CHARLES ALLAN GILBERT.- "ALL IS VANITY"

"Hay que dejar la vanidad a los que no tienen

otra cosa que exhibir"

(Honoré de Balzac)

En el año 1993 una banda de hard rock británico "Def Leppard" publicó un álbum con el título de "Retro Active", cuya portada resultaba del todo original. No obstante, no lo era en absoluto, pues dicha portada era más que parecida a un trabajo de CHARLES ALLAN GILBERT, conocido ilustrador nacido en Hartford, Connecticut, en 1873, y autor de la llamada "ALL IS VANITY", una deliciosa ilusión óptica que realizó con tan solo 18 años , y en la que se nos muestra a una joven sentada frente al espejo de un tocador, más si nuestra vista se dirige desde una cierta distancia lo que observamos es una enorme calavera.

Este trabajo de Gilbert fue vendido en 1902 a Life Publishing Co.

Charles Allan Gilbert fue un niño con una salud muy delicada, lo que le permitió cultivar una de sus grandes aficiones, el dibujo. No obstante, llegada la adolescencia, el joven se decidió por estudiar arte y viajar a Nueva York y Francia. Su trabajo tuvo una especial relevancia por sus colaboraciones como ilustrador para diferentes revistas, entre ellas Harper´s Magazine o Life y libros, a la vez que trabajó en las primeras películas animadas en las que se empleaban sombras móviles y siluetas hechas con tinta.

Retomando el tema que nos ocupa, después de unos pocos datos biográficos, "ALL IS VANITY" es una alegoría de la muerte "Vanidad de Vanidades", tal y como menciona Salomón en el Eclesiastés 1:2, como reflexión sobre la fugacidad de la existencia y lo que de trivialidad hay en todo lo que es ciertamente perecedero.

La joven que observamos mirándose en el espejo del tocador representa a una mujer victoriana, que se deleita rodeada de productos destinados a cuidar y potenciar la belleza, si bien, como ya antes he indicado, mirando la escena desde lejos se puede observar una gran calavera. 

A la derecha de la ilustración, Gilbert sitúa una pequeña vela, que se consume poco a poco, una forma más de lo que significa la fugacidad, y la necesidad de aprovechar el momento presente.

Esta ilustración es una magnífica manifestación de lo que se considera una vanitas.

La vanitas puede ser considerado como un subgénero de la llamada "naturaleza muerta", si bien está directamente enraizado con la alegoría, y tiene profundas connotaciones simbólicas y filosóficas. Es así como a través de este tipo de forma de expresión artística se nos transmitían tres mensajes: el primero el concepto de la futilidad de la vida, siendo ésta algo pasajero y fugaz; en segundo lugar, el hecho de que todo bien que un individuo pueda adquirir, tanto material como inmaterial es del todo irrelevante, carente de sentido; y por último, tratar de preparar el alma del ser humano para la redención, su salvación y vida eterna.

Para ello nada mejor que la representación una serie de objetos alusivos al tiempo que pasa, a la fugacidad de todo lo que es humano y a la inevitabilidad de la muerte. Y entre lo más representado la calavera, el más explícito símbolo de la muerte.

Sí que es acertado afirmar que la vanitas fue sobre todo representada en la pintura, no obstante lo cual en las ilustraciones tiene abundantes manifestaciones.

Ponemos punto y final a esta singular vanitas con la portada del disco que al que he aludido al principio de este post, la del grupo de hard rock DEF LEPPARD.

No cabe la menor duda de que hasta el rock conoce de lo que es la futilidad de todo tipo de "existencia".

ETERNIDAD - WILLIAM BLAKE

Quien a sí encadenare una alegría

malogrará la vida alada.

Pero quien la alegría besare en su aleteo

vive en el alba de la eternidad

Fuentes: 

Historia-arte.com

(CC Miguel Calvo Santos, 23-05-2017)

Wikipedia.

JEAN-BAPTISTE CAMILLE COROT.- El baño de Diana (La fuente)

 "Contemplé tanto la belleza

que mi vista le pertenece"

-C. Kavafis-

Camille Corot

Autorretrato

En qué consiste contemplar una obra de arte, un cuadro, sobre qué se posa nuestra vista, para un experto, sobre la calidad de la obra, desde técnica composición, texturas, pinceladas..., para un  visitante de "paso" en un museo un decir "qué bonito", para quien realmente ama el arte significa detenerse, aunque sea lo único que vayas a contemplar en esa visita, introducir tu mirada en la escena que se desarrolla ante tus ojos y preguntarte: ¿dónde está tu secreto?.

Es así como se descubre la belleza de una obra de arte, no sólo se ve desde fuera, se descifra como un enigma, y para ello es necesario conocer al autor, saber no ya sólo a que movimiento o escuela pertenece, -también un apunte sobre su vida personal (las vivencias marcan y tendemos a manifestarlas de alguna manera), amén de observar cuál es la temática que aborda y qué o a quienes representa. 

Hoy nos introducimos en un óleo sobre lienzo autoría de Jean-Baptiste Camille Corot, el paisajista más famoso de Francia, perteneciente a la Escuela de Barbizon, y precursor del tan conocido impresionismo. No obstante, he escogido uno de sus más bellos trabajos EL BAÑO DE DIANA, también conocido como LA FUENTE.

Pertenece a la colección Carmen Thyssen Bornemisza y podemos encontrarlo en el Museo Nacional Thyssen Bornemisza.

Corot nació en París en el seno de una familia acaudalada y recibió una buena y cuidada educación. Esta circunstancia favoreció que Corot pudiera dedicarse a lo que le gustaba y se decidió por la pintura al aire libre, conocida como "plein air". Lo que realmente amaba era el paisaje y en sus obras apenas pueden encontrarse personas, por lo que esta obra EL BAÑO DE DIANA, 1869-1870, es una curiosa excepción, máxime teniendo en cuenta que estamos ante un estudio realizado en el taller que posteriormente sirvió de base para la composición también titulada EL BAÑO DE DIANA,  fechada entre 1873 y 1874, ubicada en el Museo Pushkin, Moscú, y en la que la diosa de la caza se  sitúa en un paisaje acompañada de dos ninfas.

En el cuadro de Corot destaca la delicada luz que rodea y marca la figura del cuerpo femenino de la diosa, y no estamos ante un estudio anatómico, Corot no pretende darnos lecciones sino mostrarnos la carnalidad de una mujer, aún siendo diosa, a través de la singular textura de la piel de la modelo.

Ahora bien, ¿no os habéis preguntado alguna vez quiénes eran los o las modelos de las diferentes obras de arte que tanto admiramos?

Para EL BAÑO DE DIANA Corot contó con EMMA DOBIGNY, una joven nacida con el nombre de Marie Emma Tuilleux en Montmacq, en 1851 y cuyos padres tenían un pequeño cabaret en dicho pueblo, donde Corot solía ir a pintar. El pintor se fijó en la belleza de la joven y les insinuó a sus padres la posibilidad de que Emma se trasladara a París para trabajar como modelo, algo que efectivamente hizo.

Por entonces trabajar como modelo para reconocidos artistas era algo muy lucrativo, pues en tanto una sencilla obrera ganaba 1,5 francos al día, una modelo podía sacar 5 francos por trabajar sólo cuatro horas. No todas triunfaron, pues muchas de ellas acabaron por dedicarse a la prostitución. Curiosamente, los artistas podían hacerse con las mejores modelos en un mercado que se organizaba todos los lunes por la mañana en la Place Pigalle.

Emma Dobigny posó también para otros pintores como Edgar Degas, Pierre Puvis de Chavannes y Jean-Jacques Henner.

Tal como ya he expresado mirar una obra de arte, en este caso un cuadro, consiste en saber no sólo de su autor, sino también de su modelo. Siempre hay sorpresas por descubrir.

Y como toda forma de expresión artística, existe una conexión entre lo que vemos, sentimos, LEEMOS...

CASIDA DE LA MUJER DESNUDA

Federico García Lorca

Verte desnuda es recordar la Tierra.

La Tierra lisa, limpia de caballos.

La Tierra si un junco, forma pura

cerrada al porvenir: confín de plata.

Verte desnuda es comprender el ansia

de la lluvia que busca débil talle

o la fiebre del mar de inmenso rostro

sin encontrar la luz de su mejilla.

La sangre sonará por las alcobas

y vendrá con espada fulgurante,

pero tú no sabrás dónde se ocultan

el corazón de sapo o la violeta.

Tu vientre es una lucha de raíces,

tus labios son un alba sin contorno,

bajo las rosas tibias de la cama

los muertos gimen esperando turno.

Fuentes:

Museo Thyssen Bornemisza

Guía de la colección.

Wikipedia.

VICENTE ALEIXANDRE.- "SOMBRA DEL PARAÍSO"

 "Un poema es un misterio cuya clave 

debe descifrarla el lector"

-Stéphane Mallarmé-

Arcángel de las Tinieblas

"Me miras con tus ojos azules,

nacido del abismo.

Me miras bajo tu crespa cabellera nocturna,

helado cielo fulgurante que adoro.

Bajo tu frente nívea

dos arcos duros amenazan mi vida.

No me fulmines, cede, oh, cede amante y canta.

Naciste de un abismo entreabierto

en el nocturno insomnio de mi pavor solitario.

Humo abisal cuajante te formó, te precisó hermosísimo-

Adelantaste tu planta, todavía brillante de la roca pelada,

y subterráneamente me convocaste al mundo,

al infierno celeste, oh arcángel de la tiniebla.

......

VICENTE ALEIXANDRE "descubrió" la poesía, su poesía a los diecinueve años, yo le descubrí a él con solo diecisiete años, y su lectura se convirtió en una avasalladora necesidad en una adolescente para la que la belleza tenía la urgencia de sentirse escrita.

Fascinación.

Éxtasis.

Barroquismo épico.

Una de las más singulares cualidades de todos los poetas que formaron parte de la GENERACION DEL 27 fue su extraordinaria capacidad para titular sus obras, dar con la denominación exacta para exponer al lector a un climax de apoteósica poética, radical y sublime.

Con SOMBRA DEL PARAÍSO Vicente Aleixandre alcanza el culmen de su poesía, coincidiendo con su madurez, proporcionándole una energía vital hasta entonces reprimida, dándose sastisfación a sí mismo, después de un silencio "cuasi impuesto".

......

Tu cuerpo resonaba remotamente allí, en el horizonte,

humoso mar espeso de deslumbrantes bordes,

labios de muerte bajo nocturnas aves

que graznaban deseo con pegajosas plumas.

Tu frente altiva rozaba estrellas

que afligidamente se apagaban sin vida,

y en la altura metálica, lisa, dura, tus ojos

eran las luminarias de un cielo condenado...

  

Vicente Aleixandre nos aproxima a la clave sobre la interpretación de estos poemas, en una conocida carta dirigida a Dámaso Alonso: "Estos poemas son visiones de aquel paraíso a que yo llamo juventud, pero que trasciende de una juventud personal para ser como la juventud el mundo. Y por eso yo siento que ese cántico mío no celebra lo que me rodea, sino el mundo para el que nací y en que no me hallo".

En la Edición, introducción y notas de Leopoldo de Luis, Editorial Castalia (Madrid, 1976) a la obra SOMBRA DEL PARAÍSO, amplía la acción motivadora de Aleixandre con una llamada de atención sobre los dos planos temporales de toda poesía de recuerdos: el que se recuerda -que suele idealizarse- y aquel tiempo histórico en el cual escribe el poeta -que suele dramatizarse-. Para Leopoldo de Luis el tiempo histórico adquiere un carácter fundamental en la clave de la obra. No nos encontramos ante una poesía que pueda considerarse o llamarse alegre, es más calificativos como maldad, artificiosidad, pesar o mentira son admisibles.

No cabe la menor duda que Vicente Aleixandre sufrió muchísimo por la muerte de Federico García Lorca; desaparecido Federico, con gran parte de sus amigos exiliados, Vicente vive o sobrevive su exilio interior en su casa de Velintonia, número 3, en ese Madrid oscuro, sombrío de la posguerra. 

A todo ello contribuyó una debilitada salud desde su infancia y una tuberculosis renal, que le afectó gravemente, impidiéndole una vida activa normal. A sus relaciones sentimentales con algunas mujeres en su primeros años, siguió una madurez homosexual, si bien Aleixandre nunca reconoció dicha orientación en público. Fue su decisión y  su derecho de mantenerla en la intimidad.

Es precisamente este exilio interior el que viene a darnos luz sobre la interpretación de SOMBRA DEL PARAÍSO, en el que aborda la pérdida de su vida anterior,  la compañía de sus amigos, muchos de ellos camaradas de la Generación del 27.  Relevante resulta la diferencia entre sendas estructuras de la obra, una de ellas que abunda en ese "paraíso" vital, y otra en la que la "sombra" hace acto de presencia.

....

Respirabas sin vientos, pero en mi pecho daba

aletazos sombríos un latido conjunto.

Oh, no, no me toquéis, brisas frías,

labios larguísimos, membranosos avances

de un amor, de una sombra, de una muerte besada.

A la mañana siguiente algo amanecía

apenas entrevisto tras el monte azul, leve,

quizá ilusión, aurora, ¡oh matinal deseo!,

quizá destino cándido bajo la luz del día

.....

No hace falta reseñar en SOMBRA DEL PARAÍSO su barroquismo, una forma explícita de exacerbar el "adorno", apostando por los epítetos y las abundantes estructuras sintácticas, haciendo de su lectura interminable.

¿Qué puede haber de comunidad poética entre Aleixandre y Blake? La intención de que todo quede en una realidad vaga, imprecisa, inaprensible para el lector, aproximándole a una visión mística del verso.

Esa visión  que el mismo Aleixandre nos proporciona sobre su homosexualidad, cercando su concepto del amor, el instinto homoerótico que permanece en la "sombra".

SOMBRA DEL PARAÍSO es, ante todo, un libro que nos acerca el misterio de aquello que somos, o mejor, intuimos, entre cuyos poemas los versos tienen el poder de conducirnos por el mundo temporal que Aleixandre pretende, al que inicialmente podemos resistirnos, oponer resistencia que se asienta sobre la realidad, pero a la que renunciamos porque resulta tan "sublime" dejarse llevar por la lucidez de lo que resulta como poco "metafísico".

.....

Pero la noche al cabo cayó pesadamente.

Oh labios turbios, oh carbunclo encendido,

oh torso que te erguiste, tachonado de fuego,

duro cuerpo de lumbre tenebrosa, pujante,

que incrustaste tu testa en los cielos helados.

Por eso yo te miro, Porque la noche reina.

Desnudo ángel de luz muerta, dueño mío.

Por eso miro tu frente, donde dos arcos impasibles

gobiernan mi vida sobre un mundo apagado".

Amar la poesía de VICENTE ALEIXANDRE es introducirse voluntariamente en un mundo de visionarias alegorías, de sombras, luces y desengaños, de dolor y miedo, de dulce tristeza que inunda los corazones solitarios, los cuerpos que devienen mudos por el recuerdo...

Por eso y por mucho más, porque me hizo sentir la EMOCIÓN adolescente de la belleza de la palabra VICENTE ALEIXANDRE es y será mi amor eterno, señor de la belleza y de la palabra que se viste de dolor y de gloria.

Fuentes:

Aleixandre, Vicente: Sombra del paraíso. Edición, introducción y notas de Leopoldo de Luis. Editorial Castalia, Madrid, 1976.

Manuel Vilas, "Letra Internacional, nº 104, otoño, 2009.

SOMBRA DEL PARAÍSO. Vicente Aleixandre.

LUCIEN FREUD.- LA ESENCIA DE LA CARNALIDAD -TWO MEN-

"La carencia de pasiones hace al hombre estúpido"

-Helvecio-

Bienvenidos todos a una nueva etapa que vengo a compartir con todos vosotros en este blog que tanta satisfacción me ha dado a lo largo de casi trece años de actividad y con un total de 2.177.400 visitas.

Fue en noviembre de 2023 cuando dejé aparcado este proyecto, en parte por cierto cansancio acumulado, y también por necesidades personales que no me permitían dedicarle el tiempo deseado; más creo que ha llegado el momento de encauzarlo de nuevo, acercándome a temáticas tan recurrentes y admiradas como son la pintura, la escultura, el grabado, la literatura, el ARTE en mayúsculas en todas sus expresiones.

Para esta nueva oportunidad que me doy de hacer nuevos descubrimientos, junto con todos los que deseéis leerme, he elegido una obra pictórica de LUCIEN FREUD, que obedece al título de TWO MEN.

El descubrimiento para mí de la excelencia del trabajo de LUCIEN FREUD vino de la mano de una exposición temporal en el Museo Nacional Thyssen Bornemisza, en Madrid, en junio de 2023, en una de mis deliciosas escapadas a la capital de España, para empaparme de arte y cultura, en vivo y en directo.

Fue precisamente en esta exposición donde descubrí la excelencia de LUCIEN FREUD, su capacidad de acercarnos a la carnalidad más cruda y real, y  entre todos sus trabajos quedé marcada por esta obra TWO MEN.

Hagamos un pequeño recorrido por la esencia de LUCIEN FREUD, aquello que viene a configurar la personalidad de un artista de excepción, y para ello nos remitimos a la ESCUELA DE LONDRES, una corriente figurativa de la que LUCIEN FREUD es uno de sus máximos representantes.

En muchas de sus obras, fundamentalmente retratos, hay un elemento del todo sorpresivo que no es otro que la transgresión que provocan en el espectador, los personajes de sus obras son claramente quienes son, resulta en ocasiones difícil descubrir su belleza, apostando por fuertes trazos verticales y horizontales que se nos muestran unidos con las diagonales que aumentan la tensión visual. En su objetivo plasmar la singularidad de cada modelo.

En gran medida la formación de LUCIEN FREUD en lo que fue el clima intelectual existencialista de la Europa de entreguerras le sirvió para hacer de su pintura una forma de reflexión sobre la enajenación del individúo contemporáneo.

Es mayormente temática de sus trabajos la figura humana a la que dota de una intensidad psicológica muy acusada. Freud no trata de que sus retratos sean eso, copias de sus personajes, sino que busca la esencia de su personalidad.

La obra que obedece al título de "TWO MEN" fue realizada por LUCIEN FREUD entre 1987 y 1988, tratándose de un óleo sobre lienzo, que se encuadra en el movimiento expresionista dentro de la llamada pintura de género.

Sus dimensiones son de 75 x 106,7 cm, y podemos admirarla en la Galería Nacional de Arte Moderno de Escocia, en Edimburgo (Reino Unido).

Sin lugar a dudas merece una observación detenida de nuestra mirada sobre las dos figuras masculinas que vemos tumbadas sobre una cama, observación que nos arrastra hacia una escena verdaderamente conmovedora.

Uno de los hombres está tumbado boca abajo, su postura es tranquila y relajada, y está desnudo, el otro hombre está vestido y situado a su lado, eso sí, boca arriba.

Hay un hecho relevante, las manos del hombre vestido, una de ellas sobre su pecho, la otra sobre la pierna del hombre desnudo. La intimidad de la escena nos hace replantearnos hasta qué punto la fragilidad de ambos cuerpos  dormidos domina el escenario, a lo que contribuye la magnífica definición de la piel de ambos, con unas pinceladas, en cierta medida abruptas, no exentas de esa  especial capacidad de LUCIEN FREUD de transmitir la emoción más humana. Es un triunfo del equilibrio de la composición así como de la belleza de algo tan normal y excepcional, a la vez, como es el cuerpo humano y sus sentimientos más íntimos.

De mi visita a esta exposición temporal me llevé una lámina impresa de esta para maravillosa obra, que me supuso todo un descubrimiento, pues LUCIEN FREUD sólo es LUCIEN FREUD cuando le vemos en vivo, en tanto los contrastes de sus trazos hacen de la carnalidad de sus personajes protagonista de toda la escena.

Fuentes:

Lucien Freud. Sebastian Smee. TASCHEN.

ARTHIVE -Since 1998-

Museo Nacional Thyssen Bornemisza.

POEMAS QUE NO LO SON

 

CULPA

Y yo al otro lado de la cama

sorteando lágrimas

soportando infiernos.

Y tú que a lo lejos te vislumbras

presencia inalterable

de cada silencio oscuro.

Nada nos vale para sanear conciencias

creer en lo que soñamos un día,

abominar de lo que fuimos,

sabernos invencibles.

Todo torna a su ser (no ser)

cuando  retomas las riendas de tu vida

liberando de toda culpa a la humanidad.

Más siempre el indolente

guarda su definitivo recurso

salvando su perpetuidad:

la culpa ajena.

Rosa Freyre

"Una persona que se siente culpable,

se convierte en su propio verdugo"

(Séneca)

POEMAS QUE NO LO SON

 

IRA Y FUEGO

Cierro los ojos

el mundo en la palma de mi mano,

apretados mis dedos

todo bajo control.

Mientras,

la soledad capturada,

el miedo vencido,

la memoria olvidada,

el silencio enjaulado.

En lo oscuro la confusión

hace fiesta en mis plazas.

Mi calma

el corazón que espera

y llega,

todo llega.

Unos ojos de ira y fuego,

inundaron mi memoria,

tu voz es solo recuerdo

que agoniza cada día

en el despertar

de unos labios ausentes.

Rosa Freyre

La muerte en Venecia

-Luchino Visconti-

POEMAS QUE NO LO SON

 

CORAZONES SOLITARIOS

Forjamos nuestro romance 

entre el azar y la necesidad,

saturados de obviedades 

con la voluntad firme 

en medio de las llamas,

absurda aventura

la que se facilita siempre incompleta.

Retornaron las voces que

susurraban como iguales 

y cada palabra resbalaba 

sobre nuestros cuerpos.

El desamor retomó

los oscuros del silencio,

nuestro tiempo quedó atrapado

en el epicentro de un universo

cuya ecuación solo contemplaba 

mil y una soluciones

decepcionantes. 

El mutismo llevó a refugio

las heridas de dos corazones

solitarios,

todo retomó su paz inicial,

en la distancia la simplicidad

de la vida sin contratiempos.

ROSA FREYRE

La pesadilla

-Johann Heinrich Füssli-

POEMAS QUE NO LO SON

 

DEVASTACIÓN

El vicio del desamor

subyace como esencia

de todo amor verdadero.

La soledad habita

en cada pequeña grieta

que se crece por momentos.

A la hora señalada,

sin que nadie lo advierta,

la oscuridad cubrirá

nuestras vidas,

nuestros ojos tornarán ciegos

pese al vano intento

de acercarnos el uno al otro.

Nada sobrevivirá

a esta aleatoria devastación

de los sentimientos,

agotados los silencios,

renaceremos bajo el orden

de un nuevo inferno.

Rosa Freyre

Melancolía

-E. Munch-

POEMAS QUE NO LO SON...

 

Algo así como la nada

Pensar en hacer algo  

desde la nada,

allanando la senda de la indolencia,

no nos salvará de lo que presentimos.

Se nos hizo tarde

para la disculpa, el enojo

o la revancha.

La justicia que se define como tal

es una mera cuestión de perspectiva atípica,

en la singular vida

cuyo espacio gobierna la sinrazón

del más cauto de los locos.

Solventamos la alienación

rodeándonos de circo

-carpa rota y payasos mudos--

Un elefante hace equilibrios sobre el alambre

que sostiene nuestros sueños.

Rosa Freyre

POEMAS QUE NO LO SON

 

VIAJES

La historia interminable

no pertenece a nadie,

en su oscuridad la paz del buen pecador

sobrecoge su arrepentimiento

en la abundancia de esa espera

de una vida ociosa.

Todo aquello que inició su caída

sigue su trayectoria

llegando al suelo,

continúa un destino sin final.

Los fantasmas, de quienes nunca

nos libramos,

convierten nuestros miedos

en aliados de una suerte impredecible.

Desbordados por una sensación de

ingravidez placentera,

el más brusco de los movimientos 

asemeja el viaje de una pluma,

y el sonido de la luz

convierte en cálidas las miradas

de quiénes aún juegan con su inocencia.

Rosa Freyre

POEMAS QUE NO LO SON

 

CICATRICES

Dulces son las cicatrices

de las infancias olvidadas

envueltas por afectos perversos

alimentadas de dominio.

La rutina se instala

salvando los pozos de la incertidumbre

que la inocencia rescata.

El corazón helado

bajo el cálido abrazo

de unas manos ásperas,

camuflaje para silencios densos y hostiles,

niebla para la memoria.

Como cáscaras de la nada

sobre mares abiertos 

transitan.

ROSA FREYRE

POEMAS QUE NO LO SON

 

VIDA ASINTOMÁTICA

El éxito de una vida asintomática

es el culmen de la existencia 

que roza los límites de las emociones,

retrocediendo de inmediato.

Nada duele más que el conocimiento

de todo cuanto podemos abarcar.

Cuando ni el placer ni el dolor

se dibujan en el horizonte,

y la mar calma se aleja de nuestros pies.

La pertenencia es cosa de almas débiles

abocadadas a su propia aniquilación,

el deseo de salir airosos de este viaje

no necesita ni equipaje ni destino.

Tal vez sea sólo miedo a la insignificancia,

nihilista que inspira y expira

hasta un final que conoce y teme a la vez.

ROSA FREYRE.

Future Islands - 'The Tower' (Official Video)

BUEN DÍA

SÓLO NOS QUEDA LA MÚSICA

 

LOS NIÑOS DE LÍDICE (HISTORIA DE UNA MASACRE)

El arte debe servir para hacernos conscientes de cuánta belleza existe en el mundo en el que vivimos, más también debe serlo como forma de denuncia de situaciones personales, sociales que están o han estado llenas de dolor y sufrimiento.

A través de la mirada de una tercera persona podemos adquirir el conocimiento necesario para juzgar el horror que la historia no debe olvidar.

La escultora checa MARIE UCHYTILOVÁ, nacida en Královice en 1924 y fallecida en Praga en 1989 nos legó un testimonio del todo escalofriante, pues tiene como temática una masacre ocurrida durante la Segunda Guerra Mundial, siendo su escenario el pueblo checoslovaco de LÍDICE, que fue  destruido por las fuerzas de ocupación, y todo ello como consecuencia del asesinato del jerarca nazi Reinhard Heydrich.

En la mañana del 27 de mayo de 1942, Heydrich se dirigía en su descapotable al Castillo de Praga en el sector de Holesovice, siendo atacado por dos guerrilleros de la resintencia checa, Jozef Gabeik y Jan Kubis; ambos habían sido entrenados en el Reino Unido y formaban parte de la Operación Antropoide. Pocos días después Heydrich fallecería en el hospital, como consecuencia de una septicemia, lo que provocó la ira de Hitler, dando orden expresa de capturar a ambos.

Pero nunca imaginó la resistencia checa hasta qué punto podría llegar la venganza de Hitler, para lo que las fuerzas alemanas rodearon el pueblo de Lídice, así como Lezáky, ambos escogidos por ser muy contundentes contra la ocupación nazi.

Toda la población fue sacada de sus casas, los hombres mayores de 15 años fueron separados del resto y trasladados a un granero, donde fueron todos ellos fusilados; muchas mujeres y niños fueron trasladados al campo de concentración de Ravensbrück, muriendo casi todos ellos en las cámaras de gas o por inanición. Hasta los animales domésticos, las mascotas fueron sacrificadas, e incluso destruido el cementerio, siendo exhumados los restos de los ya fallecidos, a fin de despojarles de las posibles joyas que pudieran tener

En el caso de los niños, aquellos que tenían rasgos arios fueron separados del resto y enviados a familias alemanas. 

De los 503 vecinos de Lídice los alemanes asesinaron a 340, de los 88 eran niños.Por lo que respecta a la aldea de Lezaky, cuya población eran mucho menor, 33 personas de entre 14 y 84 años fueron fusiladas, y 11 de un total de 13 niños gaseados en un campo de exterminio, únicamente dos niñas lograron sobrevivir al tener rasgos arios.

Y si con la matanza no hubiera sido más que suficiente el horror, continuaron arrasando ambas aldeas, limpiando todo tipo de rastro, como si nada hubiera sucedido. Tal fue la crueldad de este hecho que conmocionó al mundo y en distintos países se fundaron pueblos con el nombre de Lídice, en Brasil, México, Ecuador, Panamá, Israel, Venezuela, Perú, EE.UU., Uruguay y Cuba.

Una vez finalizada la Segunda Guerra Mundial sólo Lídice fue reconstruída, y toda la zona fue considerada terreno sagrado en la República Checa.

En el lugar donde se encontraba la aldea de Lezaky existe diferentes lápidas de piedra con cruces latinas, en las que aparecen los nombres de todas las víctimas de tan horrible masacre.

Es a Marie Uchytilová a quien debemos el monumento en recuerdo de los 82  niños masacrados, un grupo escultórico en el que empezó a trabajar en 1980, y que tardó veinte años en terminar. La obra escultórica en cuestión está situada en el emplazamiento de la antigua ciudad de Lídice, bajo el nombre de "Monumento a los niños víctimas de la guerra" está compuesta de 82 estatuas simbólicas de cada uno de los pequeños asesinados (40 niños y 42 niñas) realizadas en bronce, de edades comprendidas entre 1 y 16 años,  si bien no se trata de retratos. Esta inmensa labor la pudo llevar a cabo gracias a la ayuda de su esposo, también escultor, Jirím V. Hamplem, y a pequeñas aportaciones individuales, hasta que la ayuda definitiva vino de la localidad danesa de Albertslund. El conjunto escultórico está orientado de forma que los niños puedan ver la tumba de sus padres, abuelos y amigos.

Toda la zona está rodeada de un área que rinde tributo a todos los fallecidos, y en la que se ubica un museo y una sala de exposiciones; en 1955 se instaló un jardín de rosales, que fue sustituido y ampliado por otro con un total de 21.000 rosales.

Cualquier forma de violencia, cualquiera que sea la etapa histórica que hemos conocido a través de los libros o la que vemos y escuchamos diariamente a través de diferentes medios de comunicación, es tanto o más terrible que la que se ve reflejada en este conjunto escultórico, siendo siempre los más pequeños, los niños, las víctimas de todo conflicto, no importa su raza, ideología, religión. Hoy más presente que nunca.

La escultora Marie Uchytilová había unido a su obra en homenaje a estos pequeños el siguiente texto:

"En nombre de la paz entrego a los 82 niños de esta nación a su planicie natal en forma de símbolo de advertencia y recuerdo a los millones de niños asesinados en las guerras desencadenadas son sentido alguno por habitantes de la Tierra. A través de las escultura envío a las naciones un mensaje de entendimiento. Espero que junto a este símbolo de la tumba coletiva de los niños de Lídice lleguen a reconciliarse los vecinos uno con los otros".

Fuentes:
Wikipedia.
https://español.radio.cz

SHINOVA - ALAS (Videoclip oficial)

BUENA NOCHE

BUENA MÚSICA