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viernes, 30 de octubre de 2020
jueves, 29 de octubre de 2020
GREGOR ERHART.- LA ESCULTURA DE GÓTICO ALEMÁN AL RENACIMIENTO.
La escultura toma protagonismo hoy en nuestro artículo, con la personalidad y la obra del artista alemán GREGOR ERHART, nacido en la ciudad de Ulm, en 1570 y fallecido en 1640, en Augsburg.
En una época que se considera transición entre la ciertamente oscura Edad Media, con sus consiguientes connotaciones religiosas y sociales, y el Renacimiento, símbolo de luz y apertura a la razón, la figura de GREGOR ERHART resulta sumamente curiosa y, evidentemente, su trabajo.
Su familia era prolífica en escultores de lo que ha venido en considerarse gótico tardío; su padre, Michel Erhart tuvo un relevante taller de escultura en la ciudad de Ulm. Es así como Gregor aprendió desde pequeño el oficio y el arte de la escultura, en su propio taller familiar, dando especial muestra de un talento innato. Sus encargos, mayormente de carácter religioso, son de una gran belleza, siendo patente en sus obras rasgos de lo que definiría el renacimiento.
Dos características principales de sus obras y que le posicionan en este nuevo movimiento artístico, es la adopción de lo que se considera como contrapposto (término italiano que designa la oposición armónica de las diferentes partes del cuerpo de la figura humana, lo que proporciona la sensación de cierto movimiento y la ruptura con la ley de la frontalidad); otro de sus rasgos más significativos es el empleo -no usual en su época- del desnudo, y más aún de un desnudo del todo armónico, en el que destaca una singular sensualidad (con dichos rasgos el arte medieval queda del todo relegado).
Es así como Gregor Erhart no solo viene a demostrar un dominio pleno de la técnica escultórica, sino también el deseo de descubrir nuevos territorios dentro de su trabajo.
No obstante, las primeras obras de Gregor Erhart tienen mucho en común con las de su padre, el hecho de que Gregor Erhart obtuviera la ciudadanía de la próspera ciudad mercantil de Augsburg, en 1494, fue del todo decisivo, ya que ésta fue una de las primeras ciudades en conocer la influencia del movimiento renacentista, destacando sus trabajos no ya solo por la singular libertad y plasticidad, sino también por la policromía de la escultura en madera en tamaño real.
Entre sus obras más significativas, dos de ellas merecen una especial reseña; la primera, la conocida con el nombre de Vánitas, datada hacia 1500, con una altura de 46 cm. y que se encuentra en el Museo de Historia del Arte de Viena (Austria).
Se trata de una composición de dos mujeres y un hombre, unidos por la espalda, y cuyos pies aparecen soldados a la base. El titulo de esta singular obra, Vánitas, hace especial alusión al libro del Antiguo Testamento, el Eclesiastés: Vanitas vanitatum omnia vanita (Vanidad de vanidades, todo es vanidad); en definitiva lo que viene a considerarse una alegoría del destino de la humanidad.
Es de reseñar el hecho de que en la pintura este mensaje venía representado por un cráneo, si bien en la escultura, es la realidad en la decrepitud del cuerpo de la vieja la que simboliza la muerte. La escultura en conjunto nos transmite cierta angustia, no es una alabanza de esperanza, sino la definitiva pérdida del disfrute de lo que proporciona la terrenalidad. Es por ello que la juventud que derrocha la joven pareja está aún más resaltada por el contraste que manifiesta frente a la anciana: en definitiva, es el destino de todo ser humano.
La segunda de las obras objeto de un pequeño estudio en este espacio es la conocida como Santa María Magdalena, datada en 1510 y realizada en Madera de tilo pintada, con una altura de 325 cm. Podemos disfrutar de su visión en el Museo del Louvre, París (Francia).
En esta representación de la figura de María Magdalena, del todo excepcional, si bien su inspiración puede considerarse medieval, sí que muestra lo que puede considerarse la transición entre el arte Gótico y el Renacimiento. Gregor Erhart nos ofrece la imagen de una María Magdalena representada a modo de ermitaña desnuda, no obstante lo cual la sensualidad que respira está en oposición con la actitud de oración que muestran sus manos.
Esta estatua, en sus inicios, no era tal y como la vemos actualmente, sino que reposaba sobre un grupo de ángeles y suspendida en una iglesia, supuestamente en la capilla de María Magdalena del monasterio dominico en Augsburg. Como bien podemos observar la belleza de la obra viene resaltada por la proporcionalidad y la armonía en la realización, lo que nos lleva a sentar las bases de los inicios del Renacimiento.
Esta bellísima representación fue puesta en venta en Alemania en el siglo XIX, procedente de la colección de Sigfried Lammle en Múnich, para posteriormente ser adquirida por el Museo del Louvre.
Sin lugar a dudas, con su Santa María Magdalena, Gregor Erhart vino a crear la que sería una auténtica obra maestra del arte medieval.
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Fuentes:
Wikipedia. https://historia-arte.com. 1000 obras de Arte erótico.
martes, 27 de octubre de 2020
FUENTEOVEJUNA.- LA LUCHA CONTRA EL TIRANO.
Lope de Vega
No cabe la menor duda que a todos los que nos gusta la literatura y la historia, saber de la relación entre una y otra, de cómo circunstancias, acontecimientos sucedidos años o siglos atrás tomaron forma en obras literarias. Este es el caso de FUENTEOVEJUNA, la excepcional narración del que fuera poeta y dramaturgo madrileño LOPE DE VEGA, nacido en Madrid en 1562 y fallecido en 1635, cuya vida estuvo plagada no sólo de éxitos literarios, sino también de todo tipo de lances amorosos, lo que le llevó amén de a procesamientos, también al destierro.
Contrajo matrimonio en dos ocasiones, si bien el hecho de hacerse sacerdote no le limitó en la que era una de sus pasiones más terrenales, a tenor de su descendencia.
Mas Lope de Vega no solo fue activo en producción literaria y amores, sino también en su forma de entender la vida, formando parte de diferentes expediciones militares.
Por lo que respecta a su obra literaria destaca su producción poética y teatral, siendo en este último aspecto en el que Lope de Vega desarrolla todo un género renovador.
Sus obras teatrales se remiten, por lo que respecta a la temática, a dos ejes: el amor y el honor, en la que los personajes son tanto nobles como criados, por lo que sedujo a diferentes tipos de público, desde gentes del campo a ilustres personalidades. Es importante destacar sus comedias de capa y espada, siendo las más conocidas aquellas en las que nos muestra de qué forma la nobleza abusaba de la gente del pueblo, y por supuesto, de las mujeres, destacando la que hoy es motivo de este artículo: FUENTEOVEJUNA.
Su historia nos acerca a lo ocurrido en un pueblo cordobés, Fuente Obejuna, allá por el siglo XV, en la que el comendador Fernán Gómez de Guzmán llevaba a cabo todo tipo de abusos y tropelías, hasta que el pueblo se volvió contra él y le mató de forma brutal.
De esta forma el rey reconoce el derecho del pueblo a actuar como lo hizo haciendo frente común contra la tiranía de un noble.
Lope de Vega tomó como inspiración esta historia ocurrida concretamente el día 22 de abril de 1476, partiendo de acertadas crónica de la época, y describiendo el personaje del comendador a modo de cruel y arrogante tirano, que no ya solo robaba bienes, sino que abusaba de mujeres. Es por ello que el móvil sexual es esencial en la actitud del pueblo de Fuente Obejuna para terminar con tamaña tiranía.
La muerte y asesinato del comendador fue del todo violenta, a base de golpes, llegando incluso a despedazarle, con la rabia que provoca una situación de terror vivida a lo largo del tiempo, y en la que los protagonistas son tanto hombres como mujeres del lugar.
Fuente Obejuna
Si bien el móvil sexual aparece en primer plano de la venganza, el hecho cierto es que fueron diferentes los motivos que hicieron que el pueblo se alzara contra la tiranía, entre ellos, el sometimiento de la población a la conocida como Orden de Calatrava, lo cual condujo a más cargas tributarias, quedando fuera del control del alfoz de Córdoba. Son numerosas las crónicas históricas que nos hablan del protagonismo de las autoridades de Córdoba en su afán de retomar el dominio de la población de Fuente Obejuna y sus consiguientes beneficios.
En definitiva, la rebelión del pueblo de Fuente Obejuna tuvo unas connotaciones mucho más complejas y diferentes a las que nos relató Lope de Vega en su obra dramática, que vio como el movimiento romántico del siglo XIX la convertía en un "icono" de la lucha del pueblo contra el tirano.
Federico García Lorca y su compañía La Barraca
Es así como Federico García Lorca, durante la II República española llevó a cabo un montaje con la que fue su compañía teatral La Barraca, que alcanzó una gran notoriedad.
Más si nos remitimos a la historia real, el auténtico desenlace de esta revuelta no es tal y como nos lo relata Lope de Vega en su obra dramática, sino que frente el deseo de la villa de Fuente Obejuna de convertirse en villa autónoma, Córdoba retomó su antiguo dominio sobre la misma. Es más en 1480, la reina Isabel ordenó nuevamente que Fuente Obejuna fuera devuelta a la Orden de Calatrava.
Sin perjuicio de la triste realidad que es la historia, la literatura nos ofrece una visión de aquello que el ser humano siempre ha soñado y pretendido, la victoria de la dignidad de los pueblos y los individuos sobre los tiranos, de toda naturaleza, pues en cuestión de tiranía, no existe un patrón ideológico exclusivo, sino que es la ambición por el poder y el dominio sobre el pueblo, el que convierte a un gobernante, un Estado, en un tirano, amparándose incluso en aquello que viene a llamarse el "bien colectivo".
Historia. National Geographic
Directorio Hispano de las Artes
lunes, 26 de octubre de 2020
SIDNEY NOLAN.- LA PINTURA AUSTRALIANA -TRADICIÓN Y MODERNIDAD-
SIDNEY NOLAN
Buen día, estimados lectores, después de una temporada de descanso en cuanto a la publicación de nuevos artículos, hoy nos estrenamos con un pintor extraordinario, SIDNEY NOLAN, considerado por muchos como el mejor y mas popular pintor australiano del siglo XX.
Sidney Robert Nolan nació en Melbourne, Australia, el 22 de abril de 1917 y falleció en Londres, Inglaterra, el 28 de noviembre de 1992.
Su obra está caracterizada por su singular versatilidad, tomando como fuente de inspiración la historia y las tradiciones de su país natal y ello con independencia de que pasó gran parte de su vida en Gran Bretaña.
La influencia de Europa está presente en su obra, siendo más que significativa la derivada de su visita a Toledo para conocer los frescos de El Greco que fueron fundamentales en su trayectoria artística. Ese salto a Europa por parte de Nolan fue impulsado por una exposición que organizó, en Melbourne, en 1939, el diario Herald, propietario del magnate Keith Murdoch.
Esta exposición llevó a Melbourne más de 200 obras, fundamentalmente de arte francés e inglés, con artistas de la categoría de Van Gogh, Cézzane, Matisse, Léger y Modigliani, así como españoles, Juan Gris, Pablo Picasso y Salvador Dalí. Una muestra artística que tuvo un éxito increíble y que llegó a ser vista por más de 50.000 personas.
"Self portrait"
Precisamente, la inspiración de Picasso es clara en su "Self portrait", datado en 1947, que podemos disfrutar en el Art Gallery of New South Wales.
Las distintas historias y leyendas que conoció durante su infancia y adolescencia en su Melbourne natal sobre el bandido Ned Kelly, un proscrito cuya oposición a la autoridad colonial le llevó a la muerte, siendo ajusticiado en la prisión de Melbourne, en 1880, a la edad de 25 años se vieron reflejadas en sus pinturas. Es así como le convirtió en todo un icono cuyo protagonismo toma forma en la obra de Nolan, en base a una serie de pinturas en las que el bandido aparece retratado con un casco de hierro negro en forma de cubo, con la única visión de sus ojos, y teniendo como escenario el paisaje desértico australiano.
Curiosa fue también otra de sus series, la que tuvo como protagonista a Eliza Fraser, en la que descubrimos la historia de una mujer inglesa que naufragó en las costas del este de Australia y fue rescatada por una comunidad de aborígenes, siendo esclavizada por éstos. Una vez liberada, volvió a Inglaterra, noticia más que popular en los diferentes periódicos de la época. De la misma forma que en la serie de Ned Kelly, destacan los paisajes y escenas de la vida de Eliza Fraser durante su etapa de esclavitud.
La obra de Sidney Nolan conoce desde sus inicios de la evolución del pintor que nos ofrece paisajes australianos a escenas románticas, e incluso llegó a trabajar sobre paisajes chinos, incluso grabados y dibujos.
Cabe destacar el hecho de que Sidney Nolan fue un más que importante escenógrafo de la Royal Opera House de Londres.
Acertamos si consideramos que la obra de Nolan nos ofrece una visión de la que es llamada pintura figurativa, con un estilo sencillo y expresivo, siendo muy bien acogida por el público.
Fuentes: Wikipedia.
https://www.elmundo.es
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