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LA BIBLIOTECA MARCIANA DE VENECIA

 "Las bibliotecas son medicinas para el alma"

(Inscripción en la Biblioteca de Tebas)

¿Cómo imaginar un mundo sin libros, un mundo en el que no tuvieran cabida las bibliotecas? Para los que amamos y disfrutamos con la lectura de un buen libro, el hecho de tener nuestra propia biblioteca es sabernos en posesión de un pequeño tesoro inmaterial, de conocimiento y sabiduría.

Es así que desde los inicios de la Humanidad, evidentemente, dentro de sociedades organizadas, el hecho de la existencia de bibliotecas ha venido a condicionar su progreso y desarrollo, a la vez que ha convertido a estas sociedades en eternas.

Hoy nos vamos a dar un baño de conocimiento acercándonos a una de las más antiguas bibliotecas de colecciones de textos clásicos del mundo, amén de constituir un depósito de manuscritos de su país: la BIBLIOTECA NAZIONALE MARCIANA o de San Marcos, de Venecia (Italia), también conocida como Biblioteca Sansoviana.

Esta extraordinaria biblioteca se encuentra ubicada en la piazetta de la plaza de San Marcos, en pleno centro de la maravillosa ciudad de Venecia y su sede la constituyen dos edificios contiguos, ubicados entre la Piazza San Marco y la Riva Degli Schiavoni. No sólo son preciosos ambos edificios, sino que su interior es totalmente espectacular, por su contenido, amén de por su decoración.

Su origen lo debemos a la donación que el 31 de mayo de 1468 hizo a la ciudad de Venecia el cardenal Bessarion, toda una colección de alrededor de 750 códices en latín y griego, a los que se añadieron posteriormente 250 manuscritos y libros impresos (incunables). Esta biblioteca fue la primera abierta a disposición de los eruditos de Venecia.

No obstante, hay que reseñar que el legado del cardenal Bessarion tuvo su origen hacia el año 1362 cuando el poeta y escritor Petrarca donó a la República de Venecia su propia colección.

Fue a partir del año 1603 cuando la Biblioteca Marciana contó con una ley, según la cual debía de depositarse en ella una copia de todos los libros publicados en Venecia, sentando las bases de lo que posteriormente llevarían a cabo otras instituciones como la Biblioteca Británica o la Biblioteca del Congreso de los EE.UU.

El gobierno veneciano aceptó la donación y para albergar tal riqueza encomendó a Jacobo Sansovino, arquitecto y escultor renacentista italiano la edificación que vendría a albergar la colección; el célebre Andrea Palladio, en el Prefacio de sus Quattro Libri, afirmaba que la Biblioteca Marciana de Sansovino era el mejor edificio erigido desde la Antigüedad, y cuya construcción por parte del gobierno veneciano en cumplimiento con el compromiso con el cardenal Bessarion tardó bastante tiempo, pues no fue hasta el año 1537 cuando se inició la misma, con diseño de Jacopo Sansovino,  tal y como ya he indicado; el edificio fue terminado en 1588 bajo la dirección de Vincenzo Scamozzi, quien sucedió a Sansovino a la muerte de éste en 1570.

En el proyecto de Sansovino el edificio porticado debería situarse frente al palacio ducal, y amén de biblioteca tendría como función la de alojar a los seis Procuradores de San Marcos, prestigiosos cargos vitalicios que tenían encargada la administración de los diferentes distritos de la ciudad. Jacobo Sansovino fue capaz de conjugar el estilo clásico más noble del Renacimiento con el pintoresco ambiente veneciano.

Más el compromiso del gobierno veneciano para con el cardenal Bessarion tardó bastante tiempo en cumplirse, pues inicialmente la Biblioteca fue instalada en un edificio situado en la Riva degli Schiavoni, en San Marcos, y después, en el conocido Palacio Ducal.

La riqueza de esta Biblioteca no sólo lo es en función de su contenido en códices, manuscritos e incunables, sino también por lo que respecta a su decoración, en la que intervinieron  personalidades del mundo de las artes como Tiziano, Veronés, Alessandro Vittoria, Barrista FRanco, Giuseppe Porta, Bartolomeo Ammannati y Tintoretto.

En la actualidad la Biblioteca Marciana o Biblioteca Sansovina, que depende del Ministerio del Patrimonio Nacional y Cultura, cuenta con un millón de volúmenes, 13.000 manuscritos y más de 2.800 incunables; por lo que respecta a su arquitectura en ella podemos descubrir los arcos de la planta baja que son de orden dórico, con un entablamento dórico que alterna triglifos y metopas, un segundo nivel muestra un orden jónico, rematado por un friso en el que destacan sus ornamentaciones, a base de querubines , guirnaldas de flores y frutas, amén de pequeñas ventanas ovales. Todos y cada uno de los arcos cuentan con una excelente decoración escultórica, y por lo que respecta al afrontamiento superior, resulta del todo excepcional la balustrada coronada por estatuas de dioses clásicos.

A lo largo del tiempo la Biblioteca fue enriqueciéndose, para lo cual se llevó a cabo el traspaso de diferentes colecciones almacenas en antiguos monasterios, coo el de San Pablo y San Juan de Venecia y el de San Juan de Verdara en Padua, y por supuesto, con las donaciones de muchos particulares.

Fuentes:
Wikipedia.
https://www.venice-museum.com
https://www-turismoenvenecia.com

Simply Red - Shades 22 (Official Video)

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PIERRE GONNORD.- EL ALMA DEL ROSTRO.

Siempre es un placer el hecho de acercar a este pequeño espacio el trabajo de grandes artistas que pueden disfrutar del éxito en vida, como es el caso del fotógrafo de origen francés PIERRE GONNORD, a día de hoy, uno de los más sobresalientes dentro del panorama internacional, y cuyo trabajo está centrado en el retrato del que nos sorprende su gran carga humana.

Y esa humanidad que emana de todos y cada uno de sus rostros es consecuencia del tratamiento que Gonnord da a lo que puede considerarse como esencial del ser humano, evitando todo lo superfluo, para lo cual su fotografía pone especial atención en lo que de vivencia tienen las personas, las experiencias que siempre se dibujan en el rostro y que nos acercan a situaciones de felicidad o desdicha.

Aunque Pierre Gonnord es de origen francés, lleva más de treinta años viviendo en España, Madrid, concretamente, de la que destaca la amabilidad de sus gentes.

Su formación es del todo autodidacta, siendo a partir de 1998 cuando inició este proyecto personal consistente en retratar rostros, y que obedece a la filosofía de lo que este artista considera que es el retrato, el resultado de la suma de tres intimidades: la del modelo, la del autor y la del espectador. En definitiva, cada retrato no es más que el espejo en el que el espectador puede no sólo ver a un retratado, sino, en definitiva, verse a sí mismo, al sentirse identificado con aquel.

Su proyección internacional le vino de la mano de la galerista Juana de Aizpuru quien presentó su trabajo en Francia, en la que fuera una de las primeras ediciones de París Photo, a finales de los años noventa; fue precisamente gracias a esta exposición cómo Pierre Gonnord fue conocido -y reconocido- por galeristas y personas relacionadas con el mundo de la fotografía, como la Maison Europeénne de la Photographie, que le adquirió algunos de sus trabajos. Todo ello le llevó a trasladarse a Japón a la Bienal de Fukuyama, donde permaneció varios meses en una residencia para autores franceses, y posteriormente fue invitado a la Cité International de Arts en París. 

Todo ello fue un "terremoto" en la evolución artística y personal, por supuesto, de Pierre Gonnord, y el reconocimiento a nivel internacional de la calidad de su trabajo.

Proyectos suyos como Interiors (Madrid, 1999), City (Nueva York, 2001) o Regards (2000-2003), Far East (Japón, 2003) y Utópicos (2004-2005), nos ofrecen la visión, a través del objetivo de Gonnord, de diferentes tipos de individuos, con primeros planos de sus rostros, y de una diversidad más que significativa: vagabundos, presos, locos, ciegos, monjes, bandas urbanas, gitanos o personas como las que aparecen en su proyecto Testigos y que han vivido la tragedia de los Balcanes y el norte de África.

El trabajo artístico de Pierre Gonnord le exige viajar continuamente en busca de modelos para sus retratos, si bien no necesita de unas condiciones especiales para montar un pequeño estudio, en ocasiones, todo es prácticamente improvisado, pues lo esencial es el individuo sobre un fondo oscuro, neutral y abstracto, una luz natural y, en ocasiones, un pequeño flash de 500 W.

Entre sus recientes trabajos lo fue en una publicación, evidentemente, de fotografía, en el que participaban 50 autores, con el título de "50 fotografías con historia", y en el que se recogen testimonios tan emotivos y singulares como sólo pueden hacerlo posible quiénes a través de un objetivo ve una realidad que, en ocasiones, escapa al que no tiene el hábito de observar, -no sólo es cuestión de ver, sino de mirar-.

Y precisamente, su último trabajo es el que Pierre Gonnord muestra, en forma de díptico, el retrato de una persona junto con un pájaro, una idea que surgió a partir de una invitación del Museo del Prado, en 2018, para una exposición comisariada por Francisco Calvo Serraller, al que Gonnord le ofreció el primero de sus dípticos con el título Christopher y la corneja Carlos, retrato que seria la portada de la carpeta de esta exposición del citado Museo del Prado.

Nada más acertado reconocer la valía profesional de PIERRE GONNORD conseguida a base de un trabajo conjugado con emoción, dedicación y enormes ganas de "extraer" el alma de cada rostro.

Fuentes:
Wikipedia.
Tendencias del Mercado del Arte.

Manchester Orchestra - The Way (Official Music Video)

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LAS "ACTION PAINTINGS" DE PAT STEIR

La técnica pictórica que se conoce con el nombre de ACTION PAINTING o DRIPPING, que podría traducirse por pintura en acción o goteo, surge en el siglo XX dentro de lo que viene a llamarse pintura no figurativa, siendo su intención la de captar, a través del color y la materia del cuadro, impresiones y sensaciones como pueden ser el movimiento, la energía o la velocidad. Para ello es del todo importante el color y los materiales empleados en la llamada "action painting", como pueden ser arena, alambre y otros elementos con los que se obtenga un particular aspecto del cuadro.

La action painting fue denominada también a una corriente pictórica abstracta de carácter gestual y que fue adoptada por distintos miembros de la escuela estadounidense del expresionismo abstracto.

Fue el crítico Harold Rosenberg quien en 1952  generalizó el uso de este término para este específico tipo de pintura, si bien en 1919, en Berlín, y en 1929, en América, se empleó para calificar las que fueran primeras obras de Kandinsky.

Si nos remontamos a sus orígenes son los surrealistas quienes por medio de sus creaciones automáticas nos adelantaron las que podrían considerarse las primeras action paintings, si bien existen notables diferencias por lo que respecta al planteamiento inicial de dicho arte.

Dentro de este movimiento la figura clave es, sin lugar a dudas, Jackson Pollok, quien destacó por la técnica del dripping o el goteo de pintura, no obstante, la protagonista de este espacio es una de las mujeres pioneras dentro de este movimiento artístico: PAT STEIR.

La actividad artística de PAT STEIR abarca más de medio siglo, dándose a conocer en una exposición bajo la denominación de "Dibujo", en el Museo de Arte Moderno de Nueva York.

Su técnica es la de verter o tirar la pintura desde la parte superior de los lienzos colgados verticalmente, de ahí que sus trabajos sean conocidos como pinturas de "cascadas" goteadas, salpicadas y vertidas. Este tipo de técnica requiere el uso de pintura acrílica ya que resulta más práctica para conseguir el goteo del líquido de cada color de pintura sobre la superficie del cuadro.

La naturaleza que Pat Steir nos representa en sus trabajos nace en función de los materiales empleados, algo que consigue gracias al dominio técnico en el uso de utilizar finos regueros de pintura que se van uniendo hasta llegar a converger simulando eternas cascadas. De Pollock se sirve para conseguir acciones coreografiadas que se van repitiendo indefinidamente.

El efecto visual de las action paintings de Pat Steir nos evocan cascadas de montañas o surtidores de fuentes, en las que el mérito consiste en que el espectador se vea sorprendido por el efecto visual de una especie de "ballet" cuya coreografía parte de un elemento especial, la pintura a modo de finas veladuras que dan dejando un rastro a medida que descienden.

De esta forma podríamos considerar que estamos ante una pintura que viene a entenderse como paisaje y a la vez como abstracción, de la misma forma que puede interpretarse como una cascada.

Pat Steir ha expuesto en muchísimas instituciones y su obra forma parte de las principales colecciones permanentes de museos de todo el mundo, desde el Louvre, en París, el Museo de Arte Moderno, de Nueva York o la Galería Nacional de Arte, de Washington, DC., amén del la Tate Gallery de Londres.

Fuentes: 
Wikipedia.
https://es.artealdia.com
Cómo leer pinturas. Liz Rideal