VICENTE ALEIXANDRE.- "SOMBRA DEL PARAÍSO"

 "Un poema es un misterio cuya clave 

debe descifrarla el lector"

-Stéphane Mallarmé-

Arcángel de las Tinieblas

"Me miras con tus ojos azules,

nacido del abismo.

Me miras bajo tu crespa cabellera nocturna,

helado cielo fulgurante que adoro.

Bajo tu frente nívea

dos arcos duros amenazan mi vida.

No me fulmines, cede, oh, cede amante y canta.

Naciste de un abismo entreabierto

en el nocturno insomnio de mi pavor solitario.

Humo abisal cuajante te formó, te precisó hermosísimo-

Adelantaste tu planta, todavía brillante de la roca pelada,

y subterráneamente me convocaste al mundo,

al infierno celeste, oh arcángel de la tiniebla.

......

VICENTE ALEIXANDRE "descubrió" la poesía, su poesía a los diecinueve años, yo le descubrí a él con solo diecisiete años, y su lectura se convirtió en una avasalladora necesidad en una adolescente para la que la belleza tenía la urgencia de sentirse escrita.

Fascinación.

Éxtasis.

Barroquismo épico.

Una de las más singulares cualidades de todos los poetas que formaron parte de la GENERACION DEL 27 fue su extraordinaria capacidad para titular sus obras, dar con la denominación exacta para exponer al lector a un climax de apoteósica poética, radical y sublime.

Con SOMBRA DEL PARAÍSO Vicente Aleixandre alcanza el culmen de su poesía, coincidiendo con su madurez, proporcionándole una energía vital hasta entonces reprimida, dándose sastisfación a sí mismo, después de un silencio "cuasi impuesto".

......

Tu cuerpo resonaba remotamente allí, en el horizonte,

humoso mar espeso de deslumbrantes bordes,

labios de muerte bajo nocturnas aves

que graznaban deseo con pegajosas plumas.

Tu frente altiva rozaba estrellas

que afligidamente se apagaban sin vida,

y en la altura metálica, lisa, dura, tus ojos

eran las luminarias de un cielo condenado...

  

Vicente Aleixandre nos aproxima a la clave sobre la interpretación de estos poemas, en una conocida carta dirigida a Dámaso Alonso: "Estos poemas son visiones de aquel paraíso a que yo llamo juventud, pero que trasciende de una juventud personal para ser como la juventud el mundo. Y por eso yo siento que ese cántico mío no celebra lo que me rodea, sino el mundo para el que nací y en que no me hallo".

En la Edición, introducción y notas de Leopoldo de Luis, Editorial Castalia (Madrid, 1976) a la obra SOMBRA DEL PARAÍSO, amplía la acción motivadora de Aleixandre con una llamada de atención sobre los dos planos temporales de toda poesía de recuerdos: el que se recuerda -que suele idealizarse- y aquel tiempo histórico en el cual escribe el poeta -que suele dramatizarse-. Para Leopoldo de Luis el tiempo histórico adquiere un carácter fundamental en la clave de la obra. No nos encontramos ante una poesía que pueda considerarse o llamarse alegre, es más calificativos como maldad, artificiosidad, pesar o mentira son admisibles.

No cabe la menor duda que Vicente Aleixandre sufrió muchísimo por la muerte de Federico García Lorca; desaparecido Federico, con gran parte de sus amigos exiliados, Vicente vive o sobrevive su exilio interior en su casa de Velintonia, número 3, en ese Madrid oscuro, sombrío de la posguerra. 

A todo ello contribuyó una debilitada salud desde su infancia y una tuberculosis renal, que le afectó gravemente, impidiéndole una vida activa normal. A sus relaciones sentimentales con algunas mujeres en su primeros años, siguió una madurez homosexual, si bien Aleixandre nunca reconoció dicha orientación en público. Fue su decisión y  su derecho de mantenerla en la intimidad.

Es precisamente este exilio interior el que viene a darnos luz sobre la interpretación de SOMBRA DEL PARAÍSO, en el que aborda la pérdida de su vida anterior,  la compañía de sus amigos, muchos de ellos camaradas de la Generación del 27.  Relevante resulta la diferencia entre sendas estructuras de la obra, una de ellas que abunda en ese "paraíso" vital, y otra en la que la "sombra" hace acto de presencia.

....

Respirabas sin vientos, pero en mi pecho daba

aletazos sombríos un latido conjunto.

Oh, no, no me toquéis, brisas frías,

labios larguísimos, membranosos avances

de un amor, de una sombra, de una muerte besada.

A la mañana siguiente algo amanecía

apenas entrevisto tras el monte azul, leve,

quizá ilusión, aurora, ¡oh matinal deseo!,

quizá destino cándido bajo la luz del día

.....

No hace falta reseñar en SOMBRA DEL PARAÍSO su barroquismo, una forma explícita de exacerbar el "adorno", apostando por los epítetos y las abundantes estructuras sintácticas, haciendo de su lectura interminable.

¿Qué puede haber de comunidad poética entre Aleixandre y Blake? La intención de que todo quede en una realidad vaga, imprecisa, inaprensible para el lector, aproximándole a una visión mística del verso.

Esa visión  que el mismo Aleixandre nos proporciona sobre su homosexualidad, cercando su concepto del amor, el instinto homoerótico que permanece en la "sombra".

SOMBRA DEL PARAÍSO es, ante todo, un libro que nos acerca el misterio de aquello que somos, o mejor, intuimos, entre cuyos poemas los versos tienen el poder de conducirnos por el mundo temporal que Aleixandre pretende, al que inicialmente podemos resistirnos, oponer resistencia que se asienta sobre la realidad, pero a la que renunciamos porque resulta tan "sublime" dejarse llevar por la lucidez de lo que resulta como poco "metafísico".

.....

Pero la noche al cabo cayó pesadamente.

Oh labios turbios, oh carbunclo encendido,

oh torso que te erguiste, tachonado de fuego,

duro cuerpo de lumbre tenebrosa, pujante,

que incrustaste tu testa en los cielos helados.

Por eso yo te miro, Porque la noche reina.

Desnudo ángel de luz muerta, dueño mío.

Por eso miro tu frente, donde dos arcos impasibles

gobiernan mi vida sobre un mundo apagado".

Amar la poesía de VICENTE ALEIXANDRE es introducirse voluntariamente en un mundo de visionarias alegorías, de sombras, luces y desengaños, de dolor y miedo, de dulce tristeza que inunda los corazones solitarios, los cuerpos que devienen mudos por el recuerdo...

Por eso y por mucho más, porque me hizo sentir la EMOCIÓN adolescente de la belleza de la palabra VICENTE ALEIXANDRE es y será mi amor eterno, señor de la belleza y de la palabra que se viste de dolor y de gloria.

Fuentes:

Aleixandre, Vicente: Sombra del paraíso. Edición, introducción y notas de Leopoldo de Luis. Editorial Castalia, Madrid, 1976.

Manuel Vilas, "Letra Internacional, nº 104, otoño, 2009.

SOMBRA DEL PARAÍSO. Vicente Aleixandre.

PAUL CELAN.- LA POESÍA DEL PASADO RECURRENTE.

 

La experiencia que nos dan los años y las vivencias que conocemos de los que nos rodean vienen a reforzar la idea de que los recuerdos de nuestra primera infancia vienen a conformar, en gran medida, no ya nuestro futuro, sino la forma en que nuestras decisiones influyen en cada acto, cada decisión; para ello no es necesario ser más o menos inteligente, más si que la sensibilidad alterada en la niñez quiere que el niño/adulto siempre tenga ojos para con sus cicatrices de tiempo atrás.

En el caso del poeta rumano, de origen judío PAUL ANCZEL, más conocido, como PAUL CELAN sus traumas derivados de su experiencia en los campos de exterminio nazi tomaron forma en sus poemas, cuya estética surrealista expresa el sentimiento absurdo de la vida moderna, así como considera del todo imposible la comunicación dando voz a una agonía en la expresión de los sentimientos.

El nombre completo de Paul Celan era Paul Pésaj Antschel o Ancel (Celan es anagrama de Ancel, nació en Chernivtsi, Rumania, en 1920 y falleció  en  París, Francia, el 20 de abril de 1970.

Su padre, Leo, era un judío sionista y ortodoxo, de ahí que procuró educar a su hijo en hebreo; su madre, Fritzi disfrutaba de la literatura alemana e hizo que en el hogar se hablara en esta lengua. Paul, tras su Benei Mitzvá en 1933 abandonó el sionismo, amén de su educación religiosa y pasó a militar en organizaciones socialistas, apoyando incluso la República durante la Guerra Civil en España.

Fue en Tours, Francia, donde comenzó sus estudios de medicina en 1938, si bien retornó a su ciudad natal para estudiar literatura y lenguas románicas. Cuando los nazis invadieron en 1941 su región, en tanto Paul estudiaba en la universidad, sus padres fueron deportados a campos de exterminio, muriendo su padre de tifus, y su madre, asesinada, en tanto que el mismo Paul fue recluido en un campo de trabajo en Moldavia. Cuando fue liberado en 1944 se trasladó a Bucarest y después pasó un breve tiempo en Viena. De esta etapa son sus primeros poemas que vieron la luz en la revista Agora.

En 1948 Paul Celan se trasladó a Francia, obteniendo la nacionalidad francesa y trabajando impartiendo clases de alemán en la Escuela Normal Superior de París. Unos años durante los que contrajo matrimonio con la pintora Gisèle Celan-Lestrange, de la que nacieron dos hijos.

Paul Celan está considerado como el poeta en lengua alemana más importante de la posguerra junto con Hans Magnus Enzensberger, estando vinculado al conocido como Grupo 47, un grupo informal de escritores alemanes y austríacos cuyo objetivo era el de dar una nueva vida a la literatura alemana de posguerra, para lo cual se inspiraron en la Generación del 98 española.

La obra poética de Celan se nutre de influencias que van desde la tradición hebrea hasta el simbolismo francés, los surrealistas y algunos clásicos de la lírica alemana. En el que fuera su primer libro de poemas, Adormidera y memoria, que se articula en cuatro partes, Celan nos conmueve por su expresión sobre el destino del pueblo judío. Es así que del mundo en el que habitan los sueños del poeta, su inconsciente y la realidad en la que habita se construye un conjunto de imágenes, símbolos que irá el mismo Celan irá mostrando a lo largo de su trayectoria, extrayendo las palabras del vacío que le sobrecoge.

Con independencia de su obra poética, Paul Celan fue un más que magnífico traductor del francés, ruso, inglés, portugués, italiano y hebreo, de autores como Arthur Rimbaud, Paul Valéry, Shakespeare, Dickinson, René Char y Emil Cioran.

Y es su obra poética, compuesta por un total de 800 poemas a lo largo de 1938 a 1970 la que nos conmueve, pese a ser en determinadas épocas difícil, más destaca fundamentalmente por el sentimiento existencial de lo absurdo que es la vida moderna y la carencia total de comunicación. Con el paso de tiempo sus versos se van encriptando, encerrándose en sí mismos.

No obstante y pese a la calidad y magnitud de su obra, no recibió inicialmente el trato editorial que merecía, es más, la editorial Gallimard se negó a publicarla, más ello no impidió que el reconocimiento de su excepcionalidad llegara con el tiempo, dada la calidad del diálogo intelectual de la obra de Celan.

Un hecho más que importante y que contribuyó igualmente al padecimiento emocional de Celan fue su relación con la poeta Ingeborg Bachmann, siendo recurrentes sus depresiones a partir de 1962, lo que le llevó a ser ingresado en diferentes clínicas privadas para tratar sus dolencias. 

Ello no impidió que ese estado que se volvió continuo de alteraciones emocionales e incluso agresivas derivara en un suicidio, cuando un día de abril de 1970 Paul Celan decidió lanzarse al Sena desde uno de sus puentes, a lo que también contribuyó las acusaciones de plagio por parte de la viuda del poeta Yvan Gooll.

Paul Celan miró el vacío dentro de sí mismo y decidió poner punto y final. 

"LAS ETERNIDADES CRUZARON...."

LAS ETERNIDADES cruzaron
por su cara y aún
más allá,
pausado apagó un incendio
todo lo llenó de cirios,
un verde, no de aquí,
empelusó la barbilla
de la piedra que los huérfanos
enterraban y volvían
a enterrar.

Paul Celan.

Fuentes:

Wikipedia.

https://www.biografiasyvidas.com

KANEKO MISUZU.- LA POESÍA JAPONESA.

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Muchas son las mujeres cuya historia nos llega al alma, labrando sus vidas en pos de objetivos de superación, y sobre todo, de destacar en un mundo en el que la situación de la mujer, en determinados aspectos, está dominada por la presencia masculina.

En determinados países, como Japón, el hecho de que una mujer haya conseguido ser reconocida como el "símbolo de la poesía japonesa" es un logro que debemos a KANEKO MISUZU.

,Esta poeta y compositora japonesa tiene su propio museo y es todo un referente en su país Japón. Su maravilloso poema "Eres un eco" se convirtió en un emblema para tantas miles de personas que resultaron afectadas por el terrible tsunami de 2011.

Su vida no fue fácil, qué vida lo es, más el caso de esta deliciosa escritora viene a demostrar que la voluntad y la decisión son imprescindibles para lograr tus objetivos.

Kaneko Misuzu nació el 11 de abril de 1903, como Teru Kaneko, en Senzaki-mura, en la actualidad parte de Nagato, Prefectura de Yamaguchi. 

El pueblo de Senzaki ha vivido siempre de la pesca, fundamentalmente de la de sardinas, y es por ello que la pesca, así como todo lo relacionado con el mar aparece reflejado en su poesía.

Su dedicación para con la escritura de poesía dirigida a niños nació cuando era una joven de 20 años, si bien trabajó como gerente y empleada de una librería en Shimonoseki, donde pudo leer en diferentes publicaciones para niños que se solicitaban escritores para sus pequeños lectores. 

Y fue de esta forma, como Kaneko Misuzu envió cinco poemas, uno de los cuales, con el nombre de "Los Peces" fue aceptado y publicado en 1923.

Ello sólo fue el principio de su dedicación para con la poesía, pues a lo largo de los siguientes cinco años llegó a publicar más de 51 poemas.

Es de resaltar el hecho de que muchos lectores actuales de poesía japonesa conocen, por lo que respecta a la cultura nipona, el manga y el haiku; es por ello que la importancia de KANEKO MISUZU es aún mayor al tratarse de una poeta desconocida más allá de sus fronteras.

Sus poemas nos hablan sobre la naturaleza, los objetos cotidianos, las personas, animales, la luz, las flores e incluso el vacío.

Más la vida de Kaneko Misuzu conoció y mucho de la tristeza y el sufrimiento a raíz de su matrimonio concertado, siguiendo la tradición de su país, con un esposo que le prohibió no sólo escribir, sino tener acceso a círculos, literarios, poetas y editores. La separó del mundo de lo que más amaba: la literatura, amén de provocarle una enfermedad de transmisión sexual.

Ello la llevó a pedir el divorcio y, si bien en principio su marido aceptó a que la niña nacida en el seno de su matrimonio quedara bajo la custodia de su madre, luego cambió de idea. A Kaneko le supuso la pérdida de toda esperanza y con ello, el suicidio, en 1930, con tan sólo 26 años, no sin antes escribir una última carta a su esposo, rogándole que su pequeña quedara al cuidado de su abuela materna.

Por vez primera, en castellano, una obra de KANEKO MISUZU ve la luz, gracias a la apuesta de Satori Ediciones: "El alma de las flores", con cuya lectura podemos disfrutar de todo el mundo que su autora contemplaba con sus propios ojos y daba forma a través de su palabra escrita. 

Pese a su corta y triste vida, esta poeta japonesa supo leer entre líneas la luz que todos poseemos, en nuestro interior, y que viene canalizar nuestra existencia.

Un tributo, a través de estas palabras, para con una mujer y una poeta imprescindible.

"El pajarillo, la campanilla y yo"

Aunque estire mis brazos

definitivamente no puedo volar,

pero a diferencia de mí, un pajarillo

no puede correr rápido sobre la tierra.

Aunque balancee mi cuerpo adelante y hacia atrás

no producirá sonidos bellos,

aunque a diferencia de mí, una campana

no conoce tantas canciones.

Una campanilla, un pajarito y también yo,

Todos somos diferentes, todos somos buenos.

Kaneko Misuzu

Blog incorporado al

Directorio Hispano de las Artes

Fuentes:

https://culturacolectiva.com

www.heroinas.net

https://www.20minutos.es

TORCUATO TASSO.- LA HISTORIA DE UN POETA INCOMPRENDIDO.

Torquato Tasso

Son innumerables las ocasiones en las que se ha mencionado el hecho de que el genio es incomprendido y de que su brillantez tan sólo es reconocida con el tiempo, y muchos los artistas que en las diferentes disciplinas han pasado a la historia no ya sólo por su trabajo, sino por la aureola de misterio que rodeó su vida.

Es así como hoy dedicaremos este pequeño espacio a la vida y la obra del poeta italiano TORCUATO TASSO.

La existencia de Tasso ha quedado inmortalizada más allá de lo que es su obra poética, entre la que destaca "Jerusalén liberada", un poema épico en octavas reales, estructuradas en veinte cantos y cuya temática aborda el asedio a Jerusalén durante la primera de las cruzadas, defendiendo la defensa de la fe cristiana y apoyando la unión de la Cristiandad frente al poder cada vez mayor de lo que era el Imperio otomano.

Nada más acertado que reconocer el dolor y la locura que sufrió este poeta, gracias a la aportación artística de tres grandes: dos escritores y un pintor.

Torcuato Tasso nació en Sorrento, cerca de Nápoles, el 11 de marzo de 1544 y falleció en Roma, el 25 de abril de 1595, siendo su familia de origen noble. Es más, su padre Bernardo Tasso, fue un notable poeta cortesano, al servicio del príncipe de Salerno. 

Fue en Nápoles donde pasó los primeros años de su vida, si bien la muerte prematura de su madre, le obligó a viajar por diversas ciudades italianas, completando sus estudios junto con el hijo del  duque de Urbino, en la ciudad de Pésaro.

De esta forma viajó a Bolonia, Padua, ampliando conocimientos y siempre al servicio de distintos nobles italianos, como fue el cardenal Luis de Este, hermano de Alfonso II,  duque de Ferrara.

Fue en la corte de este último, cuando Torcuato Tasso, a raíz de las críticas que recibió por su obra "Jerusalén liberada", empezó a conocer de la inestabilidad emocional, que bien pudo estar asociada a esquizofrenia, pues a estados de melancolía o postración repentinos, se unían actitudes de ira y de manía persecutoria.

Lo curioso es que fue el propio Torcuato Tasso quien, en 1575, se hizo examinar por el inquisidor de Bolonia, y en 1577 por el de Ferrara, descartando ambos cualquier tipo de enfermedad o trastorno mental. Ante esta situación Tasso huyó de la corte y se refugió en la casa de su hermana en Sorrento.

Tras un tiempo de aislamiento, volvió a la corte, más su desequilibrio mental era todo un hecho, por lo que  el propio duque Alfonso solicitó, en 1579, su ingreso en el Hospital de Santa Ana, donde fue visitado por el escritor Michel de Montaigne, quien hace alusión a Tasso en sus Ensayos.

Montaigne visiting Torquato Tasso

in Prison. François Marius Granet

Hasta el año 1856, Torcuato Tasso permaneció en el antedicho hospital hasta que Vincenzo Gonzaga se ocupó de su traslado a Mantua, un año más tarde y después de una recaída, marchó a Módena, y en 1588, fue huésped de los monjes de Monte Oliveto, en Nápoles.

Torcuato Tasso se retira al convento

de San Onofre en el Janículo

Gabriel Marueta y Aracil

Sus últimos días los vivió en Roma, en el monasterio de San Onefre, en el Janículo, falleciendo el 25 de abril de 1595, siendo sepultado en el monasterio citado.

Amén de su antedicha obra "Jerusalén liberada", destaca "Rinaldo", poema épico en doce cantos, compuesto cuando Tasso tenía sólo 18 años, en el que viene a narrar los amores de un joven llamado Rinaldo por la princesa Clarice; también su drama pastoril "Amintas", en cinco actos, y escrito en endecasílabos y heptasílabos alternados, que fue todo un éxito cuando se estrenó en la corte de Ferrara en 1573, y en el que se nos cuentan los amores del pastor Amintas por una ninfa -Silvia-.

Volviendo al tema inicial por el que he traído a este espacio a TORCUATO TASSO, su historia viene a recordarnos el arquetipo del artista despreciado, tomado por loco y encerrado en una celda, a raíz de su situación mental.

Más la historia de Torcuato Tasso la podemos descubrir a través de una maravillosa pintura, obra de EUGÈNE DELACROIX, titulada Tasso en el manicomio, datada en 1839, óleo sobre lienzo y perteneciente a una colección particular.

Tasso en el Manicomio

Eugéne Delacroix

En esta pintura Delacroix nos presenta a un hombre con mirada ausente, delgado, como podemos observar por su torso desnudo, y cuya iluminación procede de un lateral. Tasso aparece sentado sobre una especie de camastro desvencijado, siendo curioso el detalle de los papeles que aparecen por el suelo, quizás arrojados por el propio Tasso. Al fondo, a la izquierda, tras unos barrotes unos individuos le observan, pero Tasso permanece impasible ante la mirada escrutadora de aquellos.

Delacroix plasmó, de forma más que impresionante, la actitud ante la vida y la naturaleza del poeta, un hombre que pidió expresamente que le examinaran su estado mental y que padecía profundamente a  causa de ello.

No obstante, Delacroix supo de esta historia gracias a un poema de otro gran artista, poeta y escritor, LORD BYRON, quien en 1817, y tras una visita a la ciudad de Ferrara, conoció de la existencia de Tasso y se interesó por el tiempo que este pasó encerrado en el hospital de Santa Ana.

De este hecho nació su poema El lamento de Tasso, escrito en primera persona, en el que el propio Byron se sintió del todo identificado con el genio romántico trágico y desgarrador de Torcuato Tasso, abundando en su terrible existencia.

Más no toda la atracción por Torcuato Tasso acaba aquí sino que el propio CHARLES BAUDELAIRE dedicó dos versiones de un soneto a la pintura de Delacroix, sabiéndose identificado con el genio tachado de loco del poeta. 

Para Baudelaire, la celda en la que transcurrieron tantos días de este insigne poeta no fueron más que una alegoría de los muros que le impedían trascender su propia realidad. 

Torquato Tasso and the two Leonores

Carl Ferdinand Sohn

Y por último, la "fatalidad" tan admirada de Tasso alcanzó a rozar la atención de Goethe, quien le dedicó una obra de teatro, o del mismísimo Frank Liszt, con su composición Tasso, lamento y triunfo.

El hecho cierto es que la inmortalidad de TORCUATO TASSO no responde única y exclusivamente a la fatalidad de su infortunio, a su desgracia personal, sino que la debe a todos aquellos que participaron y sintieron hasta tal punto su miseria y a la vez su grandeza que la quisieron dar a conocer al mundo: Delacroix, Byron, Baudelaire, Goethe, Listz...; nunca un pobre poeta fue tan "elogiado".

Disfrutad de su lectura.

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Fuentes: Wikipedia.

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