LA TUMBA DEL NADADOR (PAESTUM).

 

Con el nombre de PAESTUM -antigua ciudad magnogriega de Poseidonia o Posidonia- se reconoce una importante ciudad grecoromana situada en la región italiana de Campania, y que se sitúa a 40 km. al sureste de Salerno y a 92 km. de la ciudad de Nápoles, siendo considerado este excepcional sitio arqueológico como Patrimonio de la Humanidad por la Unesco desde 1998.

Situada a unos 7 km. al sur de la desembocadura del río Silario Paestum fue fundada por los griegos de Sibaris bajo el nombre de Posidonia, en una fecha hasta el momento indeterminada, si bien probablemente lo fue a final del siglo VII a.C. o en la primera mitad del siglo VI a.C.

Su etapa de mayor esplendor podemos situarla entre los siglos VI y V a.C., debiendo su denominación griega a Poseidón, el dios del mar.

A través de los más que abundantes estudios y excavaciones arqueológicas realizadas sabemos que contaba con un gran ágora y excepcionales santuarios, entre ellos edificios dedicados al culto, adornados por espléndidas metopas, en las que podían observarse numerosas imágenes de mitos griegos.

Fue en el año 1968 como consecuencia de diferentes trabajos de excavación llevados a cabo en las necrópolis del yacimiento, y que tenían como finalidad conocer en profundidad la historia cultural y social de dicho enclave, que se descubrió una tumba de carácter excepcional.

La tumba tenía forma de caja, y tanto lo que es el interior de sus cuatro paredes, que presentan la escena de un simposio como su cubierta se encontraban decorados con un conjunto de pinturas de una excelente calidad artística, que pueden considerarse modelo de lo que fue el arte pictórico griego en el año 480 a.C. Curiosamente, se ha llegado a la conclusión de que fue pintada por dos artistas diferentes.

En la tumba en cuestión no se encontraron datos relativos a la identidad del fallecido ni tampoco a su condición social, si bien aparecieron diferentes ofrendas funerarios; los trabajos de los arqueólogos descubrieron en las paredes laterales una serie de pinturas, entre las que destacan imágenes de un banquete formados por varias parejas, y escenas con cierto marcado erotismo. No obstante, es la escena que recoje la cara interna de la losa que cubre la losa la que llama la atención por su belleza y signficado: en un paisaje natural, un efebo desnudo se lanza de cabeza al mar desde una torre: este fresco es el que dio nombre a la tumba bajo la denominación de "Tomba del Tuffatore" o el nadador de Paestum.

Evidentemente desde su descubrimiento han sido variadas las interpretaciones de este bellísimo fresco, y se ha venido considerando que el salto del joven hacia el mar simboliza el tránsito de la muerte hacia la vida eterna.

No obstante, el arqueólogo y clasicista Tonio Hölscher en su libro "El nadador de Paestum", que hace especial alabanza a lo que signfica el mundo de la belleza, la juventud y la siempre relación entre el mar y la naturaleza, considera que las imágenes con las que se adornaban las tumbas venían a destacar no ya sólo la posición social del fallecido, sino su forma de entender la vida y la muerte, por lo que pasamos de considerar esta manifestación artística de simbólica a realista.

Es de destacar que este tipo de enterramiento era muy común en Paestum; el hecho de que la imagen del nadador se haya conservado en tan buen estado lo ha sido por la sencilla razón de que la tumba quedó sellada para siempre, y no sirvió para otros enterramientos de familiares como era también habitual en otras culturas.

Son más que abundantes las escenas en las que la caza y la pesca son habituales en la cerámica ateniense, y es que el hecho de lanzarse al agua era considerado una prueba de capacidad atlética y viril, lo que venía a considerarse como el paso de la adolescencia a la edad adulta.

Con independencia de este culto a la belleza del cuerpo, el enterramiento también nos ofrece la cultura de la mesa o banquete, más es la imagen que nos ofrece el joven nadador la que nos llega incluso a producir cierta perturbación, al conseguir reunir la belleza de la plástica con un cuidado misterio, el hecho de por qué se eligió esta imagen del joven lanzándose al mar, a modo de símbolo existencial, formando una linea divisoria entre la vida y la muerte.

En la actualidad la tumba se exhibe en el Museo Arqueológico Nacional de Paestum.

 

Fuentes.

Wikipedia.

https://www.elespañol.com

https://www.elpais.com

ENEAS, ANQUISES Y ASCANIO (la primera gran obra de GIAN LORENZO BERNINI)

Autorretrato de Gian Lorenzo Bernini

La larga y fructífera vida de GIAN LORENZO BERNINI, polifacético artista italiano, destacado pintor, escultor y arquitecto, fue una continua manifestación de lo que supone el éxito de este artista nacido en Nápoles (Italia) en 1598 y fallecido en 1680; tal fue su influencia en el mundo artístico de su época que llegó a convertirse en genio indiscutible de la Roma de gran parte del siglo XVII.

Bernini debe su fama fundamentalmente a sus obras escultóricas y arquitectónicas, si bien también trabajó el retrato; el hecho de que se convirtiera en favorito de los papas contemporáneos con su carrera artística le llevó a ser artista preferido de la nobleza romana. Indudablemente no podemos concebir el Barroco italiano sin la presencia de Gian Lorenzo Bernini quien a tenor de su estilo retórico y grandielocuente se convirtió en la personificación del perfecto artista barroco.

David

Apolo y Dafne

Alma maldita

La primera de todas las obras escultóricas de Bernini que le supuso el reconocimiento de los grandes mecenas de Roma, a los que dejó impresionados por su jovencísimo talento fue un grupo escultórico en mármol, realizado entre los años 1618 y 1619, cuando Bernini contaba apenas veinte años, y que se conoce con el nombre de los personajes que viene a representar "ENEAS, ANQUISES Y ASCANIO", actualmente conservado en la Galería Borghese de Roma, en el que trata una escena que fue descrita por Virgilio en uno de su poema épico "La Eneida", y que viene concebida en razón a la salida de Eneas junto a su familia de Troya.

Existen voces que nos hablan sobre la posible colaboración de Gian Lorenzo Bernini con su padre Pietro, toda vez que los trabajos escultóricos de este último llegaron a alcanzar por aquella época gran fama, máxime gracias a la divulgación que le otorgó el Papa Pablo V.

Este singular grupo escultórico fue un encargo del cardenal Scipione Borghese, gran admirador de todo lo que suponía la belleza física del cuerpo humano, y en él podemos encontrar reminiscencias de otros grandes artistas como Miguel Ángel Buonarroti, como es el caso del Cristo que decora el interior de la basílica de Santa María sopra Minerva, por lo que respecta a la figura de Eneas, así como a la escultura realizada por Pietro Bernini, ubicada en la Capilla Barberini de la Basílica de Sant´Andrea della Valle.

La escultura realizada en mármol blanco alcanza una altura de 2,2 metros y está situada sobre un pedestal de 113 centímetros. Son tres las esculturas que la conforman, tres generaciones de la familia de Eneas, el conocido héroe troyano, al que acompaña su padre Anquises y su pequeño hijo Ascanio; si bien la epopeya de la huída de la ciudad de Troya también menciona la presencia de la esposa de Eneas, Creusa, ésta no aparece en la escultura, pues los dioses tienen previsto para ésta un destino del todo diferente: Afrodita la hará desaparecer y sólo volverá a hablar con Eneas una única vez, convertida en una mera sombre. Todo ello tal y como relata Virgilio en su epopeya épica, La Eneida, en el siglo I a. C., y siendo los descendientes de Eneas los fundadores de Roma.

Esta obra maestra del Barroco adquiere la propiedad de una especie de torre, pues son varios los personajes que la conforman, si bien está configurada como una única pieza.

Es así que podemos observar a Eneas, sosteniendo en brazos a su padre Anquises, al que sitúa sobre sus hombros, en una postura que nos sugiere un equilibrio total, estática, trabajando la composición según una técnica cuya base teórica debemos a Leonardo Da Vinci. Las imágenes de padre e hijo vienen a aludir a la juventud y a la vejez, la primera destacando por su fuerza, la segunda por su sabiduría.

A lo largo de su existencia este grupo escultórico conoció de varios emplazamientos, pues en 1808 fue robada cuando Napoleón, en tiempos de las Guerras Napoleónicas lo trasladó a París, si bien una vez finalizada la contienda regresó de nuevo a Roma, eso sí, siendo exhibida en diferentes salas y galerías.

En un principio el conjunto escultórico estaba ubicado sobre una superficie decorada a base de festones y y motivos arquitectónicos, para ser sustituido en el siglo XIX por un apoyo de madera, y no fue hasta el año 1909 cuando gracias a Pietro Fortunati fue colocado en su actual superficie realizada a base de mármol.

En su conjunto podemos observar el estilo manierista de la obra, algo que es característico de las primeras obras de Bernini, si bien ya podían observarse rasgos identificados con el Barroco y que determinaría el resto de su magnífico trabajo tanto dentro del campo de la escultura como de la arquitectura, con un total dominio de la exhuberancia, el dinamismo y la composición teatral.

Disfrutad de esta maravillosa obra de arte para la eternidad.

Fuentes:
Wikipedia.
https://es.aleteia.org
https://es.borguese.gallery

Elefantes - Azul feat. Bunbury (Videoclip oficial)

BUENA NOCHE

BUENA MÚSICA

 

LA HISTORIA DE CANDAULES Y LOS ORÍGENES DE UNA PARAFILIA: EL CANDAULISMO

A lo largo de la historia de la Humanidad han sido muchos los hechos y circunstancias que han llegado a nuestros días gracias a la labor de la transmisión escrita de grandes historiadores como es lo es HERÓDOTO DE HALICARNASO para hacernos partícipes de un singular relato que vino a dar nombre a una práctica sexual que se conoce como CANDAULISMO.

Nuestro historiador y geógrafo de la antigua Grecia vivió entre los años 484 y 425 a.C., estando considerado como el padre de la disciplina histórica en Occidente, llegando incluso a serlo también por otros muchos como un referente dentro de lo que es la antropología.

Gracias a Heródoto de Halicarnaso podemos acceder a todo un registro perfectamente estructurado del nexo que existe entre los acciones humanas y los acontecimientos q,ue se suceden, y es aquí donde entra esta práctica - el candaulismo- que en cierta medida guarda relación con el término conocido como "voyeurismo", más es del todo necesario llevar a cabo ciertas matizaciones.

El voyerismo o voyeurismo es una parafilia que consiste en observar a otra persona o personas en tanto mantienen relaciones sexuales, mayormente sin que participe de la actividad sexual. El voyeur deriva del verbo francés "voir" (ver), con el sufijo de agente "-eur", que se traduce por "el que mira". Por lo que respecta al "candaulismo" el mirón obtiene placer al observar a "su propia pareja" en tanto ésta mantiene relaciones sexuales con otra persona. En puridad también puede ser considerada como una forma de exhibicionismo en la que el sujeto no sólo se exhibe a sí mismo, sino también a su pareja sexual o cónyuge, que generalmente lo es el hombre quien exhibe a su esposa o amante.

En la imagen, el pintor Eugène Delacroix nos regala una obra titulada "Duque de Orleans mostrando a su amante"

Y a esta parafilia CANDAULISMO dio nombre la historia del rey CANDAULES, que fue el último rey de Lidia de la conocida como Dinastía Heráclida, al que sucedió GIGES, que dio paso a la Dinastía Mermnada.

Por lo que respecta al reinado de Candaules no se sabe mucho, más ha pasado a la historia, gracias a la crónica de Heródoto de Halicarnaso por el hecho de haber perdido todo un reino como consecuencia de determinados actos que posteriormente dieron lugar al término "candaulismo". Y es que una parafilia puede hacer perder todo un reino y mucho más....

Pues esta es la historia de CANDAULES, su esposa, y su siervo GIGES, relato que como tal lo podemos encontrar en las Historias de Heródoto.

Es del todo acertado afirmar, según nos cuenta Heródoto de Halicarnaso, que el rey Candaules estaba perdidamente enamorado de su esposa, tanto que llegó al extremo de comentar a uno de sus colaboradores más apreciados Giges de Lidia las que eran las virtudes de aquélla. El propio Candaules llegó a creer que Giges no concedía auténtica valor a las revelaciones de su señor, y para convencerle Candaules le propuso visitar el dormitorio de su mujer antes de que ésta se acostara y de esta forma pudiera disfrutar de la visión de la belleza de su cuerpo desnudo.

En un primer momento Giges se negó a aceptar la propuesta de su señor, pero ante el temor de ser castigado por ello, decidió aceptar, y fue así que llegada una noche, el propio Candaules escondió a Giges en el dormitorio de su esposa y Giges pudo comprobar cuanto de verdad existía en la defensa del rey de las cualidades de su esposa. Más lo cierto es que la esposa de Candaules se percató de la presencia de Giges, así como de que el propio Candaules fue quién propició tal situación.

La pintura obra de Jean Leon Gerome reproduce el momento exacto en el que Giges observa a la esposa de Candaules en presencia de éste último

La actuación de la esposa de Candaules al día siguiente fue todo un ejemplo de cómo un hecho que inicialmente podía no haber tenido consecuencias, las tuvo para todos los protagonistas. LLamó a Giges y le dijo que sólo le daba dos opciones, matar a su marido por lo que le había obligado a hacer y convertirse en rey junto a ella, o bien morir allí mismo. El propio Giges se negó en principio a aceptar ninguna de las opciones, más ante la insistencia de la reina, se decidió por matar a Candaules en tanto dormía.

El proceder de Giges fue duramente criticado por hasta entonces eran fieles súbditos de Candaules, por lo que fue sometido al óraculo de Delgos, el cual dio la razón a Giges y éste pasó a ser para el resto de su vida rey de LIDIA, y esposo de la que antes lo fuera de Candaules.

La escena que G.B. Pittoni nos muestra en esta su obra pictórica recoge el episodio de la muerte de Candaules por Giges.

Este episodio histórico ha sido plasmado en obras artísticas, pinturas fundamentalmente por grandes maestros, entre ellos, Paul Louis Bouchard, William Etty o Jean León Gérôme, tal y como habeís podido ir apreciando.

Obra pictórica de William Etty basada en la leyenda de Candaules y Giges

Fuentes: Wikipedia.

Quoi (JANE BIRKIN)

MARAVILLOSA MÚSICA

LA VOZ Y LA PERSONALIDAD DE JANE BIRKIN

TRISTE NOCHE

SIEMPRE EN NUESTRO CORAZÓN...

 

Viva Suecia - Últimas Voluntades (Canción Original De La Película)

BUENA NOCHE

BUENA MÚSICA

 

EL ANKOKU BUTÕ.- LA MÁS CURIOSA DANZA JAPONESA.

Para el mundo occidental la cultura japonesa está marcada por la diversidad, pues en ella conviven tradiciones que pueden considerarse ancestrales a la vez que su forma de vida está del todo orientada hacia el mundo moderno, y ello por el hecho de que han sabido mantener la esencia de los samurais, los templos y la siempre y deliciosa cocina tradicional japonesa; no obstante, también han sido capaces de renovarse todo ello en base al "manga" y a las nuevas tecnologías.

No cabe la menor duda que sus costumbres y hábitos son un modelo a seguir en occidente, pues es característica del país nipón su hospitalidad, así como el respeto, la organización y la honestidad que presiden sus relaciones no ya sólo a nivel personal y familiar, sino dentro de entornos mucho más amplios. Japón es un país con una economía fuerte, después de Estados Unidos y China, y su moneda el Yen está incluso más considerada más fuerte que el dólar.

No obstante, son sus tradiciones las que más atraen a todos los que visitan Japón y entre éstas una de las más apreciadas, por su singularidad, es la danza, que viene a utilizar el movimiento del cuerpo, generalmente con música, para servir de entretenimiento y también como expresión artística. La danza, por supuesto, también es una forma de comunicación no oral, pues el bailarín o bailarina viene a mostrarnos sus sentimientos sirviéndose de sus gestos y movimientos.

Y es precisamente en Japón donde descubrimos una forma muy característica de danza la que se denomina ANKOTU BUTÕ o sencillamente BUTÕ, si bien es necesario hacer especial mención a que este tipo de danza resulta un espectáculo extraño e inentendible para el espectador occidental.

El BUTÕ abarca todo un grupo de técnicas de danza que tuvieron su origen en la posguerra, evidentemente, después de la II Guerra Mundial, y que debemos a Kauzo Õno y Tatsumi Hijikata, considerándose esta técnica como una forma de reflexionar sobre la cultura del país después de la terrible tragedia que provocó la explosión nuclear.

Lo más curioso y significativo del BUTÕ, si bien son varios sus aspectos que nos llaman la atención, es que este tipo de danza emplea movimientos que podrían considerarse erráticos y grotescos, incluso repetitivos, abarcando temáticas como la identidad, el caos, la ansiedad, la construcción del género y la orientación sexual.

Inicialmente se la conoció bajo la denominación de ANKOKU BUTÕ, tal y como la llamó su creador Tatsumi Hijikata hacia mediados del siglo XX, si bien ya en 1970 empezó a referirse a la misma sencillamente como BUTÕ.

Etimológicamente el término Ankoku se refiere a lo que se asocia a la oscuridad que existe en la vida, en tanto que el término Butõ, que proviene de buyõ, podría traducirse como "brincar o saltar", si bien al incluir la locución tõ, adquiriría la condición de arraigarse a la tierra o pisar ésta, en definitiva sería como un "descender a las raíces". Es así que el "Ankoku butõ" es una forma de danza que nos propone el hecho de adentrarnos en la oscuridad. Una oscuridad que no podría calificarse con palabras y que para ser mostrada necesitaría del lenguaje corporal, fundamentalmente en lo relativo a los miedos que nos asaltan y a la ansiedad que nos ataca.

Es por ello que el practicante de este tipo de danza no sigue una forma de enseñanza fija, sino que va cambiando, eso sí, siempre adopta gestos fuertes y movimientos repetitivos, lo que proyecta en el espectador esa sensación ya dicha de miedo y ansiedad.

Dos son los grandes exponentes de este tipo de danza, tal y como recogen en el libro "Shades of Darkness" sus autores Nourit y Jean Viala: Õno al que se le considera el espíritu del butõ y Hijikata, el arquitecto del butõ, siendo la danza de este último más emocional, en tanto que la de Õno se la considera más neutral. Tanto uno como otro bailaron hasta el final de sus vidas, en el caso de Hijikata murió con 58 años, más Õno vivió hasta los 103 años. Ambos fueron aprendices de Mary Wigman, nombre artístico de Karoline Sophie Marie Wiegmann, bailarina y coreógrafa alemana precursora del baile expresionista, cuyo estilo y técnica influyó en una gran cantidad de bailarines.

Una de las características que más llama la atención de la danza butõ es el que hecho de que nos ofrece una total mezcla de sensaciones, una especial y particular performance en la que incluso aquellos que la interpretan llegan a olvidar sus movimientos, pues no los procesa su mente, de ahí que este tipo de danza se asocia a una total libertad de movimiento corporal. Uno de los movimientos más singulares es el que se denomina "ganimata", en el que los llamados "butõhkas" arquean sus piernas y las rodillas producen el efecto de deformación en el cuerpo. Y todo ello sumido en una escenografía que apuesta por lo ambiente lúgubre, el empleo de diferentes claroscuros, teniendo como especial finalidad la representación de lo que supone la muerte, la debilidad del cuerpo.

Un aspecto más que peculiar de una cultura que lo es, la japonesa, si bien, las más diferentes culturas han hecho de esta forma de expresión un arte, como en el caso de los griegos quienes fueron los primeros en reconocerla como tal, tanto es así que le dedicaron en su mitología una musa:Terpsícore.

La danza al no utilizar el lenguaje verbal está considerada como una forma no sólo de expresión, sino de conexión entre los seres humanos, dando vida a sentimientos y emociones; es por ello que mucho pueblos coinciden en considerar la historia de su danza como una forma de reflejar los cambios dentro de su sociedad, todo ello en relación con sus cuerpos y las distintas experiencias que han vivido a lo largo de los tiempos.

Fuentes:
https://es.wikipedia.org