domingo, 30 de abril de 2017

El sueño de Morfeo - Ojos de cielo (video clip)



MUSIC FOR LIFE...



BUENAS NOCHES...OJOS DE CIELO

PURA KASTIGÁ

LAS TRES EDADES DE LA MUJER.- GUSTAV KLIMT

Gustav Klimt


Buen día.

GUSTAV KLIMT es, sin lugar a dudas, una de las personalidades, no sólo en el ámbito artístico, sino en su trayectoria personal, más atractivas del pasado siglo XX.
Sus obras las encontramos reproducidas por todo el mundo, con independencia de las que están ubicadas en los grandes museos y las que pertenecen a colecciones privadas.
No es nada extraño conseguir un "poster", con la imagen de "El beso", o una camiseta en la que aparezca el mito de "Danae".



Y a pesar de todo ello, su personalidad, su forma de ser aún nos resultan un tanto enigmáticas. Su obra pasó por diferentes momentos que le exigieron grandes transformaciones no sólo de técnica, sino también de pensamiento.

El beso

Danae

Era el suyo un físico robusto, con pelo rojizo y atractiva personalidad. No obstante, Klimt era una persona poco sociable, escasas veces asistía a eventos públicos, prefiriendo quedarse en su taller, en el que pasaba muchas horas trabajando. Precisamente, su taller conoció no sólo de la obra, sino de las citas amorosas de Gustav Klimt, pues por él pasaron sucesivas modelos que se convirtieron en sus amantes. Eso sí, su fidelidad fueron siempre sus "gatos".



Nacido el 14 de julio de 1862, en el 247 de la Linzerstrasse, en el suburbio de Baumgarten, en Viena, en el seno de una familia numerosa, cuyo progenitor Ernst, era orfebre y cincelador, y que pese a sus dotes artísticas no podía mantener a sus siete hijos. Esa imposibilidad de una vida cómoda, llevó a la familia a cambiar hasta cinco veces de domicilio en apenas veinte años.
La madre de Klint, Anna Fisher, era una joven con una amplia educación, que deseaba llegar a ser cantante lírica, cosa que no sucedió, y que a raíz de la muerte de dos de sus hijas, vivió una fuerte crisis personal, que afectó a toda la familia y, en especial, a Gustav.
Esta precaria situación económica impidió a los pequeños Klimt el acceder a la enseñanza secundaria en el conocido como Gymnasiun, paso previo para asistir a la Universidad, por lo que fueron escolarizados en la Bürgerschula, o escuela del pueblo, en la que el nivel educativo era más básico.
Esa carencia de enseñanza humanista que vivió Gustav Klimt en su juventud no le impidió complementarla a base de trabajo.
Sus inicios artísticos, que sus padres reconocieron y favorecieron, permitieron a Gustav ingresar en 1876, como alumno, en la Escuela de Artes y Oficios de Viena.

Interior del Burgtheater (1888)

Su éxito inicial lo conoció como decorador, antes que como pintor, si bien durante un tiempo su actividad se ralentizó, hasta que se apartó de la institución austríaca, nacionalista y académica, convirtiéndose en el maestro del Jugendstil, regalando al mundo un arte simbolista, sensual y onírico en el que se canta a la mujer, abundando en motivos ornamentales, bien geométricos y decorativos, o a base de manchas lisas de colores vivos, sirviéndose como fondo del color dorado o plateado, en tanto las curvas lineales se entrelazan a modo de sugestivos meandros, una de las características fundamentales de su pintura.



Una de las temáticas que más abundan en la obra de Klimt, como ya he indicado, es la presencia de la mujer, para lo que sus obras nos muestran a ésta como protagonista del llamado "círculo de la vida".
Un ejemplo, excepcional es su obra "LAS TRES EDADES DE LA MUJER", datada en 1905, y en la que el pintor toca varios temas existenciales, la mujer, el tiempo, la muerte...que fueron objeto de preocupación e incluso obsesión a lo largo de toda su vida.


Detalles

En la obra, en su lado izquierdo, podemos observar a una mujer vieja, en la que se aprecia su deterioro físico, pero en la que fundamentalmente destaca la conciencia de su decrepitud, al cubrirse la cara con una mano, ocultando totalmente su rostro. Y esta figura, del todo naturalista, es del todo opuesta a la escena de vitalidad y luz que emana de la joven, con un niño entre sus brazos, lo que viene a llamar la atención sobre su capacidad de "dar vida". Más existe un vínculo entre ambas imágenes y es el manto o tela que cubre a ambos cuerpos. El bebé reposa dulcemente en el regazo de su madre, y ésta a su vez refleja en su rostro una total plenitud vital. Es precisamente, este punto exacto de la obra la que centra todo el contenido y toda la fuerza expresiva del cuadro.




El claro simbolismo del cuadro se resuelve con la contraposición entre la maternidad y la imagen de la decadencia física de una anciana.
Klimt centra en este cuadro su atención sobre el valor de la mujer por hacerla capaz de crear y dar vida.
Los rostros dormidos de la madre y del hijo están provistos de una total plenitud, marcada por la serenidad y hasta cierto punto complicidad que radica en una unión visceral, como es la que se crea entre una madre y un hijo. Y esta vida se ve reforzada por los adornos florales que enmarcan no solo la cabeza de la madre, sino también la del pequeño, que duerme a su lado.



El inconfundible estilo de Klimt y que nos ofrece su laborioso trabajo demuestra la capacidad del pintor no solo para "retratar rostros y cuerpos", sino también para ofrecernos la más bella de las decoraciones, a través de las más singulares formas, y del color más vibrante, pero dentro de una exquisitez sublime.



BUEN DÍA A TODOS

PURA KASTIGÁ



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Directorio Hispano de las Artes

Fuentes: KLIMT (Tikal).
Maestros de la Pintura (Larousse).

sábado, 29 de abril de 2017

AMOMIPOESÍA.- SOMBRAS CHINESCAS




SOMBRAS CHINESCAS


En tu mirada se ha instalado la pereza
rendida en el deslizar de la desidia,
del desinterés se nutre tu estado de ánimo,
de la melancolía, la que al poeta mudó.

Perdida en tu laberinto, triste Ariadna,
con el corazón desgastado,
más no por desengaño o desamor,
fruto del recurso de la indecisión.

Desventajada alumna del teatro de la vida,
titiritero y marioneta en un escenario de papel,
aprendiz de sombras chinescas
proyectadas sobre una blanca pared.

Sabes bien que no comprendes nada
tu soberbia ignorancia se agradece satisfecha
para consuelo de una frustrante desilusión.


Rosa Freyre


Agapornis - Perfecta (feat Ale Sergi y Juliana Gattas de Miranda! & Miranda)



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BUENAS NOCHES A TODOS

PURA KASTIGÁ

viernes, 28 de abril de 2017

OneRepublic - No Vacancy (Lyric Video)





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BUENAS NOCHES A TODOS

PURA KASTIGÁ

VENUS CAPITOLINA.- PRAXÍTELES

Venus Capitolina

Buen día.

Es hoy protagonista de este espacio una escultura que destaca por su excepcional armonía, los clásicos griegos fueron quienes más abundaron en el ejercicio de esta forma de expresar su admiración por la "sublime" belleza, y para ello nos centramos en la conocida "VENUS CAPITOLINA".



Como Venus Capitolina se enmarca a un tipo determinado de estatua de Venus, en la variedad conocida como Venus Púdica, de la que también es ejemplo la Venus de Médici, si bien ambas vienen a ser una expresión de la Venus de Cnido.


En ella acertamos a identificar algo característico como es la posición de los brazos, toda vez que se nos muestra de pie, después de un baño, y Venus cubre sus pechos con la mano derecha y su pubis con la izquierda.
La estatua de la "Venus Capitolina" se cree que procede de un original de Praxíteles, que se sitúa en el siglo IV a.C., realizada en mármol y con una altura de 193 cm.



Praxíteles de Atenas fue el más renombrado escultor clásico ático del siglo IV a.C., y es con su obra con la que la escultura griega participa de una evolución que va desde el clasicismo hacia una singular anticipación del manierismo, pues acentúa la sensualidad en la obra.
Las obras de Praxíteles se caracterizan por la que viene a llamarse karis (gracia) ática y la conocida como "curva praxiteliana", que consiste en un del todo elegante contrapposto.
Existe cierta teoría en el sentido de que hubo dos escultores con el nombre de Praxíteles, uno de ellos contemporáneo de Fidias y el otro su más conocido nieto. Si bien la repetición de un mismo nombre era un hábito en la Grecia clásica, no existen pruebas que acrediten esta teoría.





Praxíteles se sirvió para la realización de sus obras de una famosa cortesana, que obedecía al nombre de Friné, y que también fue su amante.
Si nos atenemos a lo que en conjunto identifica la obra de Praxíteles, podemos señalar ciertos detalles que abundan en la misma:

1.- Una línea del todo flexible que divide las figuras si se traza en el medio de arriba abajo; todos tienden a estar reclinados.
2.- Están realizados para ser vistos de frente y de espaldas, en detrimento de ser observados de lado.
3.- Árboles, drapeados y diferentes elementos son utilizados para que sirvan de apoyo a las figuras, formando parte del diseño de la obra.
4.- Los rostros se nos muestran en una vista de tres cuartos.





Centrándonos en la "VENUS CAPITOLINA", la escultura en cuestión fue descubierta en los alrededores de la Basílica de San Vital, concretamente en la colina Viminal, durante el pontificado de Clemente X, hacia 1667-1670,en los jardines pertenecientes a los Stazi, cerca de San Vitale, siendo adquirida por el papa Benedicto XIV, en 1752, quien posteriormente la donó a los Museos Capitolinos, donde actualmente se encuentra, en un nicho propio -que obedece al nombre de "gabinete de Venus"- de la planta baja del Palacio Nuevo del Campidoglio.
Sin lugar a dudas es una de las esculturas más famosas del museo, y que ha sido objeto de variadas réplicas, algunas de ellas permanecen en colecciones privadas internacionales.


Para su realización se utilizó un mármol muy apreciado (quizá, conocido como pario o mármol de Paros) y el resultado es una diosa, Venus-Afrodita que sale del baño desnuda, si bien en una postura que nos aproxima a un cierto recogimiento, pues aparece inclinada hacia delante, en tanto sus brazos rodean su cuerpo, que se perfila suave y carnoso, y que cubre, como ya he indicado, pecho y pubis.
La pierna derecha nos la muestra flexionada hacia adelante, en tanto la izquierda la apoya con firmeza en tierra.


Su cabeza aparece inclinada suavemente hacia la izquierda, y en ella el complemento de un tocado a modo de rodete con un nudo en forma de lazo y mechones que caen sobre la espalda, configura una escena deliciosa.
En su rostro se denota cierta "ausencia", para lo cual el autor recurre a la técnica de servirse de unos ojos pequeños y en los que destaca la languidez, a la vez que su boca también se observa pequeña y carnosa.


Esta Venus, conocida como la "Venus Capitolina" tiene, al menos, contabilizadas más de cien  réplicas, siendo la "Venus Capitolina" una de las primeras y más fieles a la original realizada por Praxíteles, y que fue destinada a la decoración de un palacio o residencia que destacaría por la brillantez y belleza de su composición, caracterizada por un singular refinamiento.



Ustedes disfruten de esta belleza del todo atemporal.

BUEN DÍA A TODOS

PURA KASTIGÁ


Blog incorporado al
Directorio Hispano de las Artes

Fuentes: Wikipedia.
http://es.museicapitolini.org


AMOMIPOESÍA.- CADÁVERES



CADÁVERES


Llegará el día en el que no serás capaz
de mirarte tres veces en un espejo,
negando la transparente evidencia:
sabe el tiempo de la verdad
y algunos que descubrimos tu reverso.

La suerte se ausenta para quien no apuesta
al amor, sea par, impar, sea rojo o negro,
a la amistad, traicionada por el desprecio,
en tanto la humildad  viste el corazón soberbio.

El afecto no se mide por palabras en voz alta,
sólo respira si le acompaña el silencio,
no se exhibe en ferias de caridad para gozo
de hipócritas de puertas para adentro.
Se abraza en el seno más cálido de la emoción
del alma generosa, que perdona y revive
la reconciliación de los tiempos.

Por más que intentes creer lo que no eres,
tu sombra -que ocultas- fundirá con tu cuerpo
y tus recuerdos se habrán forjado
armaduras de cadáveres de afectos.

Tal vez afectos, en su asombro
que abandonados fueron
y murieron en la ingenuidad,
agotados por el mudo desconcierto.


Rosa Freyre



miércoles, 26 de abril de 2017

Lisa Hannigan - Undertow (Official Video)




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BUENAS NOCHES 
PURA KASTIGÁ

RETRATO IMAGINARIO DEL MARQUES DE SADE. MAN RAY


Man Ray
Buen día.

Nuestro protagonista de hoy es MAN RAY, pero no será a raíz  de su fotografía, si bien para todos los que amamos esta disciplina artística, la obra de MAN RAY le hizo ser considerado como un fotógrafo totalmente innovador, debido en gran medida a sus técnicas que experimentó en cuarto oscuro. Es así que se conoce como solarización la utilizada por el maestro Ray, a través de la cual exponía a la luz una imagen en revelado, obteniendo algunas zonas que parecían negativas.
MAN RAY se mantuvo durante toda su trayectoria artística dentro de los movimientos de vanguardia y gracias a su creatividad son muchos los museos y colecciones privadas que poseen imágenes suyas del todo icónicas. 



Nacido con el nombre de Emmanuel Rudzitsky, en Filadelfia, EE.UU., el 27 de agosto de 1890, falleció en París, el 18 de noviembre de 1976, estando enmarcada su obra en los movimientos artísticos dadá y surrealista.
Si bien empezó su vida profesional como pintor, compró una cámara con la finalidad de documentar mejor su trabajo, más el hecho de la gran acogida que tuvo como fotógrafo artístico le llevó a dejar de pintar cuando llegó a París en 1921.



El Retrato imaginario del Marqués de Sade es un retorno a la pintura, pues fue realizado en 1938, y nada más cierto que la circunstancia de la prohibición durante el siglo XIX de los escritos del Marqués de Sade, llevaron a la vanguardia parisina a hacer de su figura y su trabajo objeto de culto, fundamentalmente de los surrealistas, para quienes la libertad de pensamiento y expresión retaban todo tipo de tabúes.

Marqués de Sade

Sade escribió prosa que detallaba muy específicamente contenidos sexuales, y fueron estos motivos de inspiración para Man Ray, que le invitaron a explorar el mundo de la fantasía y el erotismo, fundamentalmente, el femenino, sirviéndose de diferentes partes del cuerpo de la mujer para despertar instintos puramente carnales. 



En el Retrato imaginario del Marques de Sade, Man Ray vino a reconocer la devoción que sentía por su pensamiento y su delirio. Es su retrato un todo fantástico, sin ningún tipo de referencia erótica o sexual. Quizás un detalle, si nos fijamos bien en la pintura, los labios rojos de de Sade, en los que encierra todo atisbo de vida, pues el resto del rostro del retratado parece hecho enteramente en piedra, si exceptuamos también los ojos.
Man Ray nos presenta a un MARQUES DE SADE de perfil, y podemos observar a nuestra derecha un camino que lleva a la Bastilla (donde Sade estuvo encarcelado durante cinco años).
La Bastilla fue demolida en 1789, utilizando para ello grúas de madera, y Sade fue trasladado a un asilo mental en Charenton.
Observando de cerca el rostro del escritor vemos claramente que está pintado como si fuera de piedra, a excepción de sus labios, en rojo y sus ojos azules y blancos: evocando la bandera francesa.


En la composición abundan los tonos que se decantan por grises y marrones; es así como la Bastilla aparece pintada de gris, pero un gris frío, en el que se mezclan tonos marrones y blancos.
Todo ello viene a contrastar con los colores de los que Man Ray se sirvió para pintar el rostro de Sade, el marrón, el siena y amarillo ocre, que le diferencian de la frialdad que ofrece la Bastilla.
Curiosamente el cielo adopta tonos verdes, pero nada naturales sino que nos asoman a un mundo en el que el desasosiego es protagonista.
El Retrato imaginario del Marques de Sade se nos ofrece con gran detalle, y su autor lo compone pasando de lo oscuro a lo claro, dibujando todos y cada uno de los bloques de piedra para después agregar ciertos detalles que se refieren a la textura, para lo que se sirve de un pincel fino.
El rostro está surcado de innumerables grietas, e incluso en la frente podemos observar marcas de bala, lo que nos lo presenta como un elemento histórico.




Esbozo

En definitiva, nos encontramos ante una personalidad artística prolífica, y amén de pinturas y fotografías, su obra se nutre de películas, objetos, collages, obra gráfica, diseño publicitario y moda.

Ustedes disfruten con el contenido de este artículo, y de la imagen de la obra, pues está en manos de un coleccionista privado.



BUEN DÍA A TODOS

PURA KASTIGÁ


Blog incorporado al
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Fuentes: http://es.wahooart.com
Los Surrealistas. Laura Thomson


martes, 25 de abril de 2017

London Grammar - Big Picture




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BUENAS NOCHES

PURA KASTIGÁ

SAN BARTOLOMÉ DESOLLADO.- MARCO DA AGRATE. DUOMO DI MILANO

El Duomo-Catedral de Milán


Buen día.

Hoy nos trasladamos hasta Italia y, concretamente, nos quedamos en Milán, para dirigirnos a su monumental catedral gótica, la conocida como Duomo di Milano.
Este iglesia es una iglesia de culto católico y considerada como una de las más bellas y grandes, pues en sus 157 metros de largo puede llegar a albergar a casi 40.000 personas; asimismo, sus ventanas del coro también se conocen como las mayores que existen en este tipo de construcciones.
Muchos de nosotros hemos visitado y conocido esta maravillosa catedral, que consta de cinco naves, una central y cuatro laterales, teniendo la primera una altura de 45 metros. Su construcción es de ladrillo, recubierto por mármol.




Mas lo que hoy nos lleva a Milán y a este emblemático templo es una escultura que se conserva en su interior, y que es la de SAN BARTOLOMÉ DESOLLADO, obra de Marco da Agrate (1562), la más significativa de toda la catedral.
Representa al Apóstol que fue desollado vivo, sin piel, y puede observarse como ésta le cuelga de los hombros y le cae por delante, tal como si de un manto se tratare.
En la base de la estatua en cuestión se lee la siguiente inscripción: "NON ME PRAXITELES SED MARCO FINXIT AGRAT" (No me hizo Praxíletes, sino Marco da Agrate).




En arte, se denomina écorché ("desollado", en francés), a la pintura o escultura de un ser vivo que se nos presenta desprovisto de su piel.
Ya en el siglo XVI, las teorías sobre anatomía de Vesalio y el interés de los grandes artistas del Renacimiento, que gustaban de representar el cuerpo humano en toda su perfección, vinieron a favorecer el llamado "écorché", en quien tiene su representación más significativa esta escultura de Marco da Agrate.
Es así como la tradición nos recuerda que este apóstol fue martirizado, despojándolo de su piel. 


Una representación de San Bartolomé desollado la llevó a cabo en pintura, Miguel Ángel en la Capilla Sixtina (1541), y en ella se observa como el apóstol lleva en una mano un cuchillo y en la otra su piel corporal.

San Bartolomé desollado
Miguel Ángel-Capilla Sixtina

En la obra de Marco da Agrate, San Bartolomé está situado en el transepto de la catedral, al lado del mausoleo de la derecha, y mirando hacia el altar.
Observamos como en su mano izquierda lleva un libro y cubre su desnudez con lo que aparenta ser una túnica, si bien eso es pura apariencia, que nos ofrece la visión delantera, pues si miramos en la parte trasera, nos daremos cuenta que lo que nos parecía su ropa es su piel, que le fue arrancada en su totalidad durante su martirio.


Al ser conscientes de la escultura que vio la luz de manos de Marco da Agrate, descubrimos que el aspecto de la figura no es la de un esqueleto, más tampoco es la de una persona con una imagen normal del cuerpo humano, ya que estamos ante la visión de un cuerpo humano sin piel, en la que se pueden ver todos los músculos del cuerpo.
Hasta tal punto es fiel la representación a lo que es la realidad de un cuerpo sin piel, que el detalle se extiende al sistema circulatorio, las manos con sus falanges...



El rostro del apóstol es de una total contención de dolor, el que le produce el martirio: en su mirada se advierte cierta frialdad, más quizá acertaríamos si afirmáramos que San Bartolomé mira más allá, dirige su ojos hacia el infinito.
La composición postural nos muestra como el cuerpo se apoya en una pierna, en tanto la otra adquiere una posición de cierta relajación.



Y bien es cierto la impresión que esta escultura ha tenido sobre sobre todos los visitantes de la Catedral de Milán que se han acercado y detenido para observarla, entre ellos, un famoso escritor Mark Twain, que así nos describió su recuerdo:

"La figura era la de un hombre sin piel; cada vena, artería, músculo, cada fibra y tendón, el tejido del cuerpo humano representado al mínimo detalle.Parecía natural, porque de alguna manera parecía como si sintiera dolor. Un hombre sin piel es probable que mire de esa manera a menos que ocupara su atención con alguna otra cuestión".

"Fue una cosa horrible, y sin embargo había una fascinación sobre él de alguna manera. Siento mucho haberlo visto, porque siempre voy a verlo ahora. Voy a soñar a veces. Voy a soñar que ella está descansando sus brazos en la cabeza de la cama y mirando hacia abajo en mí con sus ojos muertos; voy a soña que se  extendía entre las sábanas conmigo y me toca con sus músculos expuestos y sus fibrosas piernas frías. Es difícil de olvidar cosas repulsivas".

(Mark Twain: Innocents Abroad, cap. 18).




BUEN DÍA A TODOS

PURA KASTIGÁ.



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Fuentes: tuitearte.es
wikipedia.org.
www.adictosalosviajes.com
HISTORIA. National Geographic.