lunes, 31 de julio de 2017

Daft Punk - Instant Crush ft. Julian Casablancas




GUAUUU.....



BUENAS NOCHES

AMOMIPOESÍA.- AMOR CONDENADO.



AMOR CONDENADO

Hay amores condenados por palabras
que argumentan y justifican sin descanso,
no salvaron la cercanía del silencio
entre gestos y actitudes emocionadas
faltaron a la soledad exigida por momentos.

Arruinados por el goce ilusorio hasta el extremo
de vivir día y noche el desenfreno.
La risa y le felicidad se dibujaba
sobre rostros que pedían un espacio y un tiempo
en el que saberse libres para todo sentimiento.

El amor se agota a sí mismo
si no acierta a vislumbrar que el reposo
no es sólo para el extenuado guerrero,
para el amante fiel es refugio gozoso
en el que medita entregar  vida y corazón
en cada acto que implique defender
la posición del afecto duradero.

Las batallas del amor se vencen
en el fin de la guerra de dos cuerpos
abrazados por la tranquilidad del sueño.



Rosa Freyre.

Fotograma de "Cegados por el sol"

domingo, 30 de julio de 2017

Conchita - Buena suerte y buen viaje [Incendios]


SIEMPRE DELICIOSA.... CONCHITA


BUENA SUERTE Y BUEN VIAJE

LÉON THEREMIN.- PRECURSOR DE LA MÚSICA ELECTRÓNICA.

Léon Theremin

Buen día.


Nuestro artículo de hoy está en estrecha relación con el arte, pues evidentemente la música es arte y todo aquello que contribuya a que podamos escucharla y sentirla es objeto de estudio, y en ocasiones, de...curiosidad.





Es por ello que vamos a dedicar este espacio a conocer el primer instrumento de música electrónica, que obedece al nombre de THEREMIN, y que fue ideado por un inventor judío-ruso, Léon Theremin, al que debe su nombre, nacido el 15 de agosto de 1896 y fallecido el 3 de noviembre de 1993.


Léon Theremin inventó el citado instrumento musical en 1919, conocido inicialmente con el nombre de eterófono, algo que también llevó a cabo su creador, cuyo nombre auténtico era Lev Sergueievich, y la magia del mismo es que es el único que se toca sin tocar.
Cuando descubrió las posibilidades del instrumento se encontraba haciendo experimentos con una radio, y es así como halló las bases del funcionamiento del THEREMIN.

Theremin moderno

Su funcionamiento se debe a principios relacionados con la electricidad. Es por ello que si mayormente el sonido se produce cuando algo vibra y genera ondas en el aire que hacen que nuestro oído interno también vibre y envie esta información al cerebro, que lo traduce por sonido, en un theremin esa vibración la llega a producir una corriente eléctrica que genera el instrumento por medio de un complejo sistema de válvulas y bobinas. De esta forma, la corriente eléctrica crea un campo electromagnético en el que las manos del músico se convierten en conductores eléctricos, interfieren al acercarse a sus antenas, controlando las oscilaciones de la corrientes y creando, en consecuencia, ondas de sonido. La corriente que de esta forma se produce tiene una frecuencia que no capta el oído humano por lo que además es necesario que intervenga un principio llamado heterodino -la mezcla de dos corrientes para cambiar su frecuencia-, que consigue hacerla audible.
En lo que fue su diseño original, el theremin constaba de la caja y de una sola antena, ya que la que se añadió posteriormente fue la que sirvió para controlar el volumen.



El theremin está provisto, por tanto, de dos antenas, una de ellas posicionada verticalmente controla el tono: así al acercar o alejar la mano, éste se vuelve más o menos agudo. Con la otra mano en la antena horizontal, se controla el volumen: es así que al acercarse desciende y al alejarse aumenta.



Curiosamente, a raíz de su peculiar sonido fue usado en gran cantidad de películas de serie B, en Hollywood, durante los años cuarenta y cincuenta del pasado siglo, películas de terror o ciencia-ficción, ya que en su sonido había algo de sobrenatural, a la vez que podía darnos una idea del tormento mental que afectaba a protagonistas de películas en las que abundaban las pesadillas o los malos sueños.
Precisamente, el primero en usarlo en el cine fue Dimitri Shostakovich, en una escena de tormenta, de la película llamada Odna (1930).
También el compositor húngaro Miklos Rozsa lo usó para la banda sonora de la película Días sin Huella (The Long Weekend) y volvió a repetir en la película dirigida por Alfred Hitchcock Recuerda, en 1945. Fue la banda sonora de esta película la que dio a Rozsa su primer Oscar.
En películas más recientes y que muchos hemos tenido la ocasión de ver como Ultimatum a la Tierra, por parte de Bernard Herrmann.
El theremin se convirtió en un instrumento que fue usado de forma más que frecuente en películas fantásticas, incluso lo fue en la banda sonora de Los Diez Mandamientos, para las escenas de las plagas.
En la actualidad es el instrumento que podemos descubrir que "toca sin tocar" Sheldon Cooper, en la hilarante serie norteamericana "Big Bang Theory".

 Los Simpson

Sheldon Cooper


La vida de Léon Theremin nos lleva a conocer la historia de un joven que sentía una gran pasión por la música, más también por la electricidad, siendo especialista en tocar el violonchelo, y fue ésta la base que le sirvió para trabajar en la creación de un instrumento con el que se pudieran eliminar ciertas barreras físicas, en definitiva, "tocarlo sin tocar".
Fue hacia 1924 cuando presentó la patente del mismo, en su país natal Rusia, y el gobierno se interesó en él para que investigara sobre temas como el electromagnetismo y la energía renovable.


Léon Theremin alcanzó fama fuera de su país gracias a diferentes conciertos que le llevaron por Europa y Estados Unidos, con la filarmónica de Nueva York (es en esta época donde cambia su nombre original por el de Léon Theremin), y conoce a una joven que sería el gran amor de su vida, Clara Rockmore, para la que llegó a construir un theremin exclusivo para ella.




No obstante, Léon Theremin siguió investigando con otros instrumentos musicales, que no llegaron a tener tanto éxito, como el Rhythmicon, un encargo del compositor e ideólogo Henry Cowell.
De regreso a su país, en 1938, y a raíz de sus investigaciones en la radioelectrónica, llegó a crear un dispositivo de escucha que no necesitaba de fuente de energía alguna y que podía transmitir las ondas sonoras como un espejo refleja la luz: recibió el nombre de La Cosa (The Thing), y les sirvió a los soviéticos para llevar a cabo labores de espionaje.



Léon Theremin falleció en Moscú, en 1993, después de que durante años estuviera desaparecido y se le diera por muerto, pero "volvió a la vida", en forma de profesor de música en un conservatorio, descubierto en 1967 por el crítico musical del New York Times, Harold Schonberg. Más cuando hizo público este hecho, Theremin volvió a desaparecer, y fue hacia 1990, cuando volvió a la luz pública para reencontrarse con Clara Rockmore.



Tras su fallecimiento, el periodista ruso Yuri Linnik compuso un palíndromo en su honor: Termen nie umriot, que significa "THERMEN NO MORIRA".

Clara Rockmore.- Nocturne In C # Minor

Disfruten de este singular artículo.



Blog incorporado al
Directorio Hispano de las Artes

Fuentes: wikipedia.
www.elmundo.es
www.descubrirelarte.es



sábado, 29 de julio de 2017

AMOMIPOESÍA.- DERROTAS.



DERROTAS

Militamos en ejércitos que sólo saben
de causas imposibles,
agotados por el tiempo y la falta de
emoción.
Caminamos sin sentido por terrenos fangosos
que evidencian las huellas de los que antes
fracasaron en su intento de vencer
sus propios miedos.

No hay nada mejor que disfrutar
con la propia derrota,
la negativa del héroe anónimo
que no sabe de su papel.
Sin evidencias de futuras victorias
el cielo se mira tranquilo y no hay nada
que perturbe el silencio que huele a muerte.

En las trincheras todavía queda algo de esperanza
en cuerpos mutilados y corazones rotos,
las heridas no sanarán pese al tiempo conjugado en pasado.
Es así que todos volveremos a mirar esa foto arrugada
de quien tal vez significó un mero instante de felicidad
en nuestra corta historia.


Rosa Freyre.



James Blunt - Time Of Our Lives [Official Lyric Video]







BUENAS NOCHES

viernes, 28 de julio de 2017

John Lyons - Lonely Fool


LIVE MUSIC...





BUENAS NOCHES

KEIICHI TAHARA.- LA MORFOLOGÍA DE LA LUZ.


KEIICHI TAHARA

Buen día.

Dedicamos nuestro espacio de hoy a un fotógrafo japonés KEIICHI TAHARA, fallecido recientemente, concretamente el 6 del pasado mes de junio de 2017.


Tahara nació en Kyoto el 20 de agosto de 1951, aprendiendo la que sería su vocación de su abuelo, siendo apenas un adolescente, quién le enseñó diferentes técnicas fotográficas.




Fue durante un viaje a Francia, hacia 1972, y cuando trabajaba para el Red Buddha Theater, del que era técnico en iluminación, cuando descubrió una luz maravillosamente especial, deslumbrante, aguda que le llevó a permanecer en París durante los siguientes treinta años y donde desarrolló, fundamentalmente, su carrera como fotógrafo.




Esa luz que su cámara vino a captar, en fotografías en blanco y negro, forma parte de su serie "Ville", entre los años 1973 a 1976.
Su trabajo siguiente al que denominó "Fenêtre", en el que estuvo ocupado entre 1973 a 1980, le llevó a ser considerado como el mejor nuevo fotógrafo por el Festival Internacional de Fotografía de Arles, en 1977, y gracias a él consiguió una notable popularidad.



Sus siguientes trabajos figuran bajo los nombres de "Retrato", en 1978, "Éclat", entre 1979 y 1983 y "Polaroid", en 1984.




Es la suya una fotografía que nos lleva a la contemplación de esculturas, arquitecturas y así como diferentes métodos de expresión artística como las instalaciones. 
Su obra más emblemática es "Jardín de la Luz", en Eniwa, Hokkaido, en 1989, y para la que Tahara instaló esculturas de luz en un espacio público cubierto por un metro de nieve durante seis meses al años. La luz que se observa va cambiando en función del tiempo, a la vez que interviene también la música, y esta temática volvió a ser utilizada por Tahara en el año 2000, en "Echos du Lumières" que se instaló en el Canal Saint-Martin, en París, en el que nos vemos sorprendidos por los espectaculares colores que nacen de prismas de luz conjugado todo ello con los sonidos.

Jardín de Luz

Echos de Lumières

Jardin Niwa

Keiichi Tahara se convirtió en un especialista en instalaciones permanentes al aire libre, así "Niwa" (Jardin) en la Maison Européenne de la Photographie en París, en 2001 , la también instalación "Portail de Lumière", que formó parte de la Capital Europea de la Cultura de Lille 2004, y "Escultura de luz", en el Museo de Arte Metropolitano Teien de Tokio en 2004.




Convertido en fotógrafo de arquitectura KEIICHI TAHARA fue recorriendo toda Europa, abundando en la captación de lo que es la arquitectura art nouveau. Un ejemplo de ello lo tenemos en la fachada del Gran Hotel Europa de Praga, hasta la increíble realidad de una escalera circular o la belleza sutil y absoluta de una lámpara de araña. En Keiichi Tahara nos encontramos tanto la asombrosa y minuciosa visión del más mínimo detalle hasta la magnificas grandes construcciones arquitectónicas, dando una especial importancia y tratamiento a la exploración de los motivos florales, que adornan los espacios interiores.





Su fotografía nos evoca las increíbles y enigmáticas sombras que envuelven en misterio la forma de edificios y su espíritu marcado por el tiempo.




No cabe la menor duda de que con la muerte de KEIICHI TAHARA, siendo aún relativamente joven, la fotografía ha perdido a uno de sus más emblemáticos magos de la imagen, y todos los que admiramos su obra somos herederos de un legado que supone una referencia y un forma peculiar de expresión artística de quien ha sido uno de los más grandes fotógrafos de arquitecturas.



Disfruten con esta magnífica obra.

Blog incorporado al
Directorio Hispano de las Artes


Fuentes: Wikipedia.
www.cadadiaunfotografo.com
www.taschen.com

AMOMIPOESÍA.- LA LUZ DE LA MAÑANA



LA LUZ DE LA MAÑANA


Vencidos todos los intentos
el alma se repliega sobre sí misma,
no atiende a llamadas ni ruegos
sólo sabe de su abatimiento,
de la necesidad de gozar la soledad
y de la reconciliación con la esencia
de todo lo que configura su escenario
para continuar su viaje.

Pobres de aquellos que no vieron
lo que en su más profundo ser brotaba
en forma de rebeldía romántica
dotando a  corazones salvajes del valor
para batirse en todas las batallas.

Pese a tener roto el corazón
la voluntad se mantuvo férrea
y salvó del horror el sentimiento primario
que nos invita y nos aproxima a descubrir
nuevos mundos en los que sólo con una mirada
y dulces palabras, los brazos se abren,
nos acogen cuerpos cálidos,
bajo la luz de la mañana.


Rosa Freyre.




miércoles, 26 de julio de 2017

The Kooks - Be Who You Are




LIVE MUSIC...




BUENAS NOCHES

FERDINAND HODLER.- PRECURSOR DE LA PINTURA MODERNA.



Buen día.

Nos citamos hoy con un pintor suizo de nacimiento, pues vio la luz en Gurzelen, cerca de Berna, el 14 de marzo de 1853: su nombre FERDINAND HOLDER.

Autorretrato

Ferdinand Hodler está considerado como uno de los principales pintores del simbolismo, cuya pintura destaca por su increíble fuerza creadora, su gran afición por los decorados y una singular cercanía con grandes artistas como Rodin o Puvis de Chavannes.
Fue reconocido en su país natal, de la misma forma que tanto en Alemania y Austria le han considerado uno de los padres del arte moderno.




Con sólo 18 años, Ferdinand Hodler se traslada a Ginebra con la finalidad de iniciar su carreta de pintor, previamente había tenido una básica formación por parte de su padrastro que se dedicaba a la confección de carteles publicitarios, así como por Ferdinand Sommer, quien se ganaba la vida realizando paisajes destinados a la promoción turística.



Fue la suya una familia muy modesta, pues su padre había fallecido siendo el joven Ferdinand tan solo un niño, el mayor de seis hermanos, con catorce años y su madre volvió a contraer matrimonio.
De sus inicios en Ginebra, sin duda el principal centro artístico de Suiza, Holder se convierte en el alumno mas aventajado de Barthélemy Meen, a la sazón profesor de la escuela de dibujo de dicha ciudad, y gran amigo de Corot. Es así que durante cinco años, entre 1872 a 1877, Ferdinand Hodler asiste a las clases del que sería su mentor y quien le enseñó a desprenderse de lo que es la composición convencional de la pintura paisajística, y supeditarla a la observación del motivo; asimismo, también le pone en contacto con la printura francesa, y de ésta uno de sus máximos exponentes, Gustave Courbet.



Es así que durante un tiempo acude a numerosos concursos y exposiciones, y se sirve de diferentes géneros, amén de la pintura de paisajes, como la temática histórica, el retrato, e incluso, las escenas costumbristas. 
Si bien inicialmente su pintura se puede enmarcar dentro de cierto criterio realista, es a finales del siglo XIX cuando evoluciona y se adentra en movimientos como el simbolismo y el art nouveau.
Desarrolló un estilo personal que vino a llamar "Paralelismo", que se caracterizaba por la agrupación de figuras simétricamente colocadas en actitudes que sugerían rituales o danzas.



Como ya he indicado el arte de Hodler evoluciona hacia un realismo doblado en idealismo y simbolismo.
Hodler llega incluso a inventar un simbolismo del todo original, que se nutre de la búsqueda de una armonía entre hombre y naturaleza; en su pintura, la mujer es una heroína espiritual.
Descubrimos una total celebración de lo que es la energía vital, a lo que viene a sumarse la luz como fuente de verdad y de vida.
En su obra es del todo necesario destacar la expresión y el color que adopta el vestuario de sus personajes, a base de drapeados y una gestualidad que tiene como inspiración la danza moderna.



Su trabajo con el retrato y la pintura histórica igualmente siguen evolucionando, en el sentido, por lo que respecta al retrato, en que se convierte en una forma de experimentación sobre el color y la expresión, y los modelos destacan siempre sobre fondos neutros, sin decorados.



Ferdinand Hodler fue un retratista muy demandado a partir de 1990, y como muestra de su experiencia con el retrato destacar, sobre todo, la representación de la agonía y muerte de su amante Valentine Godé-Darel, cuya expresión resulta del todo impresionante por su total veracidad.


Valentina en su lecho de muerte

También Hodler trabajó a lo largo de su vida artística con el autorretrato, convirtiendo su biografía en una historia visual.

Autorretrato

Estrenado el siglo XX, Ferndinad Holder se convierte en un gran decorador, así como pintor de episodios históricos, recibiendo, en tal sentido, numerosos encargos.
Sus paisajes nos muestran a un Holder perdidamente enamorado de la esencia de la naturaleza, llegando a experimentar con el paisaje como si de una obra de taller se tratara, pues para Ferdinand Holder la plasmación del paisaje confluye en una auténtica dimensión filosófica, que nos revela las leyes de la naturaleza y del mundo. Son sus paisajes carentes de todo lo que puede considerarse accesorio o superficial, pues en ellos el artista encuentra un sentimiento de unidad, a la vez que de soledad.





Ferdinand Hodler fue un incansable pintor y dibujante, dejándonos amén de sus pinturas, un total de 9000 dibujos y cerca de 12000 bocetos en cuadernos.
Una vida consagrada a una gran vocación que hace merecedor a nuestro protagonista de hoy en uno de los artistas más destacados entre dos siglos XIX y XX.




Disfruten con la maravillosa obra de Hodler.



Blog incorporado al
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Fuentes: Wikipedia.
www.musee.orsay.fr./es.