domingo, 10 de enero de 2016

TSUGUHARU (LÉONARD) FOUJITA: MODERNIDAD Y TRADICION JAPONESA



Buen día.
Dedicamos este artículo a un artista de origen japonés nacionalizado francés, TSUGUHARU FOUJITA, -LEONARD-  nombre adoptado cuando se convirtió, en 1959, al catolicismo. 
Leonard Foujita nació en Edogawa (Tokio) en 1886 y falleció en Zurich, en 1968, está considerado como una de las figuras mas relevantes de la denominada Escuela de Paris, si bien supo crear un particular estilo del todo personal, en el que se mezclaba la técnica de pintura japonesa con diversos estilos de marcado occidentalismo; es por ello que, en su obra podemos apreciar una cierta influencia de  carácter impresionista, así como simbolista.





Su obra valió a las vanguardias para reivindicar nuevas formas de hacer y sentir la pintura, todo ello dirigido desde el conocido y artístico barrio parisino de Montparnasse.
Es el suyo un dibujo de una particular finura a la que une una exquisita sensualidad. Su temática nos acerca al mundo de la figura femenina, los niños, los gatos, e incluso, nos ofrece su visión de zonas urbanas del antedicho barrio parisino, de Bretaña, e incluso, la costa azul.



Y es un hecho mas que cierto que Foujita logró hacer converger el refinamiento de la cultura japonesa, sobre todo, por lo que se refiere a los colores y la línea, con el culto y admiración por el clasicismo francés y latino.



Su formación la llevó a cabo en la Universidad Nacional de Bellas Artes y Música de Tokio, en 1910. Divorciado de la que fuera su primera esposa, en 1917 se casó, en París, con Fernande Barrey, si bien su matrimonio duró poco tiempo.
Su primera exposición individual la llevó a cabo en 1917, en Paris, a la que se unió el éxito que tuvo su exposición en el Salón de Otoño, de 1922.
La Academia de Artes de Tokio le nombró miembro integrante en 1924, mas deberían de pasar cinco años para que Foujita regresara a su país natal.




Posteriormente viajó al continente americano, visitando Cuba, siendo su anfitrión Alejo Carpentier. En el Lyceum de La Habana expone parte de su obra, fundamentalmente concebida en dicho  país.
Su regreso a Japón, lo fue motivado por la realización de distintos trabajos, para vivir a continuación en Paris, entre 1939-40. La II Guerra Mundial le devuelve a su pais natal, obligado por la disciplina del ejército imperial, llevando a cabo distintas ilustraciones por encargo,  evidentemente, obligado.
Finalizada la guerra, sus viajes son incesantes, y le llevan de nuevo a los EE.UU., para regresar a Paris, obteniendo la nacionalidad francesa, en 1954; cinco años mas tarde, en compañia de su esposa japonesa, Kimiyo, se convierte al catolicismo, adoptando el nombre por el que, como artista, sería conocido LEONARD.




Con independecia de su actividad pictórica, Foujita también llevó a cabo una serie de interesantes ilustraciones. En 1928, una edición de la obra de Pierre Louys, Les aventures du roi Pausole, es publicado con xilografías de Foujita.
Foujita vivió durante treinta y cinco años de su vida, en la ciudad de la luz, mas pese a ello nunca olvidó su país de origen y la cultura tan especial de éste.
Su técnica pictórica la asienta sobre un fondo blanco, trabajando, a veces, a base de tinta china al agua, y colores de pintura al óleo. En ocasiones, une a ambos ingredientes papel de oro. Es ésta, precisamente, la clave y el éxito de su obra. 



Con el tiempo la temática de su obra se vuelve un tanto "infantil", en la que domina una suave apariencia, si bien, en ocasiones, las expresiones de los rostros nos muestran el sufrimiento interior de una persona que ha vivido el horror de la guerra y que busca una forma de paz interior por medio de la pintura.




Y no debemos descartar sus pinturas místicas, pues siente atracción por los objetos de culto, así como por las imágenes de las iglesias. Tanta es la influencia de ello en su propia vida interior que la fe le llevó al catolicismo, como ya antes he indicado, y el mismo día de su bautizo, hizo la comunión, se confirmó y contrajo matrimonio con la japonesa Kimiyo.
Bien es de alabar la belleza de sus pinturas místicas, pues sobre un fondo de oro, nos dibuja iconos, todos ellos deliciosos.
Curiosamente, su última obra, en 1966, lo fue sobre la  capilla Notre Dame de la Paix, o capilla Foujita, en Reims.



Capilla Foujita




La obra de Leonard Foujita viene a simbolizar la unión entre Oriente y Occidente, algo que desde el punto de vista de la realidad es algo del todo ilusorio, Foujita, a través de la delicadeza y sutileza que vibra en cada una de sus obras nos emociona mediante un sentimiento común: el de la belleza.



BUEN DÍA A TODOS

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viernes, 8 de enero de 2016

David Bowie - Valentine's Day

Buenas noches.
La mejor noche con todo un señor de la buena música: David Bowie.
Disfrutadlo.

EL "SALTO ÁNGEL".- NATURALEZA EXTREMA.




Buen día.
Después de algunos días en los que no he publicado nada nuevo, hoy me decanto por el artífice de la belleza mas espléndida que podamos encontrar: la NATURALEZA, y para ello he hecho un viaje mas que especial a América del Sur, concretamente al Parque Nacional de Canaima, que fue declarado Patrimonio de la Humanidad por la Unesco, en 1994.



Estamos ante una visión que nos parece practicamente mágica, una columna de agua que brota de la pared de roca del tepuy Auyantepuy, y en su caída produce un ruido ensordecedor, culminando en una mas que densa bruma de agua pulverizada.
Nos encontramos en Salto Ángel, la cascada mas alta del mundo con 979 metros de altitud, de los que tan solo 807 son de cáida continua, en tanto el resto son saltos de aguas que nos dejan igualmente sorprendidos.
El "Salto Ángel" podemos calificarlo como una maravilla, capricho de la Naturaleza mas poderosa.




Este espacio natural está protegido, como Parque Nacional desde el 12 de junio de 1962, y se extiende sobre una superficie de mas de 30.000 km cuadrados.Este magnífico salto de agua, al parecer, era conocido por los indígenas, si bien su descubrimiento oficial es atribuido a Fernando de Berrio, que fue explorador y gobernador español, durante los siglos XVI y XVII
Su nombre lo debemos  al aviador estadounidense Jimmy Angel, quien en el año 1937, no solo llegó a corroborar su existencia y situación exacta, sino incluso llegó a posarse con su avioneta sobre su cima. Es así como Jimmy Angel pasó a convertirse en el primer ser humano que ponía el pie sobre el Auyantepuy.






No cabe la menor duda que como todo lugar mágico, era conocido por los índigenas, al que llamaron kerepakupai verá o kerepakupai merú, que significa "salto desde el lugar mas profundo". No obstante, esta denominación venía justificaba por el temor de los indígenas toda vez que el Auyantepuy, -Montaña del Infierno- era la morada de los espíritus malignos, conocidos como "mawariton", y especialmente, aquél que consideraban el ser supremo encarnación del mal "Trama-Chita".



Todo aquel aficionado a la aventura tiene en Salto Ángel un especial reto, pues su acceso solo es posible en avioneta. Mas para los mas arriesgados la emoción estará de su parte si se deciden por remontar río arriba a bordo de una curiara (una especie de canoa indígena con motor fuera borda), realizando parte del trayecto a pie, durante una hora, hasta llegar al mirador desde el que se puede contemplar, en toda su grandeza, al "Salto Ángel".




El parque natural en el que está enclavado "Santo Ángel" es el Parque Nacional Canaima, en el que la magia y la realidad se entremezclan, creando la combinación perfecta para el que disfruta con los ríos, los lagos, las cascadas, bosques, y todo ello se extiende como un delicioso bosque verde. En él, podemos encontrarnos con una inusual serie de plantas y animales, muchas de ellas únicas en el mundo. También podemos encontrar a los indígenas Pemón, que habitan desde hace muchos siglos esta región. Ellos son los que con su cultura, su arte y su folklore tienen el poder sobre estas sagradas y mas que singulares montañas.
El parque tiene una extensión de 3 millones de hectáreas, y está protegido como tal por Venezuela, y por el mundo. Está, asimismo, didivido en dos partes: Oriente y Occidente.
La parte occidental obedece al nombre de Canaima. Hacia el Este nos encontramos con la Gran Sabana.





Este paraiso es al más antiguo de nuestro planeta y es precisamente el tiempo que transcurre a toda prisa en las civilaciones actuales y la naturaleza, de la que en su mayoría están desprovistas éstas, las que dan al viajero la impresión de sentirse en un mundo diferente, de integrarse perfectamente con la naturaleza y de ser conscientes de que todavía los seres humanos tenemos un refugio ancestral, con una guardiana mas que excepcional: la Naturaleza.
Hagamos entre todos un esfuerzo para que siga siendo ese lugar perdido, cual Shangri-La, tal y como ensueño nacido de la imaginación del escritor James Hilton.

BUEN DÍA A TODOS

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Fuentes: Wikipedia.
salto-angel.com/es
Viajar. Especiales.El periódico.com
La mas que impresionante NATURALEZA.

domingo, 3 de enero de 2016

Oasis - Don’t Look Back In Anger


LA TUMBA DE VIRGILIO.






Buen día.
Hubo una vez un poeta, de nombre Virgilio, nacido cerca de Mantua, hacia el año 70 a. C.
De su inspiración nació una bellísima obra La Eneida, en la que cada uno de sus versos conocemos la magnífica exposición de su lengua, el latín.



La Eneida fue iniciada por su autor cuando éste tenía ya cerca de cuarenta años, y en ella trabajó justo hasta antes de su muerte (en el año 19 a. C.). No obstante, y toda vez que no pudo llegar a revisarla, dio las consiguientes instrucciones para que su obra fuera quemada; mas aquél al que encomendó dicha tarea, Octavio Augusto, no cumplió la voluntad de Virgilio, y es así como, hoy en día, todos podemos disfrutar leyendo, una y otra vez, LA ENEIDA.



Virgilio fue enterrado en Nápoles, ciudad en la que había vivido gran parte de existencia, y cuenta la tradición que para su tumba compuso un epitafio, que lo fue grabado en la misma por él mismo, aunque esto es ya algo mas que improbable, y dice así:

                 "Mantua me genuit, Calabria rapuere, tenet nunc
                  Parthenope: cecini pascua, rura, duces"

                 "Mantua me dio la vida, Calabria me la arrebató. Ahora me posee
                  Parthénope; canté a los prados, los campos, los héroes"
               
Un mas que sencillo epitafio para un hombre, un poeta de una gran condición, por su calidad humana y artística.




Nápoles, la ciudad en la que transcurrió la vida de Virgilio, es una de las ciudades mas ruidosas de Europa. En sus calles podemos ser observadores continuos de un bullicio alegre y por el que sus habitantes se comunican entre sí. Los napolitanos son rápidos en la expresión oral, de la misma manera que son rápidos sus coches, el tráfico de su puerto, la gran cantidad de visitantes que todos los días llegan con la ilusión puesta en conocer una de las ciudades mas bellas de Europa (no quedarán defraudados, la conozco personalmente).


Tumba de Virgilio

Mas si bien Virgilio vivió en Nápoles, su cuerpo reposa, para siempre en Posillipo, donde el bullicio napolitano no alcanza a perturbar su paz. Cuenta la tradición que Virgilio murió en Brindisi, en Apulia (tacón de la bota de la península itálica) y que sus restos fueron transportados a la capital de Campania. Al día de hoy, está rodeado de un parque. Mas nos queda por ascender una senda en una colina, y en una hornacina, nos encontramos con un busto de Virgilio, si bien no es aquí donde se halla su tumbra. Todavía debemos continuar camino, y nos encontramos con una columna que nos indica el lugar donde reposan los restos de Leopardi.
Y es precisamente que, en la boca de un túnel que se excavó en el siglo I a.C. y que serviría de comunicación entre Nápoles a Pozzuoli y los Campos Flégreos, donde se encuentra ubicado el monumento funerario de Virgilio. En él hay una planta superior a la que se puede ascender por unas escaleras, y es desde un pasadizo al que nos llevan éstas, desde el que podemos contemplar una magnífica vista de toda la bahía de Nápoles.
Delicioso lugar, para reposar para siempre.




No obstante, este artículo no se acaba aquí, sino que he querido ofreceros una sopresa, en forma de tres obras de arte, cuyo autor es JOSEPH WRIGHT, para la que utiliza el óleo sobre lienzo, y de marcado estilo neoclásico.
Pues bien, su nombre original es La tumba de Virgilio y son tres pinturas, realizadas entre 1779 y 1785. Las pintó durante su estancia en Italia, y en las tres y bajo tres perspectivas diferentes nos muestra Joseph Wright la que, tradicionalmente, se conoce como la tumba del poeta latino Virgilio.
En la primera de las tres pinturas, datada en 1779, se incluye una figura humana, la del poeta Silio Itálico, que fue un gran admirador de Virgilio.
Curiosamente, la técnica empleada por Wright es diferente, en cuanto a la iluminación, pues en sus otras pinturas las escenas están iluminadas a base de velas.


La tumba de Virgilio
Derby Museum and Art Gallery, Reino Unido

La tumba de Virgilio, 1782
Derby Museum and Art Gallery

La tumba de Virgilio, con el sol
entrando a través de las nubes
Datada en 1785, y ubicada en el Ulster
Museum, de Belfast




En La tumba de Virgilio la luz nos la ofrece la luna, una luna que inunda todas y cada unas de las diferentes escenas, y que nos muestran, desde el punto un diferente punto de vista artístico, la belleza de un monumento funerario.

La tumba de Virgilio


Disfrutad tanto del paseo, como de la belleza de la obra de Joseph Wright.
Con mis mejores deseos para todos.


BUEN DÍA A TODOS

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Fuentes: Wikipedia.
El cultural.com

viernes, 1 de enero de 2016

Keane - Silenced By The Night

Buenas noches.
Tiempo de música.

GOYA: LA FAMILIA DE CARLOS IV.



Buen día.
Francisco de Goya y Lucientes fue, sin lugar a dudas, el pintor mas capacitado y original que conoció su época, el hombre de las luces, un visionario, impulsado por una capacidad creativa alucinante y contrario siempre, a todo lo que significaba convención.
Su arte está del todo unido a lo que fue su vida y, por supuesto, a la historia de éste su país.
Genial, como retratista, de la decoración, de maravillosos tapices, grabador a la altura de Durero o el mismísimo Rembrant, su obra nos ofrece un amplio espectro que avanza desde la realidad que observan nuestros ojos, al aspecto mas fantasmal que podamos imaginar, del elogio a la juventud, al desdén por la vejez, trágica ella. 
En su pintura se adentra tanto en el color mas luminoso, como en los tonos oscuros, sombríos, presagios de malos tiempos.

Estatua de Goya, Madrid.

Francisco de Goya y Lucientes fue, en definitiva, un GENIO ATEMPORAL.
Nacido en Fuendetodos, Aragón, en 1746, falleció en Burdeos, en 1828, siendo hijo de un artesano dorador. Con solo 13 años empezó como aprendiz en el taller de J. Luzán en Zaragoza.
Curiosamente, fue rechazado en dos ocasiones para acceder a la Academia de San Fernando, después de presentarse a sendos concursos por lo que se marchó a Roma.
Es en 1771 cuando regresa a Zaragoza, y empieza la que podemos llamar su "historia para con la pintura".
Su matrimonio, en 1773, con una hermana de Francisco Bayeu, le proporcionó un empleo para hacer cartones en la Real Fábrica de Tapices, llegando a realizar sesenta y tres cartones en tres años, siendo los mayores de seis metros de ancho. Mas, amén de su dedicación a la Real Fábrica de Tapices, Goya también tuvo tiempo para pintar numerosos retratos y obras de marcado carácter religioso.
Su trayectoria se vio premiada cuando en 1780 fue elegido miembro de la Academia de San Fernando, siendo incluso director auxiliar de pintura en 1785. 
En 1789 fue nombrado pintor de corte del nuevo rey, Carlos IV.
Un hecho doloroso le produce un mas que traumático padecimiento, la sordera con la que tuvo convivir durante el resto de su vida.

La familia de Carlos IV


Y es precisamente su nombramiento como pintor de corte de Carlos IV, el que propicia el hecho de que sea Francisco de Goya, nombrado primer pintor de cámara, en 1799, quien ejecute su mas famoso retrato colectivo: La familia de Carlos IV, en el que manifiesta abiertamente, sirviéndose para ello de un despiadado realismo, las que eran bien patentes y conocidas debilidades de la familia real.



La petición de que se llevara a cabo la pintura partió, probablemente, de Godoy con la finalidad de enseñárselo al embajador francés Luciano, hermano de Napoleón, cuando visitara la corte en 1800.
No cabe la menor duda de que estamos ante una obra que destaque por su estética, eso sí, tanto el rey como la reina quedaron del todo satisfechos.
Y es un hecho mas que cierto que Goya fue fiel a la realidad en su idea de hacer retratos veristas, y para ello basta poner nuestra atención en el aspecto de la reina, adornada a base de pesados pendientes y collares, mostrando prácticamente sus dientes, postizos, y remarcando el hecho de los mas que hermosos y rollizos brazos de su majestad, circunstancia de la que estaba mas que orgullosa.



Por lo que respecta a la imagen que nos ofrece su esposo, el rey, todo él adornado con diferentes y variadas medallas y bandas honoríficas, que no impiden reconocer en su rostro cierto grado de embotamiento, por no llamarle de idiotez. Goya nos dejó perfecta muestra de que Carlos IV era un rey dominado completamente por su mujer.



Es mas, la persona que ocupa la zona central del cuadro es María Luisa, la reina, rodeada de sus hijos mas pequeños, si bien el pequeño Francisco de Paula toma la mano tanto de su padre como de su madre, y ello por la existencia de rumores que atribuían a Godoy la paternidad del pequeño.


En el lado izquierdo del cuadro observamos la presencia del futuro Fernando VII, vestido de azul, en tanto detrás y vestido de rojo, está su hermano menor Carlos.




Este óleo sobre tela, con unas dimensiones mas que destacadas 2,80 x 3,36 m, que podemos admirar en el Museo del Prado, fue inspirado para su realización, en la composición, por Las Meninas, de Velazquez. 
Y con independencia del mensaje que Goya nos quiso hacer llegar sobre la pomposidad, la degeneración, la fealdad de los miembros de la familia real, es de destacar, la mas que bellísima representación de los tejidos, drapeados, esbozados y transparentes, de los que parte, y en los que se fija, en gran medida, toda la luz que recibe y nos ofrece la obra.
Por supuesto, Francisco de Goya no podía de dejar de estar presente en esta magnífica exposición de su talento, y así se autorretrató, como bien podemos observar en el extremo izquierdo del cuadro, al fondo.


Ciertamente, después de adoptar el rococó, Goya rompió radicalmente con lo que significaba el convencionalismo artístico para llegar a conseguir un arte del todo personal y libre, que es la puerta de lo que se considera todo el arte moderno, que viene determinado por la utilización en sus obras de multitudes anónimas, nos ofrece una visión de la guerra, destierra la gloria y planta el terror, en una forma de acercar al ser humano con el animal. 



Y es que su estilo tan personal, le lleva a alternar entre una capa fuerte y una factura lisa, colores lisos y luminosos, con otros oscuros, superpone colores siguiendo la técnica de Rembrant e incluso nos ofrece el anuncio del movimiento impresionista gracias a las pequeñas pinceladas que se entremezclan.
Ciertamente su prolífica obra, sobre todo, dentro del retrato, de los que realizó mas de doscientos, le consolidaron ya en su época como lo que es un GENIO.



Nadie puede discutir la mas que magnífica aportación de su obra a lo que mas tarde se consolidó como pintura moderna, GOYA, el hombre de las luces, sigue mostrándonos su obra en su máximo explendor.- 

Francisco de Goya

BUEN DÍA A TODOS

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Fuentes: Descubrir el Arte.
Maestros de la Pintura.
Goya. Blume.