalistas, siendo a éstas últimas a las que debe su mayor fama.
Georges Clairin expuso regularmente en el Salón de Pintores Orientalistas Franceses, 1909, en el Salón de Artistas Argelinos y Orientalistas de Argel, en la Sociedad Colonial de Artistas Franceses, 1910, y en Salón de Artistas Franceses, 1914, siendo premiado en variadas ocasiones, obtuvo una medalla de plata en la Exposición Universal de París de 1889.
En 1897 fue nombrado Caballero de la Legión de Honor y en 1901 la Galeria Georges Petit le dedicó una magnífica exposición en París.
Fuentes:
Wikipedia.
Movimientos de la Pintura. Larousse.
sábado, 30 de octubre de 2021
LIZZIE SIDDAL.- POETA Y MUSA DEL MOVIMIENTO PRERRAFAELITA.
El término "musa" nos remite a la mitología griega, pues las musas, hijas de Zeus y Mnemosine, eran las patrocinadoras de las artes, nueve en total: Clío, de la historia; Euterpe, de la música; Talía, de la comedia; Melpómene, de la tragedia; Terpsícore, de la danza; Erato, de la elegía; Polimnia, de la lírica; Urania, de la astronomía, y Calíope, de la retórica y la poesía.
Desde un punto de vista metafórico la palabra musa es utilizada para describir a la mujer por la que sentimos una especial atracción y también la que nos inspira en la creación artística.
La protagonista de nuestro espacio de hoy es una musa real, que lo fue para un grupo de pintores que se identificaron con un movimiento conocido como The Pre-Raphaelite Broterhood, (la hermandad de los prerrafaelitas), constituida en 1848 por William Holman Hunt, John Everett Millais y Dante Gabriel Rossetti.
Boceto de Millais
Su visión estética y su temática se vinculaba al arte gótico y a la obra de los pintores del renacimiento italiano anteriores a Rafael, pintando fundamentalmente alegorías, para lo que se sirvieron desde textos bíblicos, literarios e incluso leyendas de la edad media.
La Anunciación, Rossetti
ELIZABETH ELEANOR SIDDALL ROSSETTI, nacida en Londres el 25 de julio de 1829 y fallecida el 11 de febrero de 1862, conocida como LIZZIE SIDDAL fue una poeta y además MUSA de dos grandes artistas prerrafaelitas: John Everett Millais, y del que fuera su esposo, Dante Gabriel Rossetti (quien, por cierto, eliminó una "ele" de su apellido, convirtiéndolo en SIDDAL).
Regina Cordium, Rossetti
Lizzie Siddal nació en el seno de una familia humilde, desconociéndose si fue o no a la escuela, aunque lo cierto es que desde muy niña sintió una gran admiración por la poesía; trabajó durante su juventud en una sombrerería, siendo descubierta por el artista británico Walter Howell Deverell.
Lady Lilith, Rossetti
Beata Beatrix, Rossetti
Con apenas veinte años Lizzie Siddal se convirtió gracias a su singular belleza en una de las primeras modelos góticas "prerrafaelitas", a lo que indudablemente contribuyó su esbelta figura, así como su espléndido cabello rojizo; amén de ello su rostro era de una dulzura excepcional y sus ojos entre verdes y azules le aportaban una imagen del todo diferente hasta lo que por entonces era considerado como sujeto de representación.
Lo cierto es que LIZZIE SIDDAL llamaba poderosamente la atención por su "aspecto" entre mágico y alejado de la realidad.
Sin lugar a dudas la obra por la que más se reconoce a Lizzie Siddal es OPHELIA de John Everett Millais (1852); para su realización Millais mantuvo a Lizzie sumergida en una bañera con agua durante todo un invierno, representando el ahogamiento de Ophelia. Se dio el caso de que Millais recurría a situar velas encendidas debajo de la bañera de agua helada, a fin de calentarla, más ello no evitaba que ese agua, después de horas de posado de Lizzie se enfriara y fue así que la joven llegó a enfermar gravemente de una neumonía.
Más fue su esposo, Dante Gabriel Rossetti para quién posó en un mayor número de ocasiones, sobre todo, a partir de 1853, para sus cuadros de Dante y Beatriz, amén de numerosos bocetos realizados a lápiz. La pareja se convirtió en inseparable, eludiendo todo tipo de relación social, si bien lo cierto es que Rossetti procuraba no presentarla a su familia dada la procedencia humilde de Siddal.
El sueño de Dante ante la muerte de su amada
Dante Gabriel Rossetti
No obstante, Dante y Lizzie contrajeron matrimonio, después de diez años de relación, el 23 de mayo de 1860, en la Iglesia de Saint Clement, en Hasting, sin amigos ni invitados; la novia, cuya salud era muy delicada, tuvo que ser llevada en brazos a la iglesia. Los celos y la depresión, ante la certeza de infidelidades por parte de Dante, mermaron aún más la salud de Lizzie, aunque también era ésta una excusa que ella utilizaba para retenerle, amén de su adicción al láudano.
Durante todo este tiempo, Lizzie Siddal aprendió a pintar, y se decidió por escribir poemas. Sus trabajos alcanzaron un cierto éxito, ya que su firma figuraba como la única mujer participante en una exposición del grupo prerrafaelita celebrada en Londres, en 1857.
Después de un embarazo cuyo bebé prematuro murió, la depresión se asentó definitivamente en Lizzie Siddal.
Un nuevo embarazo, dos años más tarde, no llegó a término, pues Lizzie Siddal se suicidó con una sobredosis de láudano, siendo encontrada por Rossetti junto a una nota de la que se deshizo, ya que los suicidas no se podían enterrar según el rito funerario cristiano.
La traumática situación vivida por Dante Gabriel Rossetti culminó con enterrar a su joven esposa con sus poemas inéditos hasta entonces, como forma de expiar la culpa que sentía como consecuencia de las sucesivas infidelidades. Siete años después Rosseti se arrepintió de ello debido a problemas en su visión, y quiso exhumar el cuerpo de Lizzie, recuperando el cuaderno.
Los poemas de Dante Gabriel Rossetti vieron la luz junto con otros más en 1870.
Para todos los que admiramos las grandes obras de los pintores prerrafaelitas es todo un descubrimiento reconocer no ya solo la personalidad de ELIZABETH SIDDAL, en su faceta de musa, sino también el hecho de que fue una artista de reconocido prestigio.
"Muchas millas sobre el campo y el mar
Hasta que mi amor pudo retornar,
Hasta que mi amor pudo retornar,
De sus palabras no tengo recuerdos,
Solo el de los árboles y el gemido del viento.
Y arribó listo para tomar sin daño
La cruz que he cargado por años,
Pero las palabras llegaron lentas
De aquellos fríos y mudos labios.
¿Cómo sonaban mis palabras lentas y plenas,
En aquel gran corazón que me amó en la pena,
Venido a salvarme del odio y el dolor
Y a conformarme con su delicado amor?
Sentí al viento golpeando frío, gélido,
Y a la bruma roja acariciar la puerta;
Sentí que el hechizo que sostenía mi aliento
Se quebraba, viviendo siempre muerta".
Fragmento de una balada, por Elizabeth Siddal.
Fuentes:
Movimientos de la Pintura. Larousse
https://www.barnebys.es
https://www.ecured.cu
Movimientos de la Pintura. Larousse
https://www.barnebys.es
https://www.ecured.cu
jueves, 28 de octubre de 2021
JOAQUÍN SOROLLA Y BASTIDA.- RETRATOS DE FAMILIA..
La obra de Joaquín Sorolla y Bastida es sobradamente conocida a nivel internacional, pues sus deliciosas pinturas nos han acercado a un mundo en el que la luz del mar mediterráneo es protagonista.
Más Joaquín Sorolla es también autor de diferentes trabajos que se identifican con denuncias sociales, en los que Sorolla venía a poner de manifiesto su posicionamiento en relación con la situación que vivían determinados colectivos en los que la miseria y la desigualdad eran comunes -extraordinaria su obra "¡Aún dicen que el pescado es caro"-, y ese sentimiento de rabia y tristeza que queda reflejado en su obra "Triste herencia".
Esa amplía y diversificada visión del mundo que le rodeaba se complemente con la dulce y amorosa expresión que demuestra en los trabajos en los que su familia acapara el protagonismo.
Son muchos los retratos de este gran maestro para los que posaron su esposa Clotilde, así como sus dos hijas, María y Elena y su hijo, Joaquín, que llegaron a convertirse en los modelos favoritos del pintor valenciano; y es precisamente, su esposa, Clotilde la que recibe un especial trato pictórico por parte de su marido, llegando a ser su musa y el reflejo de una vida familiar que nos muestra lo que era su vida cotidiana y doméstica.
Clotilde en negro
JOAQUIN SOROLLA Y BASTILLA, valenciano universal, nació el 27 de febrero de 1863, quedando huérfano siendo aún niño pues sus padres fallecieron como consecuencia de una epidemia de cólera que arrasó la región y fueron sus tíos maternos, José Piqueres e Isabel Bastida quienes se ocuparon del pequeño.
Pese al especial cariño y cuidados que recibió en casa de sus tíos, Joaquín Sorolla sintió siempre una especial necesidad por fundar su propia familia y lo hizo junto con una mujer excepcional, Clotilde García del Castillo, no ya solo compañera y madre de sus hijos, sino dándole un protagonismo especial; de hecho, Clotilde fue una mujer adelantada a su tiempo, nacida también en el seno de una familia valenciana, hija del fotógrafo Antonio García y de Clotilde del Castillo, quien recibió una educación esmerada.
A poco de conocerse, Joaquín y Clotilde contraen matrimonio y se establecen en el Madrid.
Clotilde y sus tres hijos
Los más variados momentos domésticos son recogidos por Joaquín Sorolla quedando plasmados en muchas de sus obras.
Fueron diferentes los domicilios en los que vivió la familia Sorolla García, y de todos quedan testimonios en los más variados retratos que realizo el maestro Sorolla, desde las residencias en huertos valencianos a las que la familia disfrutó en diferentes barrios de Madrid, entre ellas la ubicada en la calle Miguel Ángel.
En este mismo barrio y en 1905, Sorolla adquirió un solar en el que posteriormente construiría su casa, a la vez que su estudio, y que destaca por su delicioso patio de estilo andaluz, amén del jardín que hemos podido contemplar tantas y tantas veces en sus cuadros.
El edificio cuya construcción ordenó llevar a cabo Sorolla, situado en el Paseo del General Martínez Campos de Madrid, lo fue en 1911, y servía amén de vivienda para la familia y taller para el pintor.
María Sorolla
Niños Sorolla-García
Esta emblemática vivienda debe su diseño al arquitecto Enrique García Repullés, quien consiguió unir un espacio que fusionase tanto lo que era zona de trabajo como vivienda, amén de contar con un precioso jardín.
Es así que desde el 1 de marzo de 1962, el edificio es Monumento Histórico-Artístico Nacional.
La aportación de Clotilde García del Castillo a la difusión de la obra de Joaquín Sorolla fue decisiva, fundamentalmente, después del fallecimiento de éste último, ya que fue ella la que cedió al Estado la obra del pintor para que el pueblo pudiera conocerlo y descubrir su belleza y calidad; es así que Clotilde no fue solo la musa, la esposa, sino también la mujer que hizo aún más grande al maestro Sorolla, contribuyendo de forma excepcional a la perpetuación de su memoria: el Museo Sorolla su más extraordinario legado.
Clotilde García del Castillo otorgó testamento el 10 de julio de 1925, moriría cuatro años más tarde, y en el mismo tuvo un gesto que vino a catalogarla como una auténtica mecenas de la cultura de este país, ya que legaba al Estado la casa-taller de Sorolla, a la vez que una gran cantidad de pinturas de la colección familiar, así como diferentes objetos propiedad del artista; contaba como albaceas con Mariano Benlliure, Manuel Benedito y Vives y José Capuz. Salvo algunos retratos de sus hijos y otros recuerdos familiares que quedaron en posesión de la familia.
Este talante moderno de la familia Sorolla Castillo se extendía también a sus tres hijos, quienes recibieron una esmerada educación, sobre todo las chicas, que asistieron a la Institución Libre de Enseñanza y que con el tiempo destacaron como artistas, sobre todo, Elena que brilló como escultora.
A través de las obras que podéis disfrutar y que forman parte de este artículo la familia Sorolla García nos ofrece con total naturalidad lo que es la cotidianidad de una familia normal, y que se manifiesta en tantos deliciosos momentos que han quedado inmortalizados para la historia de la pintura.
No quiero terminar este pequeño artículo sin hacer una expresa reseña a una de las más entrañables obras de Joaquín Sorolla y Bastida, de la que conservo una lámina enmarcada en mi domicilio y es la que tituló "Madre", datada en 1895, un delicioso retrato de Clotilde junto a su hija Elena, recién nacida.
Con esta maravilla os dejo.
Fuentes:
Wikipedia.
Muy Arte. Sorolla El Maestro de la Luz.
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