lunes, 27 de febrero de 2017

HOKUSAI: EL MAESTRO DE LA ESTAMPA.

Hokusai

Buen día.

En Japón, país al que está unido por nacimiento nuestro protagonista de hoy, la historia de la estampa está íntimamente relacionada con la evolución de la nueva sociedad, pues ésta conoció un inusitado amor por el arte, que se manifestó en las sucesivas escuelas de pintura.




Quizá el más famoso de todos estos pintores y grabadores fuera Katsushika Hokusai, conocido sencillamente por HOKUSAI, nacido en Edo, actual Tokio el 31 de octubre de 1760 y fallecido el 10 de mayo de 1849, adscrito a la denominada Escuela Ukiyo-e del periodo Edo, del que también fue un gran renovador.
Su celebridad le equipara a Utamaro, siendo pocos los artistas japoneses que hayan tenido tal reconocimiento a nivel mundial. 
Hokusai era lo que se puede denominar un misántropo, una persona original, distinta, siendo, en consecuencia, su obra tan diferente como su propia personalidad.



Su padre era fabricante de espejos, y siendo un niño entró como alumno en el taller de Shunsho y tomó el nombre de Shunro; fue en este taller donde permaneció durante algunos años, dedicándose a la fabricación de estampas de teatro, más su carácter, independiente y hasta cierto punto impredecible, era del todo incompatible con la estancia en un taller, siendo expulsado del mismo.
Ello no le impidió seguir trabajando por su cuenta, para lo cual tomó el nombre de Sori, con cuya firma realizó algunos retratos delicados y de gran sutileza, más ése no era su camino, y pronto se cansó de ello, así que se decidió por escribir, novelas destinadas a un público femenino y a niños, y de cuyas ilustraciones también se ocupaba; es por entonces cuando adopta el nombre de Gwakiojin Hokusai, y se generaliza la producción de novelas populares.



Es en 1814 cuando abandona la escritura y se inicia con la conocida serie de croquis de la "Mangwa", que viene a ser una especie de enciclopedia de lo que es la vida cotidiana japonesa; de esta forma cuentos y leyendas conviven con escenas domésticas; en otras páginas, Hokusai se nos anuncia como el magnífico pintor de la naturaleza que fue.





La publicación de los quince volúmenes de que consta esta "Mangwa" fue terminada una vez se produjo su fallecimiento, si bien en 1923 publicó la serie de estampas más famosa y por la que es más reconocido: "Las 36 Vistas de Fuji". Esta montaña-dios, que es de reverencia obligada para el pueblo japonés, fue pintada por Hokusai bajo los más diferentes aspectos; es así como es de general conocimiento para los amantes del arte, "El Fuji en buen tiempo", reflejo de un ambiente tranquilo y puro, y "El Fuji bajo la tempestad", que resalta aspectos de crueldad y tormenta.




Fue en el año 1835 cuando publicó un libro bajo el título de "Las 100 vistas del Monte Fuji", en la que cada hoja es una oda a la venerada montaña.
En sus ilustraciones son temas recurrentes el agua, y los ríos, en los que ve reflejada su alma atormentada, las cascadas, y las olas gigantes.



La gran Ola


Otro motivo frecuente en su obra son los pulpos, los que son protagonistas de forma diabólica en algunas planchas de marcado carácter erótico, y en las que vemos como abrazan a las mujeres enamoradas hasta la muerte. En ocasiones, también recurre al dibujo de flores, pero no simples flores, sino las que sirven para que un pájaro se pose sobre ellas o las que forman parte de magníficas enredaderas. El paisaje se llena de armonía y abunda la utilización de una gama de sutiles colores que tuvieron un gran éxito.






En Hokusai nos encontramos con un auténtico maestro del dibujo que llega a alcanzar el virtuosismo, pues era suya la idea de conseguir que aquello que pintaba se pareciera lo más posible a la realidad.
Artista incansable, su trabajo no le daba para vivir, y era pobre, siempre cargado de deudas. Pero para Hokusai su mayor riqueza era su maravillosa habilidad, la capacidad de transfundir el alma en sus estampas y todo ello marcado por un sentimiento poético que a nadie deja indiferente.



Sin lugar a dudas, Hokusai es el referente de toda una revolución pictórica y poética en su Japón natal, que ha llegado hasta nuestros días.
Fue a mediados del siglo XIX cuando su grabados llegaron a París, siendo objeto de colección por otros grandes artistas, como Van Gogh, Monet, Degas y Toulouse-Lautrec, en cuya obra podemos admirar una notable influencia de los citados grabados.



Ustedes disfruten de estas estampas en total armonía con su respectivo yo interior.

BUEN DÍA A TODOS

PURA KASTIGÁ

Blog incorporado al
Directorio Hispano de las Artes

Fuentes: Wikipedia
Historia del Arte. Salvat.



Morat - Amor Con Hielo



MUSIC IS LIFE



BUENAS NOCHES A TODOS

PURA KASTIGÁ

sábado, 25 de febrero de 2017

The Chainsmokers & Coldplay - Something Just Like This (Live at the BRITs)


MUSIC IS LIFE





BUENAS NOCHES A TODOS

PURA KASTIGÁ

"GILBERT & GEORGE".- EL ARTISTA DUPLICADO.

Gilbert and George

Buen día.

Una cita excepcional la que hoy tenemos con sendos artistas, una pareja británica que ha desarrollado su labor dentro de lo que se considera como arte conceptual, la performance y el body art, siendo conocidos por sus "esculturas vivientes".
Ellos son GILBERT AND GEORGE, o "Gilbert  & George".





Gilbert Proesch nació el 17 de septiembre de 1943, en San Martin de Tor, en la región de los Dolomitas italianos y su amigo, amante y compañero de trabajo George Passmore, nació el 8 de enero de 1942 en Totnes, Gran Bretaña, siendo hijo de madre soltera.
Gilbert inició sus estudios en las academias de arte de Wolkensteint, Hallein y Munich, para después trasladarse a Londres, ciudad en la que en el año 1967 conoció a George en la St. Martin´s School of Art. 



Desde que el arte les hizo coincidir, son pareja, viven juntos en una deliciosa casa de estilo georgiano en la zona de Spitalfields, decorada a base de objetos del neogótico inglés y con todo tipo de exclusivas cerámicas y muebles artesanales.



Evidentemente, tras años de convivencia y de relación laboral, Gilbert and George han desarrollado lo que podría considerarse una simbiosis del todo perfecta, en la que dos personas están cronometradas, mimetizadas, hasta el punto de que jamás discuten entre ambos. Ello se traduce también en una peculiar forma de hablar, en tanto uno calla, el otro habla, Gilbert tiene una voz más aguda, y George más grave.



Después de 40 años de estrecha unión, que empezó a cobrar una general expectación a raíz de sus llamadas "esculturas vivientes", consiguieron una más que acertada crítica a sus performances, sus shows.




Para Gilbert and George la presencia física viene marcada por la indumentaria que cuidan al máximo, y siempre conjuntando los colores entre sí.
Su concepto del arte les llevó a despreciar, abiertamente, los aspectos artísticos tradicionales y empezaron por llevar a cabo las Esculturas vivas con cabezas (1969-1970).
De esta forma ambos se han convertido en esculturas vivas, en obras de arte, que son objeto de gran admiración por parte del público que les sigue como creadores.



Entrando en la década de los años 70 se decidieron por llevar a cabo "piezas fotográficas", que venían a representar una muestra de disposición en cuadrículas de una o varias fotografías, a la que añadían áreas de color. Evidentemente, se representaban a sí mismos, como podemos ver en Infernal (1980), que se encuentra en el Museo de Arte de Baltimore, en EE.UU., si bien en algunas ocasiones, también se sirvieron de diferentes modelos.


La realización de sus fotomontajes o collages tienen indudables referencias a la cultura urbana y sobre todo, un componente innato de carácter reivindicativo, abordando temas como el sexo, la raza, la muerte, la religión, la política, y haciendo crítica del poder establecido.



Muestra de este tipo de producción es importante destacar su serie más ambiciosa Jack Freak Pictures, con la preferencia por los colores rojo, blanco y azul, que destacan en la bandera británica. 




Su obra es figurativa y conceptual, influenciada por el movimiento pop y el surrealismo. En su producción nos encontramos con el desarrollo de ciertas ideas dadá; ambos aspiran a ser modernos, con una imagen que nos resulta del todo clásica. Poseen un magnífico sentido del humor y se dirigen al público en un lenguaje que anima a éste a saber de arte.


De esta forma han conseguido formarse una identidad multicultural, en la que la tolerancia y el entendimiento son elementos básicos, lo cual no les impide romper las más diferentes barreras y, en cierta medida, una de las cuestiones que han abordado en sus obras es la total ausencia de mujeres, pues, en su opinión, la mujer ha sido la presencia permanente, tratada como objeto de deseo, por lo que ambos se plantearon cambiar totalmente la orientación de sus obras.



Y curiosamente, y pese a lo que es de "peculiar" su obra artística, desde el punto de vista político ambos son conservadores, algo que está en total contradicción con lo que proclama la primera.




Gilbert and George han realizado exposiciones en numerosos museos y galerías de renombrado prestigio, tales como el Stedelijk van Abbemuseum de Eindhoven (1980), la Hayward Gallery de Londres (1987), la Tate Moderm (2007).
En el año 2005 fueron los representantes de su país en la Bienal de Venecia, si bien años antes, en 1986 fueron galardonados con el prestigioso Premio Turner.



Unos artistas, GILBERT & GEORGE del todo controvertidos, como lo es su obra, y como lo es su forma de vida, pero ellos están unidos por algo que perdura más allá de todo sentimiento afectivo, están enlazados por el ARTE.
Una unión que lleva más de cuarenta años de próspera felicidad y creatividad.

En ocasiones, existe el AMOR verdadero, quizás un tanto complejo.

Ustedes disfruten de la obra de estos dos genios, o de este genio "duplicado".



BUEN DÍA A TODOS

PURA KASTIGÁ

Blog incorporado al
Directorio Hispano de las Artes

Fuentes: www.elpais.com
Wikipedia.
www.buscabiografías.com