martes, 31 de marzo de 2015

Maná - "Mi Verdad" a dueto con Shakira (Video Oficial)

BUENAS NOCHES A TODOS, HOY OS DEJO CON ESTA MAS QUE BELLÍSIMA CANCIÓN A DUO ENTRE SHAKIRA Y MANÁ. DELICIOSA, SIN MAS. DISFRUTADLA. BYE, LOVERS.

lunes, 30 de marzo de 2015

Paulina Rubio - Mi Nuevo Vicio ft. Morat

BUENAS NOCHES A TODOS, HOY TENEMOS UNA CITA CON EL HURACAN MEXICANO, LA RUBIA PAULINA RUBIO, QUE VUELVE A LAS SUYAS, LA CHICA DE ORO. DISFRUTADLA. BYE, LOVERS.

FREI OTTO: PÓSTUMO PREMIO PRITZKER 2015.



Buen día, estimados amigos, no siempre son buenas las noticias que nos llevan a encabezar o dar cabida al tratamiento de una personalidad en un artículo o "post", como se les suele llamar en los "blogs", y hoy, precisamente, es uno de ellos.
El fallecimiento del arquitecto aleman FREI OTTO, el pasado 9 de marzo, ha llevado a desvelar a la Fundación Hyatt, ante la opinión pública, la elección de su persona como Premio Pritzker. La noticia en cuestión debía darse a conocer el día 23 de marzo, mas FREI OTTO murió sabiendo que el reconocimiento en cuestión le había sido otorgado, que su obra pasaría a la historia, como aportación mas que extraordinaria de lo que es el valor de la arquitectura, de su aportación a tan significativo arte, en cuestión.





Es bien cierto que la concesión a Frei Otto de esta distinción no lo ha sido, exclusivamente, por el trabajo llevado a cabo en los últimos años de su vida, sino como reconocimiento al talento mas que innovador que volcó en su creación, tanto desde el punto de vista formal como ideológico, de la misma manera que ha servido para agradecer, profundamente, su vida dedicada, también a la docencia. 




Si hay que señalar dos obras fundamentales en la aportación de FREI OTTO a la arquitectura debemos señalar el Pabellón  en la Expo de Montreal de 1967 y la cubierta de distintos edificios de finalidad deportiva para los Juegos Olímpicos de Munich de 1972.





Tres imágenes del Estadio Olímpico de Munich

FREI OTTO nació en Sajonia, hijo y nieto de escultores, desde que era pequeño manifestó un gran interés y capacidad para todo lo relacionado con la construcción, pues es de destacar, curiosamente, que inicialmente, se dedicó a diseñar modelos de aeroplanos, todos ellos de increíble ligereza y aerodinamismo. 
Su madre le bautizó con el nombre de "FREI", un nombre insólito para aquella época (1925), que significaba "libre". 
Evidentemente, le tocó vivir todo el horror del régimen nazi, y participó en la Segunda Guerra Mundial, siendo capturado por los Aliados y llevando a cabo durante dos años trabajos de reparación en edificios. 
Estudió en la Universidad Tecnológica de Berlín, y en 1950, le concedieron una beca para viajar a los EE.UU. Es de esta forma como vivió de cerca el trabajo y la obra de los hasta entonces grandes de la arquitectura moderna, Frank Lloyd Wright y Erich Mendelsohn.


Taller de Frei Otto

El interés fundamental que pone de manifiesto la arquitectura de Frei Otto es el estudio de las construcciones naturales, a lo que le lleva la observación de la naturaleza. Mas hemos de reseñar un mas que interés especial en la estructura de las telas de araña, las pompas de jabón y las algas silíceas. Es un hecho que su tesis doctoral nos ofrece una muestra de este interés sobre los conocidos como tejados suspendidos, de lo que resulta su influencia de Raleigh, con quien colaboró junto con Matthew Nowicki.


Estructura

Arquitectura de carpas

Y de ello resulta su mas que destacado interés por la arquitectura de carpas, y tejados suspendidos, como antes he indicado, que supuso su irrupción en la Compañia Stromeyer, si bien con el tiempo pasó a trabajar por cuenta propia.
Esta exploración de los tejados suspendidos le llevó al diseño de un templete de orquesta para la Exposición Federal de Jardines de 1955, en Kassel (Alemania), en el que destacaban sus cuatro esquinas a distinta altura conformando un estable paraboloide hiperbólico. Esta obra fue una de las primeras estructuras que se servían de dicha metodología, por lo que dos años mas tarde, intervino en la misma Exposición, que tuvo lugar en Colonia (Alemania), con el arco de la entrada, y cuya arquitectura era muy parecida a la anterior.



Estructuras

La máxima de la que parte la arquitectura de Frei Otto es la obtención de unas mas que ligeras estructuras, haciendo una llamada a la naturaleza, en el sentido en que la obra en cuestión nos muestra un aspecto mas diáfano, mas fundido en el entorno. De esta forma, y sirviéndose de las membranas, tensadas por cables, conseguía una estructura que llegaba a cubrir grandes distancias, utilizando para ello una serie de postes que eran los que soportaban las cargas, y que permitían obtener espacios abiertos, eso sí, de grandes proporciones.
Ese mas que intenso estudio de las membranas y su capacidad de carga, le llevaron a diseñar sus primeros techos, entre ellos los de la Exposición Nacional Suiza, de 1964, en Lausana. 
Fue precisamente en 1964, cuando Fritz Leonhardt le ofreció el cargo de director del recién fundado Institut Für Leichte Flächentragwerke (Instituto de Estructuras Ligeras), en el que se mantuvo hasta el año 1991, cuando fue nombrado profesor emérito.
Esta institución es un mas que especial laboratorio de arquitectura, en el que se experimentan los mas que diversos principios básicos de la arquitectura y la ingeniería.


Frei Otto ante su trabajo

Fue precisamente, en este Instituto donde se investigaron las teorías de las estructuras en redes de cables. Y su primera "puesta en escena" la llevaron a cabo Frei Otto y Rolf Gutbrod, al ganar el diseño del pabellón para la República Federal de Alemania en la Expo´67 de Montreal, cuando Otto probó el sistema de entramados de cables, inicialmente planteado para la Universidad de Stuttgart.
Sus dos obras mas conocidas y que definen su carrera son El Pabellón de Alemania Occidental para la Exposición Mundial, de 1967, celebrada en Montreal, así como la cubierta del Estadio Olímpico del Parque Olímpico de Munich, concluida en 1972.
A los conceptos que Frei Otto incorpora su arquitectura se encuadran otras obras mas que singulares como el Multihalle (1975), de Manheim, el Aviario para el Zoo de Münich, (1980) o el Tuwaiq Palace (1985), en Riad, Arabia Saudita.
La marca de FREI OTTO fueron las superficies ligeras, la construcción con membranas y la carga llevada a enormes postes adoptando forma de mástiles sujetan toda la malla que nos muestra una superficie continua. En FREI OTTO se mezclan sus conocimientos tanto de arquitecto como de ingeniero.




Superficies ligeras (mallas)

Fue en 1959 cuando FREI OTTO publicó un manifiesto sobre los llamados "edificios adaptables", sobre cuya temática giraría su obra. Otto concibió la necesidad de una arquitectura en continua evolución y de unos sistemas constructivos al efecto factibles. Su trabajo no solo destacaba por su calidad técnica, sino que nos lleva a una reflexión sobre la forma de afrontar el futuro por parte del ser humano.
Una de sus aportaciones mas importantes fueron los tejados convertibles, que eran capaces de reaccionar rápidamente a una alteración del tiempo, ofreciendo, por tanto, protección. Una de sus principales aportaciones quedó patente en el gran techo removible que se instaló en un teatro al aire libre en Cannes, lo que llevó, con el tiempo a las mas que conocidas cubiertas retractables para piscinas. 



Fue también en la década de los 60 cuando comenzó a trabajar en los caparazones de reja, sirviéndose para ello de métodos constructivos basados en el principio de la inversión y la distorsión de una malla en celosía con una concha de doble curvatura, todo ello basado en las leyes de la física. 
En otro de sus estudios, Frei Otto se refirió al "aire" como el material de construcción mas ligero, y de ello dio muestra el encargo que le hizo una firma de tecnología de Colonia, cuando creó en 1966, el primer edificio inflable.





Desde los inicios de su andadura en la exploración de la arquitectura y sus métodos, Frei Otto se mantuvo siempre firme en sus convicciones sobre la importancia de la cuestión medioambiental y el impacto que la población ejerce sobre la naturaleza.
En definitiva, también debemos a él el inicio de las investigaciones sobre lo que se conoce sobre edificios solares pasivos, tomando como base la posibilidad de calentarlos mediante la luz solar.
Prueba refutable de ella fue la casa-taller que, en 1967, y en colaboración con Rob Krier construyó en Warm-bronn, la primera edificación solar pasiva.




Frei Otto fue siempre un arquitecto multidisciplinar, en el que el sentido de la arquitectura lo concebía siempre unido a su vocación como ingeniero. En él era primordial la siempre sabía utilización de los métodos naturales para crear una arquitectura del todo sostenible en una sociedad que cada vez atacaba el medio ambiente. 

Su naturaleza le define por sí mismo, cuando en cierta ocasión le preguntaron sobre cómo deseaban que lo calificasen profesionalmente. Sus palabras no dejan lugar a dudas.

"Muchos me llaman "ingeniero". Pero en el fondo soy un buscador, y un descubridor, del diseño, consciente de que imperfección de cuanto hace... Intento comprender a la naturaleza a pesar de darme cuenta de que una criatura viviente que forme parte de ella nunca la podrá entender. "Menos es mas" es un aforismo que me fascina; significa utilizar menos casas, materiales, hormigón y energía. Pero hacerlo humanamente, recurriendo a los elementos disponibles, tierra, agua y aire. Construir de manera cercana a la naturaleza y sacar un gran rendimiento de casi nada, observando críticamente las cosas y meditándolas antes de plasmarlas en un papel. Mejor construir poco que demasiado".


Frei Otto con Hermann Marnten

La elección de Frei Otto para el premio Pritzker 2015 ha sido valorada por el jurado en la medida en que este genio de la arquitectura e ingeniería, se ha mantenido siempre dentro de su apoyo a la sostenibilidad que ha sido su punto de referencia en su trayectoria.

FREI OTTO no solo se sirvió de la técnica en su arquitectura y en su diseño, sino que también influyó su condición de "ingeniero". FREI OTTO fue un poeta cuyos poemas adoptaron mil y una formas tangibles, desde las que la naturaleza agradece al hombre su total respeto.





BUEN DIA A TODOS.


Blog incorporado al Directorio Hispano de las Artes
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Fuentes: Los Grandes Arquitectos.
              Kennet Powell
              Cultura-El Mundo
              

domingo, 29 de marzo de 2015

Sisters of Mercy



BUENAS NOCHES, AMIGOS TODOS, DEL ULTIMO DISCO DE DOVER, SACO A LA LUZ ESTA CANCIÓN. DOVER VUELVE CON SU ROCK, SIEMPRE ELEGANTE, PERO EN DEFINITIVA, PURO ROCK. DISFRUTADLO, ES UN ADELANTO. BYE, LOVERS.

JOSEP LLIMONA: ESA ESPECIAL SENSIBILIDAD.



Buen día, mas que estimados amigos, hoy nos vamos a centrar en celebrar el 150 aniversario del nacimiento de un escultor internacional, en cuya obra,  la expresividad y la emoción, ocupan una especial posición.
Y justamente, correspondiendo a este feliz aniversario, el MEAM de Barcelona (Museu Europeu d´Art Modern) y hasta el pasado 1 de marzo, ha acogido una exposición de su extensísima obra, retrospectiva cuyo comisariado ha estado bajo la dirección de Natàlia Esquinas Giménez, especialista en escultura moderna y fundamentalmente, en la obra de Josep Llimona, sobre el que versará su tesis doctoral. 




Sin lugar a duda JOSEP LLIMONA es uno de los exponentes mas destacados del llamado modernismo peninsular, y es la suya una trayectoria internacionalmente reconocida, que destaca, por sus trabajo en espacios públicos.

Josep Llimona nació en Barcelona, en 1864, iniciando su formación en el taller de Frederic Trías y para continuar en la Escuela de la Llotja. Con apenas 16 años marchó a Roma, gracias a una beca -la pensión Fortuny- que le proporcionó el Ayuntamiento de Barcelona. Y fue precisamente, en Roma, donde gracias a los bocetos que realizó para la escultura ecuestre de Ramón Berenguer el Grande, se le amplió la beca durante un año mas.
Esta obra, una vez terminada, fue presentada en la Exposición Universal de Barcelona, en 1888.

Escultura de Ramón Berenguer el Grande

Una vez instalado en Barcelona, sus encargos fueron frecuentes, como los relieves que esculpió para el monumento de Colón en el Puerto de Barcelona, una estatua de Ramón Berenguer el Viejo y el friso del Arco del Triunfo.

Friso del Arco del Triunfo

Sus primeras obras tienen un marcado cariz religioso, como bien podemos observar, en Primera Comunión, en 1897, para después introducir en su obra el desnudo femenino, destacando, entre otras obras, Desconsuelo, Juventud. 
Otras obras suyas de este periodo son el conocido como El forjador, El Monumento al doctor Robert y el Cristo Resucitado, de Montserrat.

La Primera Comunión

Desconsuelo


En su familia, el arte era cuestión de genética, pues su hermano Joan Llimona era pintor, y sus hijos, Maria y Rafael, también se dedicarían, con el tiempo, a la escultura y a la pintura, respectivamente.

Juventud o La Cabellera



Un aspecto mas que característico de la obra de Josep Llimona es la especial sensibilidad que concibió para con su obra, su capacidad expresiva y la emoción que resulta de la contemplación de sus esculturas.

Es por ello que el MEAM ha hecho un justo reconocimiento de la figura de Josep Llimona en esta retrospectiva, que nos habla, mucho y bien, de este genial artista.
La muestra en cuestión ha estado articulada de forma cronológica, siguiendo el modo de "paseo", por lo que parte de la etapa de su formación, con temáticas relativas a temas históricos y religiosos. Continúa, evidentemente, con su etapa de madurez, durante la que mantiene una especial relación con el Cercle Artistic de Sant Lluc, del que fue fundador, en 1892, junto con su hermano, Joan,y presidente entre los años 1898 a 1902. Este círculo tenía una marcada tendencia católica y moralista y de la misma son sus obras la Virgen del Rosario, 1892, Consumatum est, 1896, entre otras.

Virgen del Rosario


Es también relevante la afinidad que Josep Llimona mantuvo con el Art Nouveau y el valor del dibujo en su obra.

Desnudo femenino


Dibujo

La siguiente etapa de la muestra se ocupa de la etapa de Llimona en la que trata la escultura funeraria, cercana a la arquitectura y a los monumentos. Por último, y cerrando la exposición nos encontramos con unas bellísimas figuras femeninas, en las que el artista nos ofrece su singular sensibilidad y voluptuosidad, mas siempre dentro de unos límites marcados por el decoro. Aquí podemos deleitarnos con obras como Juventud o La cabellera, 1924, y Maternidad o La madre, 1924.



Maternidad

Niño

Evidentemente, tampoco olvidarnos de las obras de Llimona en la que trata el desnudo masculino, en las que la serenidad marca el rasgo mas acertado, como podemos apreciar en El forjador, 1914, el Sant Jordi ecuestre del Parque de Montjuïc, 1924, o el monumento a los Mártires de la Independencia, 1925.
Es, a la vez, que nos encontramos con retratos de una técnica refinada y especialmente característica, lo que le llevaba a captar la personalidad del retratado a través de sus rasgos.

El forjador

Sant Jordi

La exposición se complementa con algunas obras como la máscara funeraria que le hizo al escultor, uno de sus discípulos, Antonio Ramón González López, que fue la que sirvió para homenajearle en el Monumento que se erigió en el Museo Nacional d´Art de Catalunya, en 1934, al poco de su fallecimiento.



La atracción por la conocida como "modernidad", por parte de Josep Llimona se manifiesta, en sus inicios, con la obra que representa a una cabeza femenina Modestia, dejando traslucir un mas que interés por la estética del también escultor Miguel Blay Fábregas. No obstante, hay que citar expresamente, que durante este periodo de su vida, Josep Llimona viajó mucho, fundamentalmente a Paris y a distintos paises de Europa,  que le sirvieron para conocer la obra de Rodin, Meunier o Bartholomé, a la vez que supo impregnar en la suya una dosis del ideario artístico de Aristide Maillol y Manolo Hugué.




Modestia

Un hecho constante en su vida y obra es su aportación a la escultura de temática religiosa, y muestra de ello son los mas que abundantes monumentos funerarios que llevó a cabo a petición de numerosas familias de la aristocracia o de la alta burguesía. Destacar también otros grupos escultóricos de carácter alegórico como Amor a la infancia (Escuela del Bosque, Barcelona).

Estatua Funeraria (Comillas)


Amor a la Infancia

Su contribución a la difusión de la vida artística y cultural barcelonesa, lo fue gracias a su nombramiento como presidente, en 1931 de la Junta de Museos de Barcelona, llevando por tanto ese espíritu de modernidad de su obra a toda una comunidad de artistas, y especialmente, escultores.
Reconocido a nivel internacional Josep Llimona merece que el MEAM, de Barcelona, le haya dedicado esa tan especial retrospectiva, que nos acerca a su obra y a su forma de expresión de la belleza.


Musa Maria Llimona (Hija)


BUEN DÍA A TODOS

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Fuentes: Descubrir El Arte.
Wikipedia. Biografias y Vidas.

viernes, 27 de marzo de 2015

Paramore: Hate To See Your Heart Break ft. Joy Williams [OFFICIAL VIDEO]

BUENAS NOCHES, ESTIMADOS AMIGOS, NUEVA NOCHE DE VIERNES Y OTRO FIN DE SEMANA PARA DISFRUTAR, ESO SI, CUIDADO CON TODO AQUELLO QUE PUEDE ACABAR CON LA FIESTA Y ACABAR MAL. DISFRUTAD CADA MOMENTO. ES ÚNICO. BYE, LOVERS.

LUISA CASATI: VIVIR Y SENTIR DANDI.




Casati por Augustus Edwin John


Buen día, estimados amigos, hoy tenemos cita con una señora un tanto peculiar, su nombre LUISA AMMAN, marquesa de Casati, nacida en Milán en el año 1881, y cuya familia estaba enraizada con la alta burguesía.
Con tan solo 19 años contrajo matrimonio con el marqués Camilo Casati Stampa di Soncino, divorciándose del mismo en 1914. 


Luisa Casati

Pese a que con tan solo 15 perdió a su madre y a su padre, Luisa Casati quedó convertida en la propietaria, por herencia, de una gran fortuna. A esta fortuna le dio un objetivo que fue el que fijó para su existencia: "Quiero ser una obra de arte viviente".



La palabra dandismo o dandi no viene definido por sí mismo, sino por aquél que adopta las convicciones que implican el ser o saberse "dandi"; la vida es para el dandi, seducción, extravagancia, la persona que hace de su existencia la consumación de su apariencia exterior, y todo ello unido a un mas que ingenioso verbo.
El siglo XIX y principios del XX consagran la figura del "dandi" haciendo de su cuerpo un escaparate de sí mismo; pongamos, por ejemplo, a Oscar Wilde, el dandi por excelencia. Mas curiosamente esa condición de "dandi" se dio, exclusivamente, en hombres, hasta que apareció Luisa Casati.


Con 18 años


Luisa Casati por Man Rai

Una de las imágenes mas representativas y que puede servirnos de introducción para conocer la personalidad de esta mujer fue una mas que conocida fotografía que le hizo Man Ray, en la que podemos observar cómo su rostro se dirige a quien la observa, sirviéndose de tres pares de ojos.



El mas que conocido y bellísimo Museo Fortuny de Venecia hasta el pasado 8 de marzo, la ha sacado a la luz, para adentrarnos en el espíritu dandi que siempre la precedió, amén de gran artista. Fue musa de muchos retratistas, entre ellos Alberto Martini, además de gran amigo.


Luisa Casati por Alberto Martini


Fue la suya una vida labrada por y para sí misma, y ello lo llevó a cabo, teniendo en cuenta que su economía estaba mas que resuelta, siguiendo dos vías.
La primera de ellas fue haciéndose con una mas que suculenta colección de obras de arte, en las que la protagonista era "ella misma". Así fue retratada por Giovanni Boldini, Alberto Martini, Giacomo Balla, Fortunato Depero, Luigi Russolo, Kees Van Dogen, Erté, Ignacio Zuloaga, Augustus John, Paolo Troubetzkoy, Man Ray e incluso, fotografiar por Cecil Beaton.
Era ella Luisa Casati el punto de cohesión de la magnifica expresión de arte de tan celebrados artistas. 

Por Giovanni Baldini


Diseño por Leon Bakst 

Otra de las fórmulas de hacerse sentir foco de atención fue el hecho de celebrar mas que suntuosas fiestas de disfrazes, tanto en Venecia como en Paris, en la que la única protagonista era ella, todo lo organizaba, dirigía, en todo intervenía y ejecutaba a la vez. Luisa Casati fue a su tiempo lo que cualquier performer lo sería al siglo XXI.

Disfraz Regina della notte


La apariencia de Luisa Casati, alta, degada, con una bellísima mata de pelo rojo hizo de ella una fuente de inspiración y objeto de leyenda entre todos aquéllos que la conocieron y entre los que aspiraban a compartir con ella una de sus mas que suntuosas veladas. Su aspecto era el de una hechicera, cuya piel blanquísima remataba con unos labios rojo bermellón. Sus increibles ojos verdes culminaban el conjunto, y ella aún los hacía mas embaucadores, si cabe, colocándoles unas falsas pestañás, y rodeándolos de khol negro, haciéndolos brillar aún mas si cabe. 



Toda vez que su economía se lo permitía y su singular belleza también, era vestida por Leon Bakst, Paul Poiret, Mariano Fortnuy e incluso Erté. Su cuerpo siempre adornado por joyas de Lalique. Una de estas mas que hermosas joyas fue la que sirvió de inspiración para el diseño de Cartier, "Pantera".


Ninguna mujer como ella supo llevar un "Delfos", el vestido diseñado por Mariano Fortuny Madrazo, siendo del todo suficiente el que Luisa Casati vistiera tan exquisita prenda para que ésta se convirtiera en la gran tendencia de la moda parisina.


Vestido delfos

Giuglio de Blaas

No cabe la menor duda que a su singular mentalidad, Luisa Casati unía un cuerpo especialmente diseñado para aquéllo que tanto amaba: hacer expresión de sí misma, de su exquisita corporeidad. No obstante, su anatomía no entraba dentro del canon de la época, pues era alta, 1,74 metros, que aumentaba a base de stiletti hechos a base de madreperla, muy huesuda, y con un rostro cuyas facciones estaban profundamente marcadas. No era guapa, pero era el suyo un rostro de un profundo magnetismo.

Vestida por Eugene de Blas

Fotografiada por Man Ray

Con el paso del tiempo Luisa Casati irá marcando cada vez mas profundamente esas diferencias que tanto la hacen objeto de intriga, pues utilizaba gotas de belladona para dilatar sus pupilas, a la vez que un cerco negro enmarcaba sus ojos, obtenido a base de polvo de almendras quemadas y molidas,  plomo, cobre, minerales, ceniza y ocre. El resultado era sumamente teatral.
Su vida se desarrolló, fundamentalmente, en dos ciudades. En 1923 adquirió a su amigo Robert de Montesquiou, el Palais Rose en Vesinet, si bien 13 años antes había estado viviendo de alquiler en el Palacio Venier dei Leoni, en Venecia, que nunca fue terminado y del que solo se construyó la planta baja. Fue otra gran mujer, mecenas de múltiples artistas, Peggy Guggenheim la que en el año 1948 se estableció en el mismo, lo reformó y al día de hoy, es la sede de su fundación.


Rodeada de amigos en sus veladas de disfraces


 Por Giovanni Baldini

Fueron mas que conocidas y renombradas sus fiestas de disfraces, en las que Luisa Casati recibía a sus invitados disfrazada de mil y una formas, haciendo su aparición acompañada de animales como galgos e incluso, un leopardo o una serpiente. Todos los invitados llevaban a cabo excursiones por el Gran Canal, vestidos con esos siempre edulcorados ropajes dieciochescos, y todo ello hasta la Plaza de San Marcos, donde terminaban la velada.
Luisa Casati era un producto que se vendía a sí misma, como objeto motivo de atracción y de sugerente extravagancia. A ello contribuía que era una gran aficionada a la magia y al espiritismo, llegando su extravagancia a hacerse dobles en cera a los que vestía con sus ropajes y los sentaba a la mesa de sus invitados. En definitiva, era lo suyo un avance de lo que hoy conocemos como performance.

Por Federico Armando Beltran Masses

Por lo que respecta a su vida sentimental, después de su divorcio fue amante durante años de Gabriele D´Annunzio. Nadie como Luisa Casati supo y participó, desde el punto de vista femenino del dandismo, palabra que, singularmente, no significa NADA.

Por Man Ray

Mas si hay un elemento común en el que converge la vida de todo dandi es en su futuro: siempre acaba mal. 
Luisa Casati se trasladó a Londres a finales de los años treinta y allí vivió sola, en una habitación, arruinada, hasta que falleció en 1957. Sus únicos ingresos provenían de lo poco que le pasaba el que fue su amante Augustus John, que solía gastar en sesiones con mediums.
Luisa Casati se inventó y reinventó a sí misma, mil y una veces, y siempre el resultado era objeto de admiración por todos los que la conocieron, curiosamente, hombres y mujeres, porque el caso de Luisa Casati es el que todos soñamos alguna vez "ser protagonistas absolutos del gran circo del mundo". Ella lo consiguió.


"El sueño ha apresado la huella
Y el color de tus ojos."            
(Paul Eluard)


BUEN DÍA A TODOS

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