miércoles, 21 de octubre de 2026

LA SIMBOLOGÍA EN EL MUNDO DEL ARTE . Parte I


"El lenguaje simbólico es un lenguaje en el que el mundo
exterior constituye un símbolo del mundo interior, un símbolo
que representa nuestra alma y nuestra mente"
- Eric Fromm -

Nuestra vida cotidiana, la que conocemos día a día, está conformada en base a una multitud de símbolos que no solo ignoramos, sino que incluso pasan desapercibidos ante nuestros sentidos. 
El término "símbolo", tal y como lo define la RAE, es un "Elemento u objeto material  que, por conversión o asociación, se considera representativo de una entidad, de una idea, de una cierta condición, etc."
Es así que ese término es igualmente empleado dentro de las más que diferentes expresiones artísticas, especialmente la visuales, y con ello hago especial mención de la pintura, la escultura, la ilustración, la fotografía...
Elementos que podríamos considerar de simple "adorno", interpretados correctamente, nos pueden ofrecer la clave de una pintura o la intención que cada autor de una obra pretende transmitirnos y sin cuyo conocimiento nos quedamos a medio camino de conocer qué estamos viendo y reconociendo.
Algunos símbolos han llegado hasta nuestros días, otros quedaron atrás en el tiempo, en función de su empleo en las diferentes sociedades que desde siglos atrás han ido sucediéndose, más es del todo acertado afirmar que si no se identifican los símbolos por desconocimiento, la contemplación de la obra artística queda reducida a la simple contemplación estética.
Como son tantos los símbolos que el arte utiliza para dar a conocer sus más preciados secretos, este artículo será el primero de una serie de tantos en lo que abordaré este delicioso paseo por esas "pequeñas señales" que son la clave de grandes misterios.

EL AGUA.
Considerada como uno de los elementos esenciales que la naturaleza nos ofrece, tiene muchas interpretaciones, en función de las diferentes culturas, si bien su empleo nos habla de fecundidad, purificación, la vida y la muerte, e incluso la eternidad.

La Fuente de la Gracia
- Jan Van Eyck -

Significativo es el hecho de que el curso de lo que es la vida humana ha estado vinculado con el correr de las aguas de los ríos y de los arroyos, e igualmente, hacemos del agua sinónimo de claridad y transparencia.
Otro aspecto destacable es que el agua puede hacernos concebir deseos mágicos e incluso conseguir un efecto rejuvenecedor; tanto es así que el agua ha sido empleado desde hace siglos en rituales iniciáticos mediante abluciones y aspersiones con la finalidad de purificar el alma. El agua hace el efecto de limpiar de culpa, como es el caso del agua bendita empleada en el cristianismo, generando un completo renacimiento.
Más también el agua es elemento utilizado como castigo divino, tal y como nos recuerda el Diluvio Universal.
En psicología el agua está asociada al consciente colectivo y el subconsciente a las aguas de las grandes profundidades marinas; en la alquimia , el agua figura representada con forma de triángulo invertido, señalando hacia dónde fluye.

LA BALANZA

La balanza está asociada en toda representación artística con la justicia y el equilibrio. 
Si nos retrotraemos al antiguo Egipto, Osiris pesaba el alma de los muertos con la finalidad de determinar su destino final. Esta tesis que relaciona la balanza con el destino del alma humana la podemos también encontrar en la Biblia y también en el islam.
El arte recurre al empleo de la balanza bajo la tesis de atributo de la justicia, e incluso, tenemos una curiosa representación en el zodiaco, con el signo de Libra.
Son numerosas las obras artísticas en la que la balanza se hace presente, relacionándola con el pesaje de monedas, y como símbolo de esa justicia que se dibuja con los ojos vendados y una espada.

Mujer sosteniendo una balanza
Johannes Vermeer

EL CIPRÉS

El ciprés fue considerado durante diferentes civilizaciones como símbolo de la longevidad, de ahí que se le denomine "árbol de la vida" y alude a la inmortalidad. Directamente relacionado con el mundo de los muertos, el ciprés se convirtió en símbolo de duelo, de ahí que sea el árbol que adorna los cementerios, por su hoja perenne y su resistencia a las inclemencias del tiempo.
Su olor nos trae reminiscencias de virtudes espirituales y pureza, siendo su madera muy apreciada en la construcción de templos y edificios sagrados.
La Biblia hace especial referencia a que el Arca de Noé fue construída con madera de ciprés, e igualmente, el templo de Salomón.
El ciprés aparece como elemento simbólico en muchas pinturas que el visitante puede admirar en los más variados museos, siendo Van Gogh, con su "La noche estrellada" uno de los exponentes de la importancia del ciprés como expresión de crecimiento o ascenso espiritual.
Mi pintura favorita en la que abundan los cipreses es obra de Arnold Böcklin, titulada "La isla de los muertos", y la más famosa de este pintor simbolista.


EL CÍRCULO (circunferencia)

El empleo de círculos y circunferencias en las obras de arte nos ofrece la posibilidad de diferentes y múltiples interpretaciones; guarda especial relación con la perfección y la unidad, si bien, el universo nos ofrece esta forma geométrica unida al sol, la eternidad, lo divino y sagrado y, especialmente, en composiciones en las que aparece la llamada rueda de la vida.
Al ser una expresión que se conoce desde las más antiguas culturas, su área se encuentra dentro de una circunferencia. Es frecuente verlo asociado con la unidad completa, considerado el movimiento circular como perfecto e inmutable, carece de comienzo y no tiene fin, su percepción nos ofrece una total inmutabilidad.


En el caso de los círculos concéntricos estamos ante una representación de las jerarquías o grados del ser.
En culturas como la china, la mesopotámica, en el cristianismo, e incluso en leyendas históricas como la conocida como "mesa redonda" del Rey Arturo, el símbolo circular alude a la magia y a la protección frente a fuerzas desconocidas. 
El arte tiene una una representación bellísima en la cúpula circular de la Santa Sofía, en Estambul,antigua basílica cristiana y en la actualidad mezquita.
El arte moderno emplea con profusión el círculo, en las vanguardias que a lo largo de la historia nos han ofrecido los más variados movimientos artísticos como el fauvismo, el cubismo, el dadaísmo y el surrealismo, sobre todo en la pintura.


EL ESPEJO

El espejo viene a reflejar una imagen real, idéntica a su original, lo que viene a significar el principio de la sinceridad, verdad y autenticidad, es más si nos detenemos en lo que tiene de simbólico para el psicoanálisis está íntimamente relacionado con la autocontemplación, de especial significado cuando aparece en los sueños ya que nos advierte sobre la necesidad del reencuentro con uno mismo. 
Abundan las supersticiones relacionadas con los espejos, como las desgracias que traen su ruptura, especialmente amorosas, y el hecho de mirarse en un espejo roto, al multiplicarse la imagen reflejada. En la cultura popular era frecuente encontrar espejos cubiertos después de una muerte.
En su aspecto negativo, los espejos son portales de entrada al mundo de los sueños, lo onírico y desconocido, siendo abundantes las leyendas que nos muestran brujas sirviéndose de espejos para realizar hechizos y comunicar con el diablo.
En las escenas de vánitas son elemento que se emplea con un significado relacionado con la futilidad de la existencia humana. E igualmente, escenarios en los que alude a la soberbia, la vanidad y la lujuria, muy recurrido tema renacentista. 
Más si hay una obra pictórica en la que un espejo convexo es el elemento central ese es "El matrimonio Arnolfini", de Van Eyck, pues en el mismo se ve reflejado toda la habitación, y dos figuras que no se observan directamente en el cuadro.




En lo que es nuestra vida diaria los símbolos están continuamente presente, desde los que nos marcan las normas de circulación, los que nos guían en caminos, los signos ortográficos, los más que abundantes que encontramos en la tecnología, los emoticonos, e incluso, el más que estudiado sistema periódico. Todos ellos constituyen una forma de información, de hablarnos con una imagen o forma que con una única imagen nos lo dicen todo.
Es inconcebible una sociedad sin símbolos, pues incluso el amor se dibuja con un símbolo


Nota: La imagen que aparece al inicio de este artículo es una curiosa figura que aparece en una pintura de Hans Holbein el Joven, titulada "Los embajadores" y que, durante bastante tiempo llegó a intrigar a todos los amantes de la pintura e incluso a estudiosos, hasta que se descubrió que en la misma se escondía una anamorfismo; es así que como se pudo saber que lo que aparecía, en primer término, en la obra en cuestión era una calavera, SÍMBOLO inequívoco de la futilidad de la vida, frente a la riqueza.
Y es que en el ARTE todo resulta sorprendente.





Fuentes: 
Wikipedia.
Guía para identificar los símbolos del arte.
(Cuaderno Arte Cátedra)






martes, 20 de octubre de 2026

POEMAS QUE NO LO SON


MEMORIA

Cómo descifrarte 
sin clave ni referente.
Si el fracaso obedece a mi presencia
con el dolor y la desdicha instalados en mi vida,
la frustración y  el desconsuelo
ven acrecentar la dificultad de mis recursos.
Ya sólo abogo por evitarte,
bastaría para ello la oportunidad
de ausentarme por el tiempo que decidas.
Un tiempo que se consuma por sí mismo
que enmiende la intromisión de mi esencia
en la que es tu realidad paralela.
La pasividad de tu actitud
hará hueco en mi memoria.
y el olvido será el cómplice
de tu ausencia.

Rosa Freyre


 

jueves, 15 de octubre de 2026

CHARLES ALLAN GILBERT.- "ALL IS VANITY"

"Hay que dejar la vanidad a los que no tienen
otra cosa que exhibir"
(Honoré de Balzac)



En el año 1993 una banda de hard rock británico "Def Leppard" publicó un álbum con el título de "Retro Active", cuya portada resultaba del todo original. No obstante, no lo era en absoluto, pues dicha portada era más que parecida a un trabajo de CHARLES ALLAN GILBERT, conocido ilustrador nacido en Hartford, Connecticut, en 1873, y autor de la llamada "ALL IS VANITY", una deliciosa ilusión óptica que realizó con tan solo 18 años , y en la que se nos muestra a una joven sentada frente al espejo de un tocador, más si nuestra vista se dirige desde una cierta distancia lo que observamos es una enorme calavera.
Este trabajo de Gilbert fue vendido en 1902 a Life Publishing Co.
Charles Allan Gilbert fue un niño con una salud muy delicada, lo que le permitió cultivar una de sus grandes aficiones, el dibujo. No obstante, llegada la adolescencia, el joven se decidió por estudiar arte y viajar a Nueva York y Francia. Su trabajo tuvo una especial relevancia por sus colaboraciones como ilustrador para diferentes revistas, entre ellas Harper´s Magazine o Life y libros, a la vez que trabajó en las primeras películas animadas en las que se empleaban sombras móviles y siluetas hechas con tinta.

Retomando el tema que nos ocupa, después de unos pocos datos biográficos, "ALL IS VANITY" es una alegoría de la muerte "Vanidad de Vanidades", tal y como menciona Salomón en el Eclesiastés 1:2, como reflexión sobre la fugacidad de la existencia y lo que de trivialidad hay en todo lo que es ciertamente perecedero.
La joven que observamos mirándose en el espejo del tocador representa a una mujer victoriana, que se deleita rodeada de productos destinados a cuidar y potenciar la belleza, si bien, como ya antes he indicado, mirando la escena desde lejos se puede observar una gran calavera. 
A la derecha de la ilustración, Gilbert sitúa una pequeña vela, que se consume poco a poco, una forma más de lo que significa la fugacidad, y la necesidad de aprovechar el momento presente.



Esta ilustración es una magnífica manifestación de lo que se considera una vanitas.
La vanitas puede ser considerado como un subgénero de la llamada "naturaleza muerta", si bien está directamente enraizado con la alegoría, y tiene profundas connotaciones simbólicas y filosóficas. Es así como a través de este tipo de forma de expresión artística se nos transmitían tres mensajes: el primero el concepto de la futilidad de la vida, siendo ésta algo pasajero y fugaz; en segundo lugar, el hecho de que todo bien que un individuo pueda adquirir, tanto material como inmaterial es del todo irrelevante, carente de sentido; y por último, tratar de preparar el alma del ser humano para la redención, su salvación y vida eterna.
Para ello nada mejor que la representación una serie de objetos alusivos al tiempo que pasa, a la fugacidad de todo lo que es humano y a la inevitabilidad de la muerte. Y entre lo más representado la calavera, el más explícito símbolo de la muerte.
Sí que es acertado afirmar que la vanitas fue sobre todo representada en la pintura, no obstante lo cual en las ilustraciones tiene abundantes manifestaciones.

Ponemos punto y final a esta singular vanitas con la portada del disco que al que he aludido al principio de este post, la del grupo de hard rock DEF LEPPARD.
No cabe la menor duda de que hasta el rock conoce de lo que es la futilidad de todo tipo de "existencia".



ETERNIDAD - WILLIAM BLAKE

Quien a sí encadenare una alegría
malogrará la vida alada.
Pero quien la alegría besare en su aleteo
vive en el alba de la eternidad

Fuentes: 
Historia-arte.com
(CC Miguel Calvo Santos, 23-05-2017)
Wikipedia.



lunes, 12 de octubre de 2026

JEAN-BAPTISTE CAMILLE COROT.- El baño de Diana (La fuente)

 "Contemplé tanto la belleza
que mi vista le pertenece"

-C. Kavafis-

Camille Corot
Autorretrato


En qué consiste contemplar una obra de arte, un cuadro, sobre qué se posa nuestra vista, para un experto, sobre la calidad de la obra, desde técnica composición, texturas, pinceladas..., para un  visitante de "paso" en un museo un decir "qué bonito", para quien realmente ama el arte significa detenerse, aunque sea lo único que vayas a contemplar en esa visita, introducir tu mirada en la escena que se desarrolla ante tus ojos y preguntarte: ¿dónde está tu secreto?.

Es así como se descubre la belleza de una obra de arte, no sólo se ve desde fuera, se descifra como un enigma, y para ello es necesario conocer al autor, saber no ya sólo a que movimiento o escuela pertenece, -también un apunte sobre su vida personal (las vivencias marcan y tendemos a manifestarlas de alguna manera), amén de observar cuál es la temática que aborda y qué o a quienes representa. 

Hoy nos introducimos en un óleo sobre lienzo autoría de Jean-Baptiste Camille Corot, el paisajista más famoso de Francia, perteneciente a la Escuela de Barbizon, y precursor del tan conocido impresionismo. No obstante, he escogido uno de sus más bellos trabajos EL BAÑO DE DIANA, también conocido como LA FUENTE.

Pertenece a la colección Carmen Thyssen Bornemisza y podemos encontrarlo en el Museo Nacional Thyssen Bornemisza.


Corot nació en París en el seno de una familia acaudalada y recibió una buena y cuidada educación. Esta circunstancia favoreció que Corot pudiera dedicarse a lo que le gustaba y se decidió por la pintura al aire libre, conocida como "plein air". Lo que realmente amaba era el paisaje y en sus obras apenas pueden encontrarse personas, por lo que esta obra EL BAÑO DE DIANA, 1869-1870, es una curiosa excepción, máxime teniendo en cuenta que estamos ante un estudio realizado en el taller que posteriormente sirvió de base para la composición también titulada EL BAÑO DE DIANA,  fechada entre 1873 y 1874, ubicada en el Museo Pushkin, Moscú, y en la que la diosa de la caza se  sitúa en un paisaje acompañada de dos ninfas.

En el cuadro de Corot destaca la delicada luz que rodea y marca la figura del cuerpo femenino de la diosa, y no estamos ante un estudio anatómico, Corot no pretende darnos lecciones sino mostrarnos la carnalidad de una mujer, aún siendo diosa, a través de la singular textura de la piel de la modelo.

Ahora bien, ¿no os habéis preguntado alguna vez quiénes eran los o las modelos de las diferentes obras de arte que tanto admiramos?

Para EL BAÑO DE DIANA Corot contó con EMMA DOBIGNY, una joven nacida con el nombre de Marie Emma Tuilleux en Montmacq, en 1851 y cuyos padres tenían un pequeño cabaret en dicho pueblo, donde Corot solía ir a pintar. El pintor se fijó en la belleza de la joven y les insinuó a sus padres la posibilidad de que Emma se trasladara a París para trabajar como modelo, algo que efectivamente hizo.

Por entonces trabajar como modelo para reconocidos artistas era algo muy lucrativo, pues en tanto una sencilla obrera ganaba 1,5 francos al día, una modelo podía sacar 5 francos por trabajar sólo cuatro horas. No todas triunfaron, pues muchas de ellas acabaron por dedicarse a la prostitución. Curiosamente, los artistas podían hacerse con las mejores modelos en un mercado que se organizaba todos los lunes por la mañana en la Place Pigalle.

Emma Dobigny posó también para otros pintores como Edgar Degas, Pierre Puvis de Chavannes y Jean-Jacques Henner.




Tal como ya he expresado mirar una obra de arte, en este caso un cuadro, consiste en saber no sólo de su autor, sino también de su modelo. Siempre hay sorpresas por descubrir.

Y como toda forma de expresión artística, existe una conexión entre lo que vemos, sentimos, LEEMOS...

CASIDA DE LA MUJER DESNUDA
Federico García Lorca

Verte desnuda es recordar la Tierra.
La Tierra lisa, limpia de caballos.
La Tierra si un junco, forma pura
cerrada al porvenir: confín de plata.

Verte desnuda es comprender el ansia
de la lluvia que busca débil talle
o la fiebre del mar de inmenso rostro
sin encontrar la luz de su mejilla.

La sangre sonará por las alcobas
y vendrá con espada fulgurante,
pero tú no sabrás dónde se ocultan
el corazón de sapo o la violeta.

Tu vientre es una lucha de raíces,
tus labios son un alba sin contorno,
bajo las rosas tibias de la cama
los muertos gimen esperando turno.


Fuentes:
Museo Thyssen Bornemisza
Guía de la colección.
Wikipedia.





viernes, 9 de octubre de 2026

VICENTE ALEIXANDRE.- "SOMBRA DEL PARAÍSO"

 "Un poema es un misterio cuya clave 
debe descifrarla el lector"
-Stéphane Mallarmé-



Arcángel de las Tinieblas

"Me miras con tus ojos azules,
nacido del abismo.
Me miras bajo tu crespa cabellera nocturna,
helado cielo fulgurante que adoro.
Bajo tu frente nívea
dos arcos duros amenazan mi vida.
No me fulmines, cede, oh, cede amante y canta.
Naciste de un abismo entreabierto
en el nocturno insomnio de mi pavor solitario.
Humo abisal cuajante te formó, te precisó hermosísimo-
Adelantaste tu planta, todavía brillante de la roca pelada,
y subterráneamente me convocaste al mundo,
al infierno celeste, oh arcángel de la tiniebla.
......

VICENTE ALEIXANDRE "descubrió" la poesía, su poesía a los diecinueve años, yo le descubrí a él con solo diecisiete años, y su lectura se convirtió en una avasalladora necesidad en una adolescente para la que la belleza tenía la urgencia de sentirse escrita.

Fascinación.
Éxtasis.
Barroquismo épico.

Una de las más singulares cualidades de todos los poetas que formaron parte de la GENERACION DEL 27 fue su extraordinaria capacidad para titular sus obras, dar con la denominación exacta para exponer al lector a un climax de apoteósica poética, radical y sublime.




Con SOMBRA DEL PARAÍSO Vicente Aleixandre alcanza el culmen de su poesía, coincidiendo con su madurez, proporcionándole una energía vital hasta entonces reprimida, dándose sastisfación a sí mismo, después de un silencio "cuasi impuesto".

......
Tu cuerpo resonaba remotamente allí, en el horizonte,
humoso mar espeso de deslumbrantes bordes,
labios de muerte bajo nocturnas aves
que graznaban deseo con pegajosas plumas.

Tu frente altiva rozaba estrellas
que afligidamente se apagaban sin vida,
y en la altura metálica, lisa, dura, tus ojos
eran las luminarias de un cielo condenado...
  
Vicente Aleixandre nos aproxima a la clave sobre la interpretación de estos poemas, en una conocida carta dirigida a Dámaso Alonso: "Estos poemas son visiones de aquel paraíso a que yo llamo juventud, pero que trasciende de una juventud personal para ser como la juventud el mundo. Y por eso yo siento que ese cántico mío no celebra lo que me rodea, sino el mundo para el que nací y en que no me hallo".

En la Edición, introducción y notas de Leopoldo de Luis, Editorial Castalia (Madrid, 1976) a la obra SOMBRA DEL PARAÍSO, amplía la acción motivadora de Aleixandre con una llamada de atención sobre los dos planos temporales de toda poesía de recuerdos: el que se recuerda -que suele idealizarse- y aquel tiempo histórico en el cual escribe el poeta -que suele dramatizarse-. Para Leopoldo de Luis el tiempo histórico adquiere un carácter fundamental en la clave de la obra. No nos encontramos ante una poesía que pueda considerarse o llamarse alegre, es más calificativos como maldad, artificiosidad, pesar o mentira son admisibles.
No cabe la menor duda que Vicente Aleixandre sufrió muchísimo por la muerte de Federico García Lorca; desaparecido Federico, con gran parte de sus amigos exiliados, Vicente vive o sobrevive su exilio interior en su casa de Velintonia, número 3, en ese Madrid oscuro, sombrío de la posguerra. 
A todo ello contribuyó una debilitada salud desde su infancia y una tuberculosis renal, que le afectó gravemente, impidiéndole una vida activa normal. A sus relaciones sentimentales con algunas mujeres en su primeros años, siguió una madurez homosexual, si bien Aleixandre nunca reconoció dicha orientación en público. Fue su decisión y  su derecho de mantenerla en la intimidad.

Es precisamente este exilio interior el que viene a darnos luz sobre la interpretación de SOMBRA DEL PARAÍSO, en el que aborda la pérdida de su vida anterior,  la compañía de sus amigos, muchos de ellos camaradas de la Generación del 27.  Relevante resulta la diferencia entre sendas estructuras de la obra, una de ellas que abunda en ese "paraíso" vital, y otra en la que la "sombra" hace acto de presencia.

....
Respirabas sin vientos, pero en mi pecho daba
aletazos sombríos un latido conjunto.
Oh, no, no me toquéis, brisas frías,
labios larguísimos, membranosos avances
de un amor, de una sombra, de una muerte besada.

A la mañana siguiente algo amanecía
apenas entrevisto tras el monte azul, leve,
quizá ilusión, aurora, ¡oh matinal deseo!,
quizá destino cándido bajo la luz del día
.....

No hace falta reseñar en SOMBRA DEL PARAÍSO su barroquismo, una forma explícita de exacerbar el "adorno", apostando por los epítetos y las abundantes estructuras sintácticas, haciendo de su lectura interminable.
¿Qué puede haber de comunidad poética entre Aleixandre y Blake? La intención de que todo quede en una realidad vaga, imprecisa, inaprensible para el lector, aproximándole a una visión mística del verso.
Esa visión  que el mismo Aleixandre nos proporciona sobre su homosexualidad, cercando su concepto del amor, el instinto homoerótico que permanece en la "sombra".

SOMBRA DEL PARAÍSO es, ante todo, un libro que nos acerca el misterio de aquello que somos, o mejor, intuimos, entre cuyos poemas los versos tienen el poder de conducirnos por el mundo temporal que Aleixandre pretende, al que inicialmente podemos resistirnos, oponer resistencia que se asienta sobre la realidad, pero a la que renunciamos porque resulta tan "sublime" dejarse llevar por la lucidez de lo que resulta como poco "metafísico".

.....
Pero la noche al cabo cayó pesadamente.
Oh labios turbios, oh carbunclo encendido,
oh torso que te erguiste, tachonado de fuego,
duro cuerpo de lumbre tenebrosa, pujante,
que incrustaste tu testa en los cielos helados.

Por eso yo te miro, Porque la noche reina.
Desnudo ángel de luz muerta, dueño mío.
Por eso miro tu frente, donde dos arcos impasibles
gobiernan mi vida sobre un mundo apagado".

Amar la poesía de VICENTE ALEIXANDRE es introducirse voluntariamente en un mundo de visionarias alegorías, de sombras, luces y desengaños, de dolor y miedo, de dulce tristeza que inunda los corazones solitarios, los cuerpos que devienen mudos por el recuerdo...
Por eso y por mucho más, porque me hizo sentir la EMOCIÓN adolescente de la belleza de la palabra VICENTE ALEIXANDRE es y será mi amor eterno, señor de la belleza y de la palabra que se viste de dolor y de gloria.



Fuentes:
Aleixandre, Vicente: Sombra del paraíso. Edición, introducción y notas de Leopoldo de Luis. Editorial Castalia, Madrid, 1976.
Manuel Vilas, "Letra Internacional, nº 104, otoño, 2009.
SOMBRA DEL PARAÍSO. Vicente Aleixandre.

lunes, 5 de octubre de 2026

LUCIEN FREUD.- LA ESENCIA DE LA CARNALIDAD -TWO MEN-

"La carencia de pasiones hace al hombre estúpido"
-Helvecio-




Bienvenidos todos a una nueva etapa que vengo a compartir con todos vosotros en este blog que tanta satisfacción me ha dado a lo largo de casi trece años de actividad y con un total de 2.177.400 visitas.
Fue en noviembre de 2023 cuando dejé aparcado este proyecto, en parte por cierto cansancio acumulado, y también por necesidades personales que no me permitían dedicarle el tiempo deseado; más creo que ha llegado el momento de encauzarlo de nuevo, acercándome a temáticas tan recurrentes y admiradas como son la pintura, la escultura, el grabado, la literatura, el ARTE en mayúsculas en todas sus expresiones.
Para esta nueva oportunidad que me doy de hacer nuevos descubrimientos, junto con todos los que deseéis leerme, he elegido una obra pictórica de LUCIEN FREUD, que obedece al título de TWO MEN.

El descubrimiento para mí de la excelencia del trabajo de LUCIEN FREUD vino de la mano de una exposición temporal en el Museo Nacional Thyssen Bornemisza, en Madrid, en junio de 2023, en una de mis deliciosas escapadas a la capital de España, para empaparme de arte y cultura, en vivo y en directo.
Fue precisamente en esta exposición donde descubrí la excelencia de LUCIEN FREUD, su capacidad de acercarnos a la carnalidad más cruda y real, y  entre todos sus trabajos quedé marcada por esta obra TWO MEN.

Hagamos un pequeño recorrido por la esencia de LUCIEN FREUD, aquello que viene a configurar la personalidad de un artista de excepción, y para ello nos remitimos a la ESCUELA DE LONDRES, una corriente figurativa de la que LUCIEN FREUD es uno de sus máximos representantes.
En muchas de sus obras, fundamentalmente retratos, hay un elemento del todo sorpresivo que no es otro que la transgresión que provocan en el espectador, los personajes de sus obras son claramente quienes son, resulta en ocasiones difícil descubrir su belleza, apostando por fuertes trazos verticales y horizontales que se nos muestran unidos con las diagonales que aumentan la tensión visual. En su objetivo plasmar la singularidad de cada modelo.
En gran medida la formación de LUCIEN FREUD en lo que fue el clima intelectual existencialista de la Europa de entreguerras le sirvió para hacer de su pintura una forma de reflexión sobre la enajenación del individúo contemporáneo.
Es mayormente temática de sus trabajos la figura humana a la que dota de una intensidad psicológica muy acusada. Freud no trata de que sus retratos sean eso, copias de sus personajes, sino que busca la esencia de su personalidad.



La obra que obedece al título de "TWO MEN" fue realizada por LUCIEN FREUD entre 1987 y 1988, tratándose de un óleo sobre lienzo, que se encuadra en el movimiento expresionista dentro de la llamada pintura de género.
Sus dimensiones son de 75 x 106,7 cm, y podemos admirarla en la Galería Nacional de Arte Moderno de Escocia, en Edimburgo (Reino Unido).
Sin lugar a dudas merece una observación detenida de nuestra mirada sobre las dos figuras masculinas que vemos tumbadas sobre una cama, observación que nos arrastra hacia una escena verdaderamente conmovedora.
Uno de los hombres está tumbado boca abajo, su postura es tranquila y relajada, y está desnudo, el otro hombre está vestido y situado a su lado, eso sí, boca arriba.
Hay un hecho relevante, las manos del hombre vestido, una de ellas sobre su pecho, la otra sobre la pierna del hombre desnudo. La intimidad de la escena nos hace replantearnos hasta qué punto la fragilidad de ambos cuerpos  dormidos domina el escenario, a lo que contribuye la magnífica definición de la piel de ambos, con unas pinceladas, en cierta medida abruptas, no exentas de esa  especial capacidad de LUCIEN FREUD de transmitir la emoción más humana. Es un triunfo del equilibrio de la composición así como de la belleza de algo tan normal y excepcional, a la vez, como es el cuerpo humano y sus sentimientos más íntimos.

De mi visita a esta exposición temporal me llevé una lámina impresa de esta para maravillosa obra, que me supuso todo un descubrimiento, pues LUCIEN FREUD sólo es LUCIEN FREUD cuando le vemos en vivo, en tanto los contrastes de sus trazos hacen de la carnalidad de sus personajes protagonista de toda la escena.





Fuentes:
Lucien Freud. Sebastian Smee. TASCHEN.
ARTHIVE -Since 1998-
Museo Nacional Thyssen Bornemisza.

domingo, 4 de octubre de 2026

POEMAS QUE NO LO SON

 

CULPA

Y yo al otro lado de la cama
sorteando lágrimas
soportando infiernos.
Y tú que a lo lejos te vislumbras
presencia inalterable
de cada silencio oscuro.
Nada nos vale para sanear conciencias
creer en lo que soñamos un día,
abominar de lo que fuimos,
sabernos invencibles.
Todo torna a su ser (no ser)
cuando  retomas las riendas de tu vida
liberando de toda culpa a la humanidad.
Más siempre el indolente
guarda su definitivo recurso
salvando su perpetuidad:
la culpa ajena.

Rosa Freyre

"Una persona que se siente culpable,
se convierte en su propio verdugo"
(Séneca)

lunes, 14 de septiembre de 2026

POEMAS QUE NO LO SON

 

IRA Y FUEGO

Cierro los ojos
el mundo en la palma de mi mano,
apretados mis dedos
todo bajo control.
Mientras,
la soledad capturada,
el miedo vencido,
la memoria olvidada,
el silencio enjaulado.
En lo oscuro la confusión
hace fiesta en mis plazas.
Mi calma
el corazón que espera
y llega,
todo llega.
Unos ojos de ira y fuego,
inundaron mi memoria,
tu voz es solo recuerdo
que agoniza cada día
en el despertar
de unos labios ausentes.

Rosa Freyre


La muerte en Venecia
-Luchino Visconti-



viernes, 11 de septiembre de 2026

POEMAS QUE NO LO SON

 

CORAZONES SOLITARIOS

Forjamos nuestro romance 
entre el azar y la necesidad,
saturados de obviedades 
con la voluntad firme 
en medio de las llamas,
absurda aventura
la que se facilita siempre incompleta.
Retornaron las voces que
susurraban como iguales 
y cada palabra resbalaba 
sobre nuestros cuerpos.
El desamor retomó
los oscuros del silencio,
nuestro tiempo quedó atrapado
en el epicentro de un universo
cuya ecuación solo contemplaba 
mil y una soluciones
decepcionantes. 
El mutismo llevó a refugio
las heridas de dos corazones
solitarios,
todo retomó su paz inicial,
en la distancia la simplicidad
de la vida sin contratiempos.

ROSA FREYRE


La pesadilla
-Johann Heinrich Füssli-




domingo, 6 de septiembre de 2026

POEMAS QUE NO LO SON

 

DEVASTACIÓN

El vicio del desamor
subyace como esencia
de todo amor verdadero.
La soledad habita
en cada pequeña grieta
que se crece por momentos.
A la hora señalada,
sin que nadie lo advierta,
la oscuridad cubrirá
nuestras vidas,
nuestros ojos tornarán ciegos
pese al vano intento
de acercarnos el uno al otro.

Nada sobrevivirá
a esta aleatoria devastación
de los sentimientos,
agotados los silencios,
renaceremos bajo el orden
de un nuevo inferno.

Rosa Freyre


Melancolía
-E. Munch-

sábado, 5 de septiembre de 2026

POEMAS QUE NO LO SON...

 

Algo así como la nada


Pensar en hacer algo  
desde la nada,
allanando la senda de la indolencia,
no nos salvará de lo que presentimos.
Se nos hizo tarde
para la disculpa, el enojo
o la revancha.
La justicia que se define como tal
es una mera cuestión de perspectiva atípica,
en la singular vida
cuyo espacio gobierna la sinrazón
del más cauto de los locos.
Solventamos la alienación
rodeándonos de circo
-carpa rota y payasos mudos--
Un elefante hace equilibrios sobre el alambre
que sostiene nuestros sueños.

Rosa Freyre




jueves, 3 de septiembre de 2026

POEMAS QUE NO LO SON

 

VIAJES

La historia interminable
no pertenece a nadie,
en su oscuridad la paz del buen pecador
sobrecoge su arrepentimiento
en la abundancia de esa espera
de una vida ociosa.
Todo aquello que inició su caída
sigue su trayectoria
llegando al suelo,
continúa un destino sin final.
Los fantasmas, de quienes nunca
nos libramos,
convierten nuestros miedos
en aliados de una suerte impredecible.
Desbordados por una sensación de
ingravidez placentera,
el más brusco de los movimientos 
asemeja el viaje de una pluma,
y el sonido de la luz
convierte en cálidas las miradas
de quiénes aún juegan con su inocencia.

Rosa Freyre



lunes, 31 de agosto de 2026

POEMAS QUE NO LO SON

 
CICATRICES

Dulces son las cicatrices
de las infancias olvidadas
envueltas por afectos perversos
alimentadas de dominio.
La rutina se instala
salvando los pozos de la incertidumbre
que la inocencia rescata.
El corazón helado
bajo el cálido abrazo
de unas manos ásperas,
camuflaje para silencios densos y hostiles,
niebla para la memoria.
Como cáscaras de la nada
sobre mares abiertos 
transitan.

ROSA FREYRE



domingo, 30 de agosto de 2026

POEMAS QUE NO LO SON

 

VIDA ASINTOMÁTICA

El éxito de una vida asintomática
es el culmen de la existencia 
que roza los límites de las emociones,
retrocediendo de inmediato.
Nada duele más que el conocimiento
de todo cuanto podemos abarcar.
Cuando ni el placer ni el dolor
se dibujan en el horizonte,
y la mar calma se aleja de nuestros pies.
La pertenencia es cosa de almas débiles
abocadadas a su propia aniquilación,
el deseo de salir airosos de este viaje
no necesita ni equipaje ni destino.

Tal vez sea sólo miedo a la insignificancia,
nihilista que inspira y expira
hasta un final que conoce y teme a la vez.

ROSA FREYRE.