domingo, 31 de mayo de 2015

ANTONIO FLORES "ALBA"

BUENAS NOCHES, ESTIMADOS AMIGOS, VEINTE AÑOS SE CUMPLEN HOY SIN ANTONIO FLORES, ESE PEDAZO DE ARTISTA QUE SE NOS FUE DE LA MANO DE SU MADRE, LA GRAN LOLA. HOY MI RECUERDO PARA SU PERSONA Y SU ARTE, EL DE TODA UNA GENERACIÓN...... POR SIEMPRE, ANTONIO FLORES.

sábado, 30 de mayo de 2015

Sia - California Dreamin' (Music Video from San Andreas OST)

BUENAS NOCHES, ESTIMADOS AMIGOS, MAGNIFICO VIDEOCLIP COMO TODOS A LOS QUE NOS TIENE ACOSTUMBRADOS SIA. DIFRUTADLO. BYE LOVERS.

LA SUBASTA DEL ARTE: GIACOMETTI-PICASSO.






Buen día, estimados amigos, me apetece y mucho tratar un tema que hasta el momento no he tenido el gusto de desarrollar en este nuestro blog, y es el relacionado con las subastas de obras de arte.
Y, precisamente, lo traigo a colación a raiz de la mas que magnífica y exclusiva subasta que ha tenido lugar en la Galería Christie´s de Nueva York, creo que exactamente, el 11 de mayo pasado, y en la que dos grandes del arte, GIACOMETTI y PABLO PICASSO fueron los indiscutibles protagonistas.





El hombre que señala
(Giacometti)


Dentro del mundo de las subasta de obras de arte, Giacometti es el único escultor que ha conseguido superar con sus trabajos los 100 millones de dólares en una subasta. Baste señalar que en los últimos cinco años, cuatro de sus bronces se han adjudicado por valor superior a los 50 millones de dólares. Precisamente, su obra "El hombre que camina" alcanzó el record de 103,9 millones de dólares y "Gran Cabeza delgada", de la Colección Brody, se situó en 53,2 millones de dólares.


"El hombre de camina"


Giacometti

"Gran cabeza delgada"

Ha sido precisamente la última subasta, en la que una de sus obras mas brillantes y singulares, el conocido "El hombre que señala", se sacó al mercado, inicialmente, por un valor de 120 millones de dolares, evidentemente, estaba claro que las perspectivas en cuanto a valoración irían mucho mas lejos. 
"El hombre que señala" es una estilizada figura, realizada en bronce, con una altura de 177,5 cm de altura, y forma parte del lote estelar de la subasta en cuestión denominado "Mirando al pasado".
Sendas copias de "El hombre que señala" las podemos encontrar en el MoMA de Nueva York y en la Tate Gallery de Londres. Giacometti llevó a cabo seis copias de esta obra, en el año 1947, sin incluir la prueba de artista. De las seis copias, cuatro están entre los fondos de grandes museos y dos, en colecciones particulares.
Mas la particularidad que se aprecia en la pieza que se sacó a subasta es que parece ser la única versión que Giacometti pintó a mano, con la finalidad de hacer mas patente su expresividad.
Ciertamente es curioso el hecho de que "El hombre que señala" fue creado por Giacometti en una sola noche, allá por octubre de 1947; dábase el caso que su primera exposición individual, en quince años, iba a tener lugar en la Galería Pierre Matisse, en Nueva York, y la premura le llevó a hacer la pieza entre la medianoche y las nueve de la mañana del día siguiente. Mas una vez hecha la destruyó y la volvió a rehacer inmediatamente, pues la fundición estaba prevista, así que, aún estando el yeso húmedo, la figura de "El hombre que señala" salió del taller de Giacometti.
La inaguración de la exposición, que tuvo lugar en enero de 1948, contaba con esta obra, situada en la zona central de una sala, junto con otras dos figuras de tamaño natural "Hombre que camina" y "Mujeres en pie".
Evidentemente, Giocometti triunfó con su última obra y supuso toda una nueva corriente innovadora en el mundo artístico posterior a la II Guerra Mundial.
Mas en la mente de Giacometti, en principio, existía la idea hacer dos figuras, de pie, para que estuvieran ambas juntas; pero, al ver el efecto de la exclusividad de "El hombre que señala", comprendió que sería del todo imposible hacer una segunda.




Es ésta su obra "El hombre que señala" una escultura mas que bien concebida y realizada, pues el bronce en cuestión nos ofrece diferentes muescas, especie de cicatrices. No obstante, en tanto en sus "Hombre que camina" y "Mujeres en pie", sus rostros nos resultan anónimos, en "El hombre que señala" podemos adivinar los rasgos de Giacometti. Su presencia es avasalladora.
"El hombre que señala" alcanzó, en subasta, el desorbitante precio de 141,28 millones de dólares, equivalentes a 126,3 millones de euros. Es así como el artista suizo queda consagrado como el escultor mas caro del mundo, batiendo el récord que él mismo mantenía con "El hombre que camina 1" (1961), que fue vendida en Londres por 104,3 millones de dólares, hace exactamente cinco años.




El otro artista protagonista de la hasta ahora mas extraordinaria subasta de Christie´s fue Pablo Ruiz Picasso, con su obra "Las mujeres de Argel" (versión 'O'). Esta obra y versión, es una de las pocas que quedaban en manos privadas y su inicial previsión llegaba a pensar en que alcanzaría los 130 millones de dólares.




Mas antes de proseguir con lo que fue la subasta en sí, conozcamos un poco de la historia de esta obra, y de la obsesión, sí, obsesión de Picasso por el genio Delacroix, y especialmente, por su obra, igualmente titulada "Las mujeres de Argel", que se encuentra ubicada en el Museo del Louvre, de Paris. 



 "Las mujeres de Argel"
Eugene Delacroix

"Las Mujeres de Argel"
(Pablo Ruiz Picasso)


Pues bien, entre diciembre de 1954 y febrero de 1955, Picasso realizó una serie de obras de la misma temática, designando a cada una de ellas con las letras de la A a la O, siendo precisamente, ésta última la versión mas valorada.
Amigos de Picasso, como es el caso de Roland Penrose, así como la que fuera su esposa, Françoise Gilot reconocieron abiertamente esta tan extraña y significativa obsesión. Françoise Gilot recuerda que Picasso solía llevarla al Louvre y delante de la obra de Delacroix, estudiaba la temática, el color, la forma, y terminaba calificando a la misma como de "realmente buena", rematando a su autor con la expresión "Ese cabrón". Fue precisamente en homenaje a Matisse, gran amigo de Picasso, que éste último se decidió por hacer la serie de "Las Mujeres de Argel".


Uno de los bocetos que realizó Picasso

Toda la serie completa fue comprada por un matrimonio Victor y Sally Ganz, directamente al marchante de Picasso, Daniel Kahnweiler. De esta forma quince óleos fueron adquiridos por el citado matrimonio el 6 de junio de 1956, por un total de 212.000 dólares.



Evidentemente, no pensaban conservar toda la serie, y diez ejemplares fueron vendidos a la galería de arte Saidenberg, si bien el matrimonio se reservó los señalados con las letras C, H, K, M y O.
La señalada con la letra C fue vendida, al fallecimiento de Victor Ganz en 1988, y las otras cuatros fueron subastadas en Christie´s en 1997, por un total de 206,5 millones de dólares, todo un record, si bien la versión 'O' de "Las mujeres de Argel", alcanzó 31 millones de dólares.
Precisamente, el lunes 11 de mayo un nuevo récord, en la que ha sido calificada como "la subasta del siglo" ha conseguido que la versión 'O' de "Las mujeres de Argel haya alcanzado la cifra record de 179,3 millones de dólares, en euros 160,8 millones. Es así que la creación, obra del pintor malagueño se ha convertido en la pintura que ha alcanzado el precio mas alto en una supasta 
pública.
Hasta ese momento, el récord estaba en posesión del británico Francis Bacon con su tríptico "Three studies of Lucian Freud", que en 2013 alcanzó la también increible cifra de 142,4 millones de dólares.





No obstante, la "rivalidad" en subasta de la obra de Picasso y Giacometti ya tenía sus antecedentes, pues en el mes de mayo de 2010, Chritie´s vendió "Desnudo, hojas verdes y busto" (1932) del malagueño por 106,4 millones de dólares, siendo a la dicha fecha el cuadro mas caro subastado. Y con ello "ganaba"  a Giacometti, quien con su obra "El hombre que camina" (1961) ostentaba dicho record.

Para todos los amantes y aficionados al arte, que devienen adictos, éste, en puridad, se ha convertido en la mejor inversión que, al día de hoy, puede realizarse, por su mas que continua revaloración. Y ello, teniendo en cuenta que esa revalorización nos hace comprender que la capacidad creadora del ser humano, manifestada a través de las diferentes disciplinas artísticas, vive y se desarrolla en un presente que está mas vivo que nunca.....





No nos quepa la menor duda....la Naturaleza crea,.....el hombre crea....



BUEN DÍA A TODOS


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Fuentes:
Cultural El Pais.
Tendencias del Mercado de Arte.

jueves, 28 de mayo de 2015

LOS ERUDITOS.- GABRIEL RITTER VON MAX

Gabriel von Max

Buen día, estimados amigos, hoy vamos a pasar unos buenos momentos con el tema elegido para mi "post". El nombre, en sí, habla -se supone- de personas entendidas y de acertado conocimiento, lo que sí que llama la atención es que su autor, el pintor austriaco Gabriel Cornelio Ritter von Max, escogiera para simbolizar el tema de la "erudición" a dos MONOS. Si tal y como estáis leyendo dos monos.



Los Eruditos

El tema resulta de lo mas alegórico, teniendo en cuenta los tiempos que nos están tocando vivir, en el que son muchos "Los Eruditos", que con la forma en nos han hecho llegar y vivir su erudición, han convertido, o al menos lo han intentado, consiguiéndolo, en gran medida, volver al género humano rematadamente "idiota".


"Monos como Jueces de Arte"


Pues bien, esta obra que estáis viendo fue objeto de subasta en Viena, el pasado 23 de abril, y llegó a alcanzar los 143.000 euros, récord -hasta el momento- para Gabriel Ritter Von Max, uno de los considerados artistas mas carismáticos e influyentes de finales del siglo XIX, conocido fundamentalmente en Munich, Viena y Praga.
El cuadro titulado, irónicamente, "Los Eruditos" nos presenta a una pareja de monos ambos del todo absortos en una discusión científica. Uno de ellos, el que vemos a la izquierda, nos ofrece una expresión del todo suficiente, mas el otro parece, en cierta forma, dudar.
El tema de la erudición es algo normal y usual en la pintura, salvo en el caso que nos ocupa, pues los protagonistas son dos simios.
Su autor, del que ahora haremos una pequeña semblanza, era un gran entendido en antropología, fundamentalmente, la de los primates, e incluso, llegó a criar monos en su finca, situada junto al lago Starnberg.

Admirando un cuadro

En actitud lectora

GABRIEL CORNELIO von MAX nació el 23 de agosto de 1840 y falleció el 24 de noviembre de 1915, en Praga. 
Su padre fue escultor Josef Maz, y su madre, fue Anna Shumann.
Estudió, entre los años 1855 y 1858, en la Academia de Artes de Praga con Eduard von Engerth. Y entre esos estudios incluyó otros como la parapsicología, introduciéndose en el sonambulismo, hipnotismo y espiritismo, así como una serie de ideas y tradiciones místicas. 
Su primera gran obra la llevó a cabo siendo aún estudiante en la Academia de Arte de Praga, en el año 1858. Siguió su formación en la Academia de Arte de Viena, junto con Karl von Blaas, Karl Mayer, Cristiana Ruben y Carl Wurzinger. Continuó la misma en la Academia de Munich, esta vez con artistas como Karl Theodor von Piloty y Hans Makart, amén de Franz Defregger. 
Uno de sus primeros éxitos lo fue con la pintura "Martir en la cruz", en la que podemos observar la transformación de la pintura -paleta oscura- de Piloty, y se sirve de una representación psicológica de su temática.

Mártir en la Cruz

La mujer de blanco

Su pintura fue evolucionando entrada la década de 1870, utilizando para ello colores mas claros. Entre los años 1879 y 1883, fue profesor de pintura histórica de la Academia de Munich y también fue miembro de la Sociedad Teosófica.
Su muerte aconteció en Munich, en 1915.

El Anatomista

Luz

Su interés por la antropología le llevó a plasmar numerosas escenas de animales, mas lo significativo de ello no eran sus protagonistas, sino el papel que representaban en las pinturas en cuestión. Además era dueño de una gran colección científica de hallazgos etnológicos y antropológicos, que, al día de hoy, se encuentran en el Reiss-Engelhorn-Museen en Mannheim.
En su residencia habitual, en el lago de Starnberg, Gabriel Max convivió con una familia de monos, a los que gustaba pintar.
Una de sus obras mas significativas es "La novia del León".

La novia del león

Per Aspera

Gabriel von Max fue un artista que llegó a desarrollar en su obra un lenguaje pictórico-alegórico-místico, propio del arte secesionista.
Su obra, en la que destaca su estilo etéreo, la vemos perfectamente representada en "The Last Token" (en el Museo Metropolitano) y "Light" (en el Museo de Odessa de Arte Occidental y Oriental, de Ucrania).

El éxtasis de la joven Katharina Emmerich

Como bien habréis podido llegar a la conclusión, después de la lectura de este post, el motivo del mismo ha sido el haceros conocedores de tan peculiar obra, LOS ERUDITOS, dos simios, pero que sin duda, todos y cada uno de vosotros seguro que podréis ponerle los rostros que, buenamente, os parezcan oportunos, por "eruditos" , evidentemente, y por su mas que puntos en común con los protagonistas de tan genial obra.
Candidatos, a la vista de como está nuestra sociedad, hay donde elegir.....

Abelardo y Eloisa

(Entre nosotros queda, este artista tenía su "punto").

BUEN DÍA A TODOS

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Fuentes: Wikipedia.
Tendencias del Mercado del Arte.


miércoles, 27 de mayo de 2015

Taylor Swift - Bad Blood ft. Kendrick Lamar

BUENAS NOCHES, AMIGOS TODOS, HOY CONTAMOS CON LA PRESENCIA DE TAYLOR SWIFT, EN UN VIDEOCLIP EXCEPCIONAL. DISFRUTADLO. BYE, LOVERS.

martes, 26 de mayo de 2015

Jess Glynne - Hold My Hand [Official Video]

BUENAS NOCHES, AMIGOS TODOS, CON LA COMPAÑIA SIEMPRE DE LA MEJOR DE LAS MÚSICAS, O AL MENOS, ESO INTENTO. DISFRUTADLA. BYE, LOVERS.

LOS MADRAZO: UNA GENERACION DE ARTISTAS.


M A D R A Z O

Buen día, estimados amigos, es bien difícil hablar de arte español, durante los siglos XIX y principios del XX, y no citar a cuatro generaciones de la misma familia que fueron protagonistas de la vida oficial española: los Madrazo.

Autorretrato de José de Madrazo (1840). Museo del Prado

El primero de ellos, y con el que comienza la saga es JOSÉ DE MADRAZO, (1781-1859), quien bajo la recomendación del obispo de Santander y con la protección del ministro de Estado, Pedro Ceballos, realizó estudios, que le llevaron desde la Academia de San Fernando, hasta el taller, en Paris, del pintor neoclasicista, Jacques-Louis David, gracias a la concesión de una beca. Fue, precisamente, en el taller de este último donde pinto "Jesús en casa de Anás". Becado por el rey dirigió sus pasos a Roma, donde amén de aumentar su cultura artística, se decantó por el estudio de la arqueología, anatomía y matemáticas. Sus dos obras calificadas como neoclásicas por excelencia, fueron realizadas por entonces, "La muerte de Lucrecia", extraviada, y "La muerte de Viriato", datada en 1807, y que podemos admirar en el Museo del Prado.


Jesús en casa de Anás

La muerte de Viriato

El conocimiento de Ingres, le lleva a compartir la autoría de la obra "La disputa de griegos y troyanos por el cuerpo de Patroclo" (1812), que fue destinada al Palacio Monte Cavallo en el Quirinal, en homenaje a la visita de Napoleón. No obstante, José de Madrazo se niega a jurar a Bonaparte, y es encarcelado en el castillo de Sant´Angelo, por poco tiempo. Dicha situación lejos de perjudicarle, le favoreció pues Carlos IV, exiliado en Roma le protegió y llamó la atención de su persona sobre Fernando VII que le nombró pintor de Cámara.


Maria Sandalia de Acebal y Arratia

Durante esta etapa de su vida, José de Madrazo retrata a Godoy, y a varios príncipes europeos, al Papa Pio VII; en tanto su vida personal, conoce su boda con Isabel Kuntz con la que tuvo 11 hijos.
El regreso a España de José de Madrazo da un rumbo radical a su vida, pues será él el encargado de reformar la enseñanza artística, así como la colección litográfica de los cuadros del rey. Fue, precisamente José de Madrazo quien creó el Real Establecimiento Litográfico en los Jardines del Tívoli, en los que se encontraba su propiedad, pues compró los terrenos a Fernando VII.
Por esta época, José de Madrazo se convierte en una personalidad fundamental en la corte española, pues logra el favor de la reina Maria Cristina, y desplaza al pintor Vicente López que lo era hasta entonces.


El amor divino y el amor profano

José de Madrazo fue un hombre y un artista ambicioso, quiso para sí un título de nobleza que no consiguió, pese a ello fue Caballero de Carlos III, Gran Cruz de Isabel la Católica, senador y regidor perpetuo de Santander.
Entre sus obras mas destacadas podemos y debemos citar "Obras en el Museo del Prado" (1839),"El amor divino y el amor profano" (1813), y retratos como el de la "Princesa Carini" (1809), o los de Carlos IV (1813), "Cecilia de Madrazo" (1840), o "El coracero francés".


Cecilia de Madrazo

Destacó, igualmente, en el dibujo, influido inicialmente por David y posteriormente por Rafael, amén de que fue un gran coleccionista de arte, con un especial olfato, y que consiguió como consecuencia de la ruina que la Guerra de la Independencia había traído a muchos aristócratas que tuvieron que desprenderse de sus obras de arte.
Si bien parte de su obra la podemos encontrar en el Senado y el Museo Cerralbo de Madrid, así como sus dibujos en la Biblioteca Nacional, no podemos dejar de criticar su actitud para con el baron Taylor, pues le ayudó a comprar en secreto distintas obras de grandes pintores españoles y así conseguir que pasaran al pais galo.
Su fallecimiento, ocurrido en 1859, fue recogido por distintos medios de comunicación tanto espaloles como franceses, que alabaron su figura y su obra.


Pedro de Madrazo

Luis de Madrazo

Juan de Madrazo

Mas una de las aportaciones mas importantes de José de Madrazo a la historia del arte en España, fueron sus hijos; así Pedro, fue el mas intelectual, y al que debemos el  primer catálogo del Prado; Luis, fue pintor, y Juan, arquitecto, cuya obra fundamental consistió en continuar y terminar la Catedral de León. 


Federico de Madrazo, Autorretrato

No obstante, destaca de entre todos ellos, Federico, que con solo seis años aprendió a pintar, por supuesto, ayudado por su padre, y se convirtió en uno de los retratistas mas importantes del panorama artístico español de finales del siglo XIX.
Fue la de Federico de Madrazo una formación que comenzó en la Academia de San Fernando, para continuar después en Paris, en 1833, al estudio de Ingres. Tras su matrimonio con Luisa Garreta,  volvió a Paris, y después a Roma. Fue precisamente, el interés comercial en Federico de Madrazo el que le llevó a renunciar el trabajo de grandes composiciones, decantándose por el retrato, pues era algo que siempre estaba bien remunerado. En Roma cultivó la amistad del pintor aleman Overbeck y de los españoles Solá y Espalter. Era un hombre que gustaba de las relaciones sociales, para lo cual en su residencia eran mas que frecuentes las veladas y los recitales poéticos, amén de representaciones teatrales, y a estas veladas, precisamente, asistían algunos que luego le servían de modelos para sus retratos, como es el caso de la Condesa de Vilches.


Condesa de Vilches

Retrato de Carolina Coronado

Se hizo con grandes protectores, como el duque de Osuna, y como, en su día, lo fue su padre, fue director del Museo del Prado entre los años 1860 a 1869 y de 1881 a 1894. Su paso por el Museo, en el desempeño de sus funciones, le llevó a hacer grandes reformas en el mismo, introduciendo techos de hierro y ladrillos, tragaluces, encargó a Jareño la famosa escalinata e incluso fue quien introdujo las medidas antiincendios. Eso sí, odiaba a El Greco, mas aceptó las Pinturas Negras, de Goya que el Museo de El Louvre no quiso.


Retrato de Isabel II

Fue la suya una labor incansable para salvar, conservar y aumentar un patrimonio que lo era y lo sigue siendo de la Humanidad; para ello, se propuso ampliar el museo con el Casón y los Jerónimos. Igualmente, fue director de la Academia de Bellas Artes de San Fernando, desde 1866 y fue promotor del Museo de Arte Moderno, cuya dirección encomendó a su hermano Pedro. Y amén de todo ello fue maestro de muchos pintores, alumnos suyos, entre los que podemos destacar a Rosales, su hijo Raimundo, León Bonnat, León Gerôme ..


Francisco de Asís Borbón

Mas la calidad artística de la familia Madrazo se vio enriquecida con la unión de su hija Cecilia, con Mariano Fortuny, que falleció tempranamente, si bien dejó una mas que deliciosa obra, entre ella, destaquemos ese cuadro "Los hijos del pintor en el salón japonés", que es toda una delicia.


Los hijos del pintor en jardín japones 
(Mariano Fortuny)


No cabe la menor duda que Federico de Madrazo fue un hombre al que le sonrió la fortuna, pues supo y bien, acrecentar su patrimonio, no solo con obras de arte, sino también con propiedades. Era todo el suyo un espíritu cosmopolita, que vivió, viajo y disfrutó cuanto la vida le ofreció al paso. Amaba los toros, cazar y los fuegos artificiales, ésos que rematan cualquier fiesta mundana, y llegó a trabar amistae con Bellini, Chopin y Verdi. 
En su obra, como he dicho, abunda el retrato, y muestra una mas que detallada preocupación por la luz, y cómo reflejar el estado de ánimo del retratado, evidentemente, en su afán por agradar a su modelo.


Gertudris Gómez de Avellaneda


Sin lugar a dudas, su obra maestra es la conocida "La Condesa de Vilches" (1853), si bien, podemos también destacar "La condesa de Muguiro" (1876), y el retrato de "Gertrudis Gómez de Avellaneda" (1957), así como el de el Duque de Medinaceli (1860).


Duque de Medinaceli



Por lo que respecta a su pintura histórica, es fundamental la calidad de la misma, mas la temática es poco original, tal y como podemos apreciar en "El Gran Capitan en Ceriñola", en el Museo del Prado.
Su fallecimiento tuvo lugar en 1894, siendo su cuerpo objeto de profundo respeto y admiración, por todos aquellos que pasaron por el Salon de Columnas del Prado.


Raimundo de Madrazo



Federico de Madrazo fue el padre del tercer gran pintor de la saga Madrazo: Raimundo de Madrazo, que al igual que sus predecesores se formó en la Academia de San Fernando, para continuar su formación en Paris, con Ingres y León Cogniet, y en L´Ecole de Beaux Arts. Mas fue en L´Ecole imperiale de Dessin donde aprendió la pintura al aire libre, y fue el Museo del Louvre, el que le enseño a "copiar". 


La modelo Aline Masson

Fue la suya una vida de gran proyección internacional, de la misma forma que su abuelo y su padre, era hombre de mundo, y amante de las relaciones sociales, y de toda su familia fue el mas famoso, en tanto en cuanto su conocimiento no se ciñó a Europa sino que también abarcó los EE.UU. 
Su vida participó del encanto de Francia y viajó incansablemente, si bien entre 1910 a 1920 se instaló definitivamente en un chateau en Versalles, junto a su segunda esposa María Haum. Y fue precisamente en la alta sociedad parisina en la que entró de la mano de un mas que especial introductor Alejandro Dumas hijo y de Prosper Merimée. No hace falta mencionar que, al igual que sus ancestros, amaba el teatro, la ópera y las fiestas, y cuando venía a Madrid tenía por costumbre acudir a las fiestas en las que estuviera presente la actriz Sara Bernhard.


Reclining Lady

Su carácter abierto le hizo grandes amistades, con pintores de su época como Meissonier, Boldini, Gêrome, Bonnat y Regnault. 
En 1898 inicio un viaje por los EE.UU. que le llevó a conocer distintas ciudades, donde retrató a innumerables personalidades. Su obra destaca por su colorismo y sus retratos nos semajan fotografías, como el de "La Marquesa de Manzanedo" o "La Reina Maria Cristina",así como el que realizó a "La Duquesa de Alba".
Mas también tenía la costumbre de pintar al natural, con la que fue su modelo predilecta Aline Masson.


María Guerrero como Doña Inés


La Reina María Cristina

Y llegamos a la que fue cuarta generación de los Madrazo, en la que destacan dos nombres, el insigne MARIANO FORTUNY Y MADRAZO, hijo Fortuny y de Cecilia de Madrazo, y Cocó de Madrazo, hijo, a su vez, de Raimundo de Madrazo.


Mariano Fortuny y Madrazo


Sobre Mariano Fortuny y Madrazo realicé, en su día, un "post", para mí, delicioso y es de los que conservo mejor recuerdo. -incluiré al final de este texto su enlace-, y por lo que respecta a Cocó de Madrazo, fue pintor, pero también pianista, y al igual que el resto de su antecesores se formó en Paris e Inglaterra. Entre sus amigos mas célebres estaba la Marquesa de Cassati (otro "post", también realizado por mí sobre tan particular señora), y frecuentaba los ambientes gays, amén de ser un gran amigo de Marcel Proust. Mas fue la suya una vida corta, pues falleció utilizando para ello la via del suicidio.


Cocó de Madrazo

No cabe la menor duda que tras esta exposición la obra y personalidad de la saga de LOS MADRAZO ocupa un lugar destacado en este nuestro espacio cultural y artístico, con todo merecimiento.


Fotografía en la que podemos distinguir tres miembros de la familia Madrazo: Luis, el segundo por la izquierda sentado; Federico, el segundo por la izquierda, de pié; y Raimundo, el mas joven, casi un niño, el segundo por la derecha, de pie.
(Fotografía de José Martinez Sanchez, datada entre los años 1855.1860)

BUEN DÍA A TODOS

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http://purakastiga.blogspot.com.es/2014/12/mariano-fortuny-y-madrazo-el-legado-de.html
(Este es el enlace que os lleva a conocer la obra de MARIANO FORTUNY Y MADRAZO, magnífico y multidisciplinar artista).


Fuentes: Wikipedia.
Descubrir el Arte.