MURANO.- EL CRISTAL COMO HISTORIA.

El cristal es el protagonista de este espacio de hoy, si bien en el caso que nos ocupa es un "cristal" más que especial, siendo el CRISTAL DE MURANO uno de los más hermosos que existen, y cuya historia es la que pasamos a conocer, teniendo en cuenta que destaca por su belleza exclusiva, utilizándose para la confección de las más variadas piezas.

En Murano, pequeña isla de la laguna Véneta, situada en el noroeste de Italia -en la conocida región del Véneto-, la geografía es un delicioso conjunto de casas, de estilo renacentista, en la que destaca un singular faro blanco. Y es en este pequeño enclave en el que se fabrica desde hace siglos el más hermoso cristal del mundo, realizado totalmente a mano, y mostrando lo que puede conseguirse "sencillamente" a base de soplar vidrio.

Una indicación del todo necesaria: el vidrio es el resultado de la fusión de diferentes elementos, tales como la caliza, el sílice o el carbonato; el vidrio es un material de carácter inorgánico y que se realiza artificialmente, en tanto el cristal tiene forma homogénea y su su estructura interna está muy ordenada.

La producción de objetos a base de cristal es un arte cultivado, a lo largo de los siglos, por maestros vidrieros y que ha sido transmitido de generación en generación. Es más, esta tradición tuvo su origen en el antiguo Egipto y fue llevada a las casas romanas nobles con la finalidad de servir de adornos para las mismas; no obstante, fue la influencia árabe y asiática la que convirtió esta tradición en ARTE, con mayúsculas.

El hecho cierto es que la fabricación de vidrio es una actividad extremadamente peligrosa y que requiere especial cuidado, de ahí que en el siglo XIII, la Serenísima República di Venecia ordenara que todos los hornos se llevaran a Murano -a su vez integrada por siete pequeñas islas que se conectan por el Gran Canal-. Es más las restricciones llegaron a tal extremo que se prohibió a los artesanos salir de Murano, a fin de que no pudieran dar a conocer su actividad y sus diseños.

Durante muchos años Murano llegó a ser el mayor productor de cristal de Europa, y sobre todo gracias a sus deliciosas arañas de luces.

Pese a la prohibición para con los artesanos de salir de la isla, muchos de ellos consiguieron escapar y  se establecieron en diferentes países extranjeros, como el Reino Unido, la República Checa y Alemania; precisamente, una de las mayores crisis que sufrió la industria local fue el hecho de que Bohemia, a partir del siglo XV, empezó a a producir vidrio artístico.

Uno de los acontecimientos que vinieron a dar reconocimiento mundial al cristal de Murano tuvo lugar en el año 1959, cuando Paolo Vernini invitó a la isla a un artista americano Thomas Stearns Stearns, quien sin conocer ni el idioma, pasó tres años consecutivos en un pequeño taller realizando un reducido número de obras junto al maestro del taller, llamado "Checo" Ongaro. Pese a su imposibilidad de comunicación verbal y determinados roces personales, ambos consiguieron crear una serie de piezas que han pasado a la historia por su belleza y delicadeza. Tanto es así que ello le valió a Stearns la medalla de oro por sus diseños en la Bienal de Venecia, en 1962; no obstante, cuando el jurado descubrió que detrás de estas magníficas obras no estaba un artista "italiano" le retiró el premio.

Pese a este desaire, Stearns continuó trabajando y fomentando la popularidad del cristal de Murano, pues abrió las puertas de la isla y de sus fábricas artesanales a cientos de artistas y diseñadores de éxito, lo que convirtió a Murano, entre 1920 y 1970, en un centro artístico excepcional.

Grandes genios del arte, como el arquitecto Carlo Scarpa, el escultor Napoleone Martinuzzi o el diseñador Fulvio Bianconi consiguieron hacer del cristal de Murano un firma, un sello internacional, sin olvidar a Ercole Barovier, Vittorio Zecchin, e incluso la nieta de Venini, Laura Santillana dieron ese toque mágico a los diseños.

Fue a partir de la segunda mitad del siglo XX que los grandes artistas de Murano apostaron por dar a sus trabajos una visión del todo original y colorista: como pueden ser las llamadas "murrinas" de colores brillantes, o la técnica del "pezzato", consistente en la fusión de cuadrados de vidrio también de preciosos colores con la forma de un recipiente; la llamada "mezza filigrana" -técnica por la que se consiguen suspender hilos superfinos de vidrio de color dentro de un recipiente de cristal-, lo que daba la impresión visual de un encaje.

Pese a este éxito, resultado del trabajo y la investigación en diferentes técnicas, el mercado del vidrio conoció de una fuerte caída, a finales de los años 80 del siglo XX, como consecuencia de las falsificaciones; no obstante, el cristal de Murano volvió a situarse en lo más elevado de la calidad artística gracias a una retrospectiva de Carlos Scarpa que se llevó a cabo en el Metropolitan de Nueva York y en Le Stanze del Vetro de Venecia.

Actualmente, las obras nacidas de Murano tienen un precio de cotización de entre 500 a 200.000 euros, y ello con independencia de la belleza tan particular de cada una de ellas, y la tradición que siempre ha gozado la firma.

Fuentes:
Wikipedia.
https://www.ecured.cu
https://okdiario.com
Tendencias del Mercado del Arte.

WILLIAM MORRIS.- LA ROTUNDIDAD DE LA BELLEZA.

Buen día.

Siempre han existido personas con cualidades extraordinarias, individuos que, gracias a su aportación a la que es nuestra sociedad, consiguen hacer de ésta un mundo más bello y hermoso.

En puridad se les denomina genios. 

William Morris

Pues bien, un genio es el protagonista de nuestro artículo de hoy, un talento que fue diseñador, artesano, empresario, poeta, novelista, ensayista, traductor, bordador, tejedor, tintorero, ilustrador, calígrafo, tipógrafo, conferenciante, editor, impresor, defensor de la conservación de los edificios históricos, ecologista, agitador social y activista socialista, y según palabras de Edward Coley Burne-Jones: "todo lo que hace, lo hace de forma espléndida".

La Bella Isolda

La conocida como "Red House"

Bueno, ya es hora de que nos detengamos en la personalidad de WILLIAM MORRIS, nacido en Walthamstow, Inglaterra, el 24 de marzo de 1834, y fallecido el 3 de octubre de 1896, siendo uno de los fundadores del movimiento conocido como Arts and Crafts.

Entre sus máximas que han pasado a la historia podemos citar algunas como éstas:

"No quiero arte para unos pocos, educación para unos pocos, ni libertad para unos pocos".

"El genuino secreto de la felicidad reside en tener un interés profundo por todos los detalles de la vida cotidiana".

"Si no puedes aprender a amar el arte real, al menos aprenderás a odiar el arte ficticio".

Como se puede fácilmente suponer de lo antes expuesto WILLIAM MORRIS fue un hombre excepcional, inteligente, dotado de una energía especial y una increíble capacidad de aprender los más variados oficios.

Nacido en el seno de una familia acomodada, inició sus estudios en el Marlborough College y los completó en el Exeter College de la Universidad de Oxford, en la que estudió, además de arquitectura, arte y religión.

Fue por esa época cuando conoció al que fuera su maestro John Ruskin, quién le animó a leer las obras de Karl Marx, por lo que era partidario de lo que se venía a llamar el "disfrute en el trabajo", lo que para ambos era sinónimo de arte, y cuyo ideario defendió intentando defender la belleza y la estética ilustrada, la cual favoreció la autonomía de las bellas artes.

William Morris estuvo muy vinculado al movimiento prerrafaelita, que rechazaba la producción industrial en las artes decorativas, así como en la arquitectura, y animaba al retorno a la artesanía medieval, y al concepto de "artesano".

Jane Morris (su esposa) 

Una vez finalizados sus estudios, empezó a trabajar en la firma de arquitectos de G.E. Street. Con Webb contruyó la conocida como Red House, regalo de boda para su novia, Jane Burden, una joven de clase obrera, de pelo color rojizo y piel pálida, a la que tanto Morris como su grupo de amigos consideraba la máxima expresión de la belleza, siendo modelo en numerosas obras que hoy podemos contemplar.

Mas las inquietudes de William Morris le hicieron entrar en el mundo de la pintura, y junto a artistas de la categoría de Dante Gabriel Rossetti, Burne-Jones, Madox Brown y Philipp Webb, fundó en 1861 Morris, Marshall, Faulkner & Co., una empresa dedicada a la arquitectura, así como al diseño industrial, que Morris financiaba personalmente. 

Diseño para tela de algodón

Diseño papel pintado "Rose"

Gracias a esta firma William Morris consiguió hacer crecer en la Inglaterra victoriana una corriente con un sentido totalmente renacentista, anteponiendo los valores del ser humano a la máquina.

Ello dio lugar a que muchas personas se interesaran por este movimiento, y en 1875, la compañía pasó a denominarse Morris and Co., siendo William Morris su único propietario, abundando en el interés por las artes y oficios medievales y huyendo de lo que se conoce como producción en masa.

William Morris participó activamente en la vida política, incorporándose a la Federación socialdemócrata, y posteriormente, la Liga Socialista.

Diseño interiorismo

En 1891, Kelmscott Press gracias a la que llevó a cabo la reimpresión de clásicos, siendo su obra más conocida la edición de los Cuentos de Canterbury, de Chaucer, ilustrada por Burne-Jones.

Amante del arte de la época medieval, la estética de los libros que editaba nos devuelven a la manufactura artesanal; no obstante, el problema radicaba en el alto coste de las diferentes ediciones que no podían llegar a toda la sociedad.

Dentro de lo que es su aportación a la literatura hay que destacar una novela utópica News from Nowhere, la cual tuvo una gran repercusión tanto nacional como internacional.

Cuando falleció, en 1896, el médico que le atendía diagnosticó que su muerte fue causada por "simplemente ser William Morris, y haber trabajado más que diez hombres juntos".

Y es que el GENIO nunca descansa.....

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Fuentes: Wikipedia.

Tendencias del Mercado del Arte.

EL LISSITZKY.- EN LA VANGUARDIA RUSA: EL CONSTRUCTIVISMO.

Buen día.

Tenemos hoy cita con un artista multidisciplinar, pilar fundamental de las vanguardias rusas de principios del siglo XX, y reconocido pintor, arquitecto, diseñador gráfico, fotógrafo, maestro y tipógrafo.

Gracias a su extensa y excelsa obra el nombre de EL LISSITZKY es una de las figuras más representativas de la vanguardia rusa y del llamado CONSTRUCTIVISMO.

Nació con el nombre de Lazar Markovich Lissitzky, en Pochinok, Rusia, el dia 23 de noviembre de 1890, en el seno de una familia burguesa hebrea.

Llegó al arte abstracto influenciado por las ideas suprematistas de Malévich, si bien las abandonó prontamente, toda vez que las encontraba demasiado místicas.

Su infancia transcurre en Vitebsk inmerso en la ideología y la vivencia de la religión judía.

Lazar era un joven dotado con un carácter innato para el arte, lo que le llevó a realizar el examen de ingreso en la Academia de Bellas Artes de San Petersburgo, y a pesar de haber aprobado, fue rechazado en su petición, pues solo se permitía un número limitado de judíos en las escuelas y universidades rusas. Es entonces cuando su familia se decide por enviarle a estudiar ingeniería y arquitectura en Darmstadt, en Alemania, si bien al estallar la Primera Guerra Mundial regresa a su país, en 1915 donde terminó sus estudios.

Ya por entonces empieza a relacionarse con grupo innovadores en materia artística, como el conocido Sota de Diamantes y comenzó a dedicarse a la ilustración de temas judíos, como Khad Gadya.

En 1919 entró a trabajar como profesor de arquitectura y artes aplicadas en la Escuela de Arte de Vitebsk, a instancia de Marc Chagal, de la que era director, y fue entonces cuando coincidió con Malévich, cuya obra le sirvió de inspiración y evolución del que sería su arte dirigido hacia la abstracción.

El Lissitzky mantuvo siempre un especial interés por fusionar la pintura y la arquitectura, algo que le llevó a realizar sus primeros Prouns, obras que le llevaron a ser conocido dentro del mundo del arte.

Nos encontramos ante composiciones de marcado carácter geométrico, en la que abundan los efectos espaciales y arquitectónicos, si bien podemos observar que en las mismas El L. se desprendió de todas las leyes tradicionales que delimitaban la perspectiva, amén de que rompía el carácter bidimensional común en las obras.

En 1921 se trasladó a Moscú, donde empezó trabajando en los Talleres Superiores Artístico-Técnicos (Vjutemas), justo coincidiendo con la aparición del constructivismo.

El artista se consideraba como constructor de un nuevo orden y como una forma de influir en la sociedad. El arte tenía que ser considerado propaganda hacia el exterior y el espectador debía a su vez interactuar con la obra.

Es por ello que El Lissitzky recibió por parte del gobierno soviético todo su apoyo y a su forma de entender el arte, considerándole un representante cultural, trasladándose a Alemania, donde se dedicó a la escritura y al dibujo para revistas y periódicos internacionales, dando a conocer al mundo la expresión artística de las vanguardias rusas y llevando a cabo numerosas exposiciones en diferentes galerías de arte.

Y con independencia de su trabajo como diseñador gráfico, desarrolló su carrera dentro de la tipografía y el fotomontaje, coincidiendo con destacadas figuras de la Bauhaus, Moholy-Nagy, y De Stijl, que le hicieron aún más conocido a nivel mundial.

Fue la suya una constante lucha por integrar el arte en la vida doméstica, siendo además una figura destacada en el diseño de espacios expositivos.

Aunque su salud empezó a resentirse, pues fue diagnosticado de fibrosis pulmonar, que sería la causa de su muerte, siguió trabajando, sobre todo, en diseños de tipografias y en anuncios publicitarios para la firma Pelikan.

EL LISSITZKY fue un artista integral, un hombre que supo gestar y mostrar, en su momento histórico, la transformación conceptual del arte, sirviéndose para ello de un lenguaje y unas bases que fueron las no definió al siglo XX.

BUEN DÍA A TODOS

PURA KASTIGÁ

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Fuentes: Wikipedia.

Museo Thyssen-Bornemisza

www.elcultier.es