Pura Kastigá

viernes, 20 de mayo de 2016

LA ETERNA PRIMAVERA.- AUGUSTE RODIN

Auguste Rodin

Buen día.

La temática escogida por mí para acercarnos al mundo de la cultura y el arte es de una especial belleza, y sentimiento.

Auguste Rodin y Camille Claudel mantuvieron durante el tiempo que permanecieron juntos, el primero como maestro, la segunda, como alumna, en el taller de escultura de aquél, una relación mas que apasionada.

Por entonces, Auguste Rodin, hacia 1883, contaba con 43 años, en tanto que Camille, de la que se enamoró locamente, tan solo 18 años.

Fueron los suyos años de tormentoso romance, que llevó a la locura a una genial Camille Claudel, cuya biografía y obra, tanto de uno como de otra, ha sido por mí tratada ya en varias ocasiones en este nuestro blog (mas abajo os incluiré los enlaces), así como otro tanto, por lo que respecta a la obra de Rodin.

Mas la pasión entre ambos no logró conseguir que Auguste Rodin, pese a las mas que numerosas promesas que hiciera a Camille, abandonara a su esposa oficial, Rose Beuret.

Fue, justamente, la ruptura de la relación Rodin-Claudel la que marcó el principio del fin de la mujer y de la artista, que terminó pasando 43 años de su vida, encerrada en una institución mental, con la absoluta prohibición de recibir visitas, ni siquiera, enviar una sola nota o carta al exterior, precisamente, por indicación de su propia madre.

Una de sus últimas fotos

tomadas en la institución mental

Esa pasión que sentían Auguste por Camille quedó plasmada en variadas obras, y una de ellas, bellísima, fue la conocida como La eterna primavera, cuyo vaciado en bronce podemos admirar.
Estamos ante un bronce con una altura de 64,5 cm; ancho, 58 cm; p. 44 cm.

Coindide la realización de esta obra, hacia 1880, con el periodo durante el cual la producción de Rodin alcanza su máximo esplendor, toda vez que recibió el encargo de La puerta del infierno, para el que, por entonces, estaba pendiente de cobrar vida, el Museo de Artes Decorativas de París, más nunca llegó a construirse.

La puerta del infierno

La que conocemos como La eterna primavera fue una de las iniciales propuestas de Rodin, pero la descartó. Rodin intentó dar vida para este encargo a los personajes de Paolo y Francesca, ambos partícipes del Infierno de Dante, mostrándonos a los singulares amantes que están condenados a pasar la eternidad encerrados uno en los brazos del otro. Mas Rodin desistió de esa idea inicial, al considerar que la escultura, por sí misma, tenía un fuerza arrolladora y que como obra independiente, seguiría el éxito de otras salidas de su genio creador inagotable, El Beso, una de las mas hermosas, sin lugar a dudas.

El personaje femenino de este grupo procede del Torso d´Adele, que fue creado anteriormente por Rodin, y que sí que fue utilizado en el tímpano de La Puerta del Infierno.
Es de una bellísima realización el contorno arqueado del cuerpo femenino, que se integra en la composición del masculino. La curva que nos ofrece el conjunto nos la proporciona el mas que acusado movimiento de la figura masculina.
Rodin se sirvió de esta escultura para manifestarnos la plasmación mas erótica de los sentimientos, del estado interior que transciende a la vista del espectador.

Rodín llegó a pronunciarse en el sentido de que La eterna primavera se inspiró, en parte, en la Segunda Sinfonía de Beethoven. Tal es así que, en principio, también se la conoció como Céfiro y la Tierra o Cupido y Psyque, ofreciendo una imagen mitológica a una escultura que era puramente erótica.
No cabe la menor duda de que La Eterna primavera es una de las mas conmovedoras creaciones del genio de Rodin.

Su exhibición pública lo fue, por vez primera, en el Salón de París, en el año 1897, y evidentemente, pues fue un éxito total; tanto es así que de esta obra, llevó a cabo dos versiones, la segunda un tanto modificada con respecto a la original. En algunas de las versiones, el hombre apoya su brazo extendido en una gran rama y la pierna sobre una roca, no obstante, en otras el brazo aparece estirado en lo alto, en tanto la pierna cuelga fuera del pedestal, lo que le lleva a ocupar aún mas espacio.
Es de destacar el especial pulido de algunas zonas con el aspecto rugoso que nos ofrecen otras.

Y fue precisamente la segunda de las versiones la que tomó forma en bronce en la fundición Barbedienne, en cuatro tamaños diferentes y entre los años 1898 y 1918.

Si algo destaca de esta prodigiosa obra es el profundo erotismo que de la misma emana, y que no es mas que una muestra del que el maestro Rodin sentía por Camille Claudel.

Mas la firme negativa de Rodin de abandonar a Rose Beuret, llevó a Camille Claudel a tomar la firme decisión de romper con Rodin, pese a que la pareja compartía taller, y pese a que la joven Camille pasó por un embarazo malogrado.

La pasión, el "amour fou" de la pareja, nos ha dejado un mas que delicioso legado, bastando para ello con contemplar sus obras, tanto las de Rodin, como con las de Camille, precisamente, las de ésta última destacan por la crudeza y realismo que imprime a los cuerpos y rostros que salen de sus manos, en una forma más que explícita de manifestar ese amor que la llevó a la locura y al infierno.

Rodin está considerado como uno de los principales representantes del movimiento impresionista dentro de la escultura. Es la suya una obra que marca un punto y aparte en lo que son las diferentes producciones que nos ofrecieron las vanguardias de los siglos XIX y XX.

BUEN DÍA A TODOS

Blog catalogado en el

Directorio Hispano de las Artes

Enlaces de interés:

http://purakastiga.blogspot.com.es/2015/12/clotho-por-camille-claudel.html

http://purakastiga.blogspot.com.es/2015/03/iris-mensajera-de-los-dioses-auguste.html

http://purakastiga.blogspot.com.es/2014/10/la-mano-de-dios-auguste-rodin.html

http://purakastiga.blogspot.com.es/2014/03/camille-claudel-la-destruccion-o-el-amor.html

Fuentes: Wikipedia.

Tendencias del Mercado del Arte.

Museo Rodin. Colecciones. Esculturas.

jueves, 19 de mayo de 2016

MUSE - Aftermath [Official Music Video]

BUEN DÍA A TODOS

PURA KASTIGÁ

AMOMIPOESÍA.- CONCEPTO "HUMANO"

CONCEPTO "HUMANO"

El fin del mundo nos toca un poco lejos,
solo que es un error más.
Los números primos empiezan a reducirse,
obligándonos a contar de dos en dos.

Contempla esa alfombra de color púrpura,
es para que tus pies reposen.
No mereces ser del todo malo,
por más que tus cartas del tarot digan lo contrario.

Son mis lágrimas las que se mezclan,
resbalando por el cristal de la ventana,
en tanto ha dejado de llover.

Si me haces daño
volveré a recuperarme.
Y tú serás ese mudo testigo
de la mutación de mi especie.

Solo es cuestión de sobrevivir
limitando el uso inapropiado
del concepto "humano".

Rosa Freyre del Hoyo

Imagen: Frankenstein o el moderno Prometeo (Mary Shelley)

miércoles, 18 de mayo de 2016

Coldplay - Up&Up (Official video)

BUENAS NOCHES A TODOS

PURA KASTIGÁ

EL REY LEAR: HISTORIA DE UNA TRAGEDIA.

Buen día.

Hoy vamos a hacer una especie de "menage a trois", si pero, en términos literarios/históricos/pictóricos, y tomando como referente, una historia, que es una de las obras mas icónicas de las tragedias que escribió William Shakespeare.

Cordelia en la corte del rey Lear, John Gilbert (1873)

El rey Lear nos acerca a la leyenda de un soberano de Bretaña, mas Shakespeare se valió de diferentes elementos de variadas culturas para tratar el tema que nos presenta. El Lear histórico habría vivido antes de la fundación de Roma, es decir, en el siglo VII a.C., y todo ello queda recogido en la Historia Regum Britanniae, cuando este rey se decide, llegada su vejez, por repartir su reino entre sus tres hijas, y sus respectivos esposos.

Si bien las manifestaciones de afecto de las dos mayores Gonerilda y Regania, no dejan lugar a dudas sobre el "supuesto" afecto, la pequeña Cordelia, responde, con tal sinceridad, que el suyo es el afecto que una hija debe sentir por su padre, tal y como el deber le manda.

El rey Lear reniega de su hija Cordelia- John Boydell

El rey Lear y Cordelia

Como en toda obra de Shakespeare la condición humana es la protagonista de esta tragedia, si nos atenemos a la concepción que William Shakespeare tenía del universo y del orden cósmico, que debía tener fiel reflejo en la armonía, la cual sería la respuesta cuando la evidencia resultase del respeto por el orden jerárquico y la subordinación del inferior al superior.

La actitud de su hija menor, la lleva a desheredarla y su parte es repartida entre sus hermanas y sus respectivos esposos, el duque de Albania y el de Cornualles, con la condición de que él, con cien caballeros, sea mantenido por una de ellas, turnándose.

Mas Cordelia encuentra el consuelo en el amor que le ofrece el rey de Francia, rendido ante la belleza de la joven y para la que no pide dote alguna. El conde de Kent, del lado de Cordelia, es desterrado, más se mantiene al lado del rey, ocultándose.

Las tres hijas, por Gustav Pope

Las dos hijas Gonerilda y Regania faltan a la promesa que le hicieron a su padre, negándole no solo el asilo, sino la escolta de caballeros, dejándolo vagar por el campo. Es entonces, cuando el conde de Gloucester siente piedad del viejo rey, lo que provoca la ira de su hijo ilegítimo Edmund, y calumniando al legítimo Edgar, que se regufia en una cabaña, en el bosque durante una tempestad. Y es precisamente en esa cabaña, donde encuentra asilo, un derrotado Lear, que pierde completamente la razón. Es entonces cuando Kent lo lleva al lado de Cordelia y ésta lo recibe con todo su amor filial.

Entretanto, las dos hermanas Gonerilda y Regania -ya viuda- se disputan el amor de Edmund, hasta el punto de que Gonerilda envenena a su hermana Regania; también es su intención la de acabar con su propio esposo, mas es descubierta y se quita la vida.

Edmund da orden de acabar con la vida de Cordelia, que muere estrangulada ante los ojos de su padre, quien a su vez, fallece de dolor.

El rey Lear con su bufón, durante la tempestad

El rey Lear y Cordelia, por Ford Madox Brown

El rey Lear es uno de los dramas mas sugerentes de Shakespeare, pues en toda acción se observa la correspondiente reacción. El mundo convive con la continua premisa de que si bien los malvados no triunfan al final del drama, la bondad de aquéllos que así vivieron y se mostraron en sus manifestaciones ha caído anteriormente, víctima de la intriga.

Y un mas que elemento simbólico es la tormenta que confluye en el centro del drama y que desemboca en lo que puede considerarse la locura de la humanidad, fomentada por la crueldad y la falta de piedad.

El rey Lear durante la muerte de Cordelia

La continua lucha entre las fuerzas del bien y del mal es un argumento mas que utilizado por los grandes de la literatura como temática central de muchas de sus obras, pues, en definitiva, son los grandes miedos que siempre han asolado a la humanidad, y lo siguen haciendo.

Mas no debemos ni podemos separar la existencia del Mal de la del Bien, pues ambos conviven en la existencia humana. Si bien será siempre la nuestra la opción de mirar hacia el lado que, aún causándonos dolor, no provoca el dolor y el sufrimiento en el prójimo. El sacrificio no es mas que un "impasse" en toda historia de bondad y miseria.

Blog incorporado al
Directorio Hispano de las Artes

Fuentes: Wikipedia.

Biografiayvidas.com

Historia. National Geographic.

AMOMIPOESÍA.- "PARALELA EXISTENCIA"

PARALELA EXISTENCIA

Soy un solitario jinete nocturno

que tiene miedo de la oscuridad.

Solo la luz del día

sabe de mi secreto,

en tanto mantiene mis ojos abiertos.

¿Entiendes lo que te digo?

Lamento no ser tu abeja reina,

pese a que tú eres solo un triste zángano.

Nuestras aspiraciones se confunden

cuando vivimos los mismos tiempos.

Si permanezco en silencio

es porque nadie me escucha.

Y es que ni siquiera hablamos el mismo idioma:

hagámonos de un traductor.

Hay tantas palabras con significados paralelos……..

ni tú ni yo coincidimos en ningún punto.

Todo lo que habita en nuestra existencia

nos arrastra al infinito,

sin posibilidad de ser uno.

Los puntos no tienen dimensiones.

Mi universo, tampoco.

Rosa Freyre del Hoyo.

martes, 17 de mayo de 2016

Manu Chao - Me gustas tu

BUENAS NOCHES A TODOS

PURA KASTIGÁ

lunes, 16 de mayo de 2016

AMOMIPOESÍA.-LUCES ROJAS EN CUARTO OSCURO

LUCES ROJAS EN CUARTO OSCURO

Siempre hay una recompensa
para desconectar o llorar.
Procura mantener una cierta distancia
cuando las víctimas no son inocentes.

Ya no me convences
y ello me crea dos problemas:
el primero, tú;
el segundo necesita cierto juego.
Puedo ofrecerte una pista.

No es posible olvidar
aquello que no se recuerda.

Y es que la sangre se me ha vuelto espesa
y obtura mis venas todas.
En tus manos, una deliciosa cuchilla
afilada, fina, reluciente … se me ofrece.

En mis ojos, la pregunta
que tú esperas escuchar.
Solo que ya no atiendes por tu nombre,
cuando he puesto fin a mi guardia.

Esas luces rojas
de cuarto oscuro,
son las que me susurran
la ausencia completa del diablo.

Rosa Freyre del Hoyo

Imagen: Fondo rojo de corazones.

Neil Young - Harvest Moon

BUENAS NOCHES A TODOS

UNA DELICIA

PURA KASTIGÁ

domingo, 15 de mayo de 2016

Blowing In The Wind (Live On TV, March 1963)

BUENAS NOCHES A TODOS

PURA KASTIGÁ

JUAN BÉJAR: IMAGENES QUE CREAN SENSACIONES.

Buen día.

Nos citamos un día mas con la finalidad de pasar unos buenos momentos y disfrutar de la cultura, porque la cultura, amigos míos, hay que disfrutarla.

Hoy contamos con una serie de "pequeñas presencias", un tanto peculiares, las que ven la luz de la mano del pintor malageño Juan Béjar (1946).

Fue la suya una vocación temprana, pues no cabe la menor duda que Juan Fernández Béjar ha tenido siempre unas mas que importantes aptitudes para el dibujo, que se han visto complementadas por la observación y por el estudio de los grandes maestros clásicos.

Su obra está poblada de pequeños seres, cuidadosamente deformes, que nos producen cierto vértigo, al ofrecernos un mundo que podría considerarse de pesadilla.

Juan Béjar gusta de pintar acompañado del silencio; es hombre que se prodiga poco, no gusta de la exposición masiva, incómodo entre la multitud. Y ante todo, se corrige continuamente; es por ello que su obra no es muy abundante.

Asimismo, se define como bastante neurótico, no termina por aceptar el mundo en el que vive, y a través de su pintura, cuenta aquéllo que le ocurre. Bien es cierto que se divierte con cierto punto de perversión.

En cierta ocasión, le propusieron ser académico de Bellas Artes de San Telmo, que aceptó, más poco después renunció a ello, por la sencilla razón de que para Juan Béjar ese mundo le parecía demasiado obsoleto. La crítica escondida, en tanto, la frivolidad ganaba adeptos. Algo a lo que Juan Béjar le coge de pasada y vuelta.

Son sus personajes solitarios, melancólicos, habitantes de un universo particular, un mundo real, en el que aparecen perfectamente dibujados y con abundantes áreas de color plano, que forman parte de la composición. Asimismo, los gestos de estos pequeños son, hasta cierto punto, teatrales, no solo por el aspecto irreal de sus rostros. En alguna que otra ocasión, aparecen retratados desnudos, lo cual nos ofrece una imagen aún más espectral, pues sí que resulta evidente una peculiar falta de conexión con la vida. Parecen sencillos muñecos, rodeados de cosas y objetos absurdos, y que carecen de explicación lógica.

Con el tiempo sus personajes van convirtiéndose en seres en los que destaca su decadencia, abundando en el realismo de los detalles y de la misma manera que los rasgos corporales los psicológicos, van provocando una total inquietud en el espectador.

En su pintura actual abunda lo que podríamos considerar como surrealismo ambiental, en la que aparecen nuevamente sus pequeños, con sus formas regordetas que dibujan sus caras, con sus ojos y bocas, sus peinados, todo ello seña de identidad de lo que es la pintura de Juan Béjar.

En su obra es evidente el dominio absoluto del dibujo, sirviéndose de la yuxtaposición e incluso la contraposición entre áreas de color plano (marcadas por tonos azules, violáceos y rosas) y las tonalidades terrosas, marcando los límites de las figuras y los espacios vacíos que le sirven de fondo. Para ello, Juan Béjar se sirve de técnicas como las veladuras, ofreciéndonos la materia pictórica, más empastada, trabajándola minuciosamente, lo que nos lleva a pensar en ciertos efectos que solo produce la técnica del grabado, al que Béjar es mas que aficionado.

Cómo podríamos sintetizar esta singular obra en la que, por una parte, observamos una cierta influencia surrealista, junto con otra que nos devuelve ciertas visiones atávicas y truculentas de lo que supuso la escuela española y su inclinación por lo dramático: dejemos que el espectador saque sus propias conclusiones.