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LAS CATACUMBAS DE LOS CAPUCHINOS DE PALERMO (ITALIA)

Hoy viajamos en el espacio y en el tiempo pues nos desplazamos hasta la ciudad de Palermo (Sicilia), en el sur de Italia y dedicamos este espacio a descubrir un lugar cuya historia data de hace casi cinco siglos: las conocidas como CATACUMBAS DE LOS CAPUCHINOS.

Estas singulares galerías fueron excavadas hacia finales del siglo XVI, sirviéndose del estilo gótico y con bóvedas de crucería, partiendo de una Orden de Hermanos Menores Franciscanos que en 1534 construyeron un monasterio en las afueras de la ciudad de Palermo; debido a que el cementerio quedó prácticamente sin espacio a finales del siglo XVI, los monjes decidieron la construcción de una cripta situada en el subsuelo del monasterio. Es así que en 1599 el primer cuerpo que ocupó la misma fue el del hermano Silvestro de Gubbio que se momificó de forma natural; ello hizo que los posteriores enterramientos no fueran tales sino que los cuerpos empezaron a ser expuestos en hornacinas todos ellos colocados alrededor de las paredes del corredor de las catacumbas.

La cripta está formada por cinco pasillos; el primero y más antiguo corresponde a los frailes capuchinos, todos ellos momificados con su hábito, el siguiente es el que se dedicó a los sacerdotes, con sus correspondientes ropas engalanadas -curiosamente, en este mismo corredor o pasillo se encuentran los cuerpos momificados de jóvenes que fallecieron vírgenes-; el llamado corredor de los profesionales está ocupado por las momias de personas que ejercían profesiones como abogados, maestros, artistas, soldados...-entre ellos, el pintor Velázquez, los  escultores Filippo Pennino y Lorenzo Marabitti y el cirujano Salvatore Manzellla-; si nos adentramos hacia uno de los extremos de este pasillos nos encontramos como los cuerpos de niños momificados. Uno de los lugares más deliciosos es la Capilla dedicada a Santa Rosalía 

No obstante, con la finalidad de que el mantenimiento de los cuerpos permaneciera momificado, previamente debían ser sometidos a un proceso de deshidratación y extracción de todos los órganos, posteriormente eran lavados en vinagre y rellenados con paja; algunos de ellos fueron embalsamados, otros sencillamente situados en sus respectivas vitrinas protegidos por un cristal, eso sí, siempre vestidos con sus ropajes que empleaban habitualmente.

Si bien inicialmente este tipo de "enterramiento" -que no era tal- lo era exclusivamente para los monjes que vivían y morían en el Monasterio, a finales del siglo XVIII fueron muchas las personas que pagaban por ser enterradas en dicho lugar, por su carácter de lugar sagrado; ello trajo como consecuencia que los corredores de las catacumbas fueran ampliados a fin de atender a las numerosas peticiones que procedían, sobre todo, de personas adinerada, lo cual contribuía al mantenimiento no ya sólo de este espacio, sino también del monasterio.

Esta costumbre continuó durante casi dos siglos, más en 1837 el propio gobierno prohibió que se continuara con dicho tipo de enterramiento, pese a lo cual se incumplió la prohibición y siguieron recogiendo peticiones de sepultura hasta el año 1837. Dos excepciones de esta regla fueron los enterramientos a principios del siglo XX: en 1911, el de Giovanni Paterniti, a la sazón vicecónsul de Estados Unidos, y el segundo, el de una pequeña, en 1920, la niña Rosalía Lombardo.

A día de hoy, la momia de la niña Rosalía Lombardo es una de las más vistas por todos los que llegan hasta estas singulares catacumbas, pues están consideradas como uno de los atractivos turísticos más visitados de la zona; la pequeña, nacida en Palermo el 13 de diciembre de 1918, falleció a consecuencia de una neumonía dos años más tarde, y su cuerpo se conserva intacto, tanto es así que da la impresión de que está durmiendo.

Curiosamente, el tema de la muerte fue siempre tabú en Sicilia, así como en muchas otras ciudades no sólo italianas, sino del resto del mundo, más a raíz de las distintas investigaciones llevadas a cabo sobre este lugar, las personas van concienciándose de que la muerte forma parte de la vida, algo que en muchas culturas se considera del todo normal, principalmente en Oriente.

Cada año este lugar recibe unas 40.000 visitas, en ocasiones personas atraídas por la curiosidad, lo macabro o también como una forma de reflexionar sobre la muerte.

No se trata sólo de un espectáculo, sino de una parte de nuestra historia de conocer la forma de pensar y actuar de aquellos que nos precedieron, un total de 8.000 momias nos transportan en una visión que algunos podrían considerar espeluznante y que para otros es una forma de entender la finitud de nuestra existencia.

Fuentes: Wikipedia.
National Geographic. Historia.

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DAMIÁN ORTEGA.- LA CREATIVIDAD DE LA INSTALACIÓN: LA DECONSTRUCCIÓN.

DAMIÁN ORTEGA es un artista mexicano reconocido internacionalmente a raíz de sus más que curiosas instalaciones , entre ellas, The Cosmic Thing, amén de sus trabajos dentro del campo de la fotografía y cinematografía, y cuya trayectoria vital y artística la ha venido desarrollando desde 2006 entre ciudades tan diferentes como Berlín o México.

Nacido en el seno de una familia de intelectuales y artistas, sus padres potenciaron su creatividad siendo aún un niño al matricularle en colegios que basaban su sistema pedagógico sirviéndose de talleres en grupos experimentales. Todo esta forma de abrir la curiosidad de Damián Ortega se tradujo en el hecho de que con tan sólo 16 años y después de dejar sus estudios de secundaria, pasara a trabajar como caricaturista político.

La obra artística de Damián Ortega ha estado muy influida en sus inicios por los grandes muralistas de la década de los años 20 del pasado siglo XX, como Diego Rivera y David Alfaro Siqueiros; no obstante, su actividad se tradujo en su participación en diferentes periódicos y revistas mexicanos, compatibilizando esta actividad con la realización de esculturas, instalaciones y vídeos.

Para su trabajo se sirve de objetos que pueden considerarse como cotidianos a los que "somete" a un singular proceso de transformación, tal y como hemos podido ir observando desde sus inicios alrededor de 1998, llevando a cabo sus primeras exposiciones individuales, a la vez que participaba de otras colectivas. En 2002 realizó una exposición de sus trabajos en el Instituto de Arte Contemporáneo de Filadelfia, así como participó en la 50ª Bienal de Venecia, presentado su obra The Cosmic Thing, algo que vino a proyectarle internacionalmente.

En The Cosmic Thing Damián Ortega nos ofrece la visión de un auto deconstruido, con toda su carrocería expandida, todas; y cada una de sus piezas está en total quietud, dándonos la sensación de que se tratan de satélites de un algo indeterminado. Ninguna de las piezas, ni siquiera lo que constituye la carrocería es la que podría decirse o calificarse como principal, sino que todo parece invisibilizarse; algo que al espectador llama poderosamente la atención es el efecto que produce toda la disposición del conjunto de elementos desde dentro hacia fuera, y aunque todo está quieto, da la impresión de que el movimiento es continuo, fluctúa como si una fuerza de gravedad existiera sólo para él.

Entre las diferentes exposiciones que siguieron a ésta que le abrió las puertas del mundo artístico internacional destacan las llevadas a cabo por Damián Ortega en Kunsthalle de Basilea (2004), The Beetle Trilogy and other Works, en el Museo de Arte Contemporáneo de Los Ángeles (2005); The Uncertainty Principle. Untiled Project Series, en la Tate Modern Gallery en Londres (2005); Casino en Hangar Bicocca, Milán (2015) y El cohete y el abismo, en el Palacio de Cristal, del Museo Reina Sofía, Madrid (2016).

En la actualidad es el Centro Botín (Santander/España) el que presenta por vez primera juntas un total de nueve piezas escultóricas en suspensión del artista mexicano, en una exposición comisariada por Vicente Todolf, bajo el título Visión expandida.

La obra artística de Damián Ortega nos lleva a explorar la visión de la cotidianidad desde puntos de vista totalmente increíbles, para lo que no deja de emplear cierta ironía o humor, haciéndonos pensar que incluso lo inverosímil tiene cabida en la imaginación.

Fuentes:
Wikipedia.
https://www.elespañol.com
Descubrir el Arte.

 

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MANUEL OUTUMURO.- LUCIE AWARD EN FOTOGRAFÍA 2022.

Los conocidos como PREMIOS LUCIE vienen a reconocer la labor de determinadas personalidades en el arte de la FOTOGRAFÍA, es así que la comunidad de fotógrafos de todo el mundo homenajea a quienes más han destacado en este terreno; después de una serie de nominaciones en diferentes campos se selecciona a un determinado artista en cada una de las categorías.

Esta gala tuvo lugar este año 2022 en la ciudad de Nueva York el pasado 25 de octubre, en el Zankel Hall del Carnegie Hall.

Y un español, MANUEL OUTUMURO ha sido el premiado con dicho reconocimiento en el campo de la fotografía de moda. Todo un extraordinario logro para este fotógrafo español, que podría considerarse el Óscar de la Fotografía. Sus fotografías de moda, que se encuentran organizadas en un amplio archivo con más de 10.000 negativos y gran cantidad de material digital, es un documento extraordinario que viene a dar testimonio de una gran parte de la historia de la moda de los últimos 25 años.

Manuel Outumuro nació en Galicia, en el municipio de A Merca (Orense), si bien la familia se trasladó a vivir a Barcelona cuando el niño Manuel contaba sólo diez años; desde su juventud destacó por un don especial para todo lo relacionado con el arte, de ahí el hecho de que se matriculara y graduara en la Escuela Massana, en Diseño Gráfico. 

Destacó en el mundillo del diseño catalán y gracias a su encomiable trayectoria profesional fundó el que sería su primer estudio. En 1997 Manuel Outumuro dar un giro a su vida y se trasladó a Nueva York, donde también abrió un estudio en el Lower East Side; fue precisamente en Nueva York donde recibiría su primer encargo a nivel internacional, el comisariado y diseño de la primera retrospectiva de Elsa Peretti para Tiffany & Co., por parte de Richard Martin, director del Fashion Institute of Tecnonolgy; el resultado de esta excepcional experiencia fue el hecho de que despertó en Manuel Outumuro su pasión por la historia de la ropa, llegando se convertirse en un especialista en el imagen y comunicación visual de la industria de la ropa.

De regreso en Barcelona, Manuel Outumuro tuvo su debut profesional detrás de la cámara de una forma meramente casual, pues faltando el fotógrafo para una sesión de moda, éste no acudió a la cita, y pese a que su trabajo lo constituía la dirección de arte, no dudó un instante y cogió su cámara haciendo la sesión de fotos a la modelo. Esta experiencia fue definitiva para Manuel pues de ahí vendría la decisión de cambiar la tipografía por la fotografía.

Nunca lamentó el cambio que supondría dicha decisión en su trayectoria, pues el éxito fue total y su colaboración con la mayoría de las revistas de moda internacionales le llegó a continuación; es así como realizó reportajes para Elle, Marie Claire, Harper´s Bazaar, Vogue, y principalmente, del que fuera el suplemento dominical de El País. No obstante, esa colaboración ha venido siendo habitual durante los últimos treinta años.

A la pregunta de ¿qué es la moda? Manuel Outumuro tiene una respuesta contundente, ya que en ocasiones se considera la moda como algo superfluo y todo lo contrario es una cultura la del vestir y la parte que forma de nuestra historia. En consecuencia, Manuel O. ha venido a convertirse en un testigo visual excepcional de la historia de la indumentaria de lo que puede considerarse el último cambio de siglo. Es más, la suya es la memoria de la también historia del cine español, pues delante de su cámara pasaron muchos actores y actrices, directores de cine, y las más variadas personalidades del mundo cultural.

Cabe destacar el hecho de que fuera elegido por el Ministerio de Cultura y la Fundación Balenciaga como comisario para fotografiar los trajes históricos del nuevo Museo Cristóbal Balenciaga.

Todo ello le ha significado el ser merecedor en diferentes ocasiones de los premios Lux de Oro por la Asociación de Fotógrafos Profesionales, habiendo recibido también varios Laus de Oro; igualmente, ha sido distinguido con el premio ARI como mejor fotógrafo del año 2002 por parte de la Asociación de Editores de Revistas de Información.

Para Manuel Outumuro su profesión es más que un arte, un oficio, considerándose un artesano, con todo lo que ello de reconocimiento implica hacia el amor que siente por el desempeño diario de la que es su labor, en su caso, en el campo de la fotografía.

El trabajo de Manuel Outumuro ha sido recopilado en un total de diez libros, si bien destacan dos de ellos, Outumuro Looks, en el que nos presenta las 250 fotografías, suyas, por supuesto, que fueron seleccionadas en su primera retrospectiva para el Museo del Diseño de Barcelona, en 2010, y The Book of Portrait, que recopila más de 200 fotografías de personalidades del mundo del arte y de la cultura.

El reconocimiento hacia Manuel Outumuro con el premio Lucie es un hecho del todo excepcional, pues es la primera vez que este premio, equiparable con el Óscar de la Moda, viene a España, y le equipara por lo que puede considerarse como "artista" con otros grandes de este capo como Peter Lindbergh, Helmut Newton, David Bailey o Patrick Demarchelier; ello significado para Manuel Outumuro algo mucho más importante el ser considerado hijo predilecto de la ciudad de Orense, lo que éste vendrá en agradecer a través de una exposición gráfica de lo que supuso su infancia y sus orígenes, así como todo lo que de felicidad guarda en su memoria.

Fuentes:
Wikipedia.
https://graffica.info.
https://madridphotofest.com
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