domingo, 7 de noviembre de 2021

HANS RUDOLF GIGER.- LA PERTURBACIÓN DE LA INTELIGENCIA BIOLÓGICA.


Describir con palabras la obra de HANS RUDOLF GIGER -HR GIGER- es del todo imposible sin una amplia visión de la que es su producción como pintor y escultor, así como su participación en diseños y decorados para el cine, portadas de discos, videojuegos y libros, es así que nos adentramos en el perturbador mundo de este genio del siglo XXI.




HANS RUDOLF GIGER nació en Coria (Suiza), el 5 de febrero de 1940, y falleció en Zurich, el 12 de mayo de 2014, a consecuencia de un fatídico accidente doméstico.

Su fama mundial, a nivel popular, la alcanzó con una de sus grandes creaciones surrealistas: el monstruo para la película ALIEN (1979), si bien su obra en la que abundan imágenes que surgen de las pesadillas más alucinantes abarca mucho más, siendo mayormente sus protagonistas humanos mezclados con máquinas (biomecanoides), a través de los que descubrimos una cierta concordancia con H.P. Lovecraft; la obra de H.R. GIGER nos adentra en un universo macabro, poblado por el fetichismo y el erotismo envuelto en un halo de extrema belleza.





Cuando conoces, por vez primera, la obra de H.R GIGER quedas profundamente impresionado por la experiencia de ser consciente de la capacidad de este artista y su dimensión para captar mundos que se nos escapan pero que viven en nuestro universo emocional, que nos perturban y nos producen un cierto terror atávico, por la sencilla razón de que nos vienen a mostrar nuestros orígenes y nuestro futuro.

Los trabajos de H.R. GIGER son una demostración de que en cada uno de nosotros habita un extraño, nuestra genética ha sido invadida por las más variadas especies, que penetran en el ADN de nuestras vidas.

La imagen que nos ofreció siempre H.R. GIGER es la de un hombre vestido de negro, para el que la figura de Dalí fue determinante en su vida, ya  que le presentó al artista chileno Alejandro Jodorowsky, cuando se planteaba llevar al cine "Dune"; más ese primer intento de aproximación no condujo a ninguna parte, sí que llamó la atención del equipo de producción de "Alien", siendo contratado con la finalidad de dar forma a la criatura y realizar el diseño de los escenarios de la película "Alien, el octavo pasajero", de Ridley Scott,  junto con Carlo Rambaldi, famoso artista italiano de efectos especiales.

Este trabajo le valió el Oscar al mejor diseño escénico en el año 1980.




Ese particular estilo barroco, que nos presenta una visión hiperrealista de los escenarios, muestra una singular belleza; dentro del mundo cinematográfico también se encargó del diseño del lado oscuro de Postergeist II, de Brian Gibson, 1986, si bien el resultado final no le satisfizo en la misma medida.

Sus colaboraciones continuaron en los diseños de Alien 3, dirigida por David Fincher, 1992, en Species, de Roger Donaldon, 1995, así como para las cubiertas de muchos libros y discos, amén de videojuegos como Dark Seed (1992) y Dark Sedd II (1995). También es conocida su faceta como diseñador de mobiliario e incluso guitarras.

La última de sus colaboraciones con el mundo cinematográfico lo fue en el año 2012 para la película, también dirigida por Ridley Scott, Prometheus

A partir de ese momento H.R. Giger devino un auténtico artista de culto, cuya técnica se basaba en el empleo del aerógrafo con el que conseguía dar vida a tantas y tantas imágenes surrealistas y paisajes en los que el denominador común es la pesadilla. En todas sus citadas imágenes existe el fetichismo que es acompañado de una cierta simbología sexual.

La obra de H.R. Giger nos trae a la mente influencias diversas, todas ellas enmarcadas dentro del mundo fantástico u onírico,  como son Johann Heinrich Füssli, Alfred Kubin o Bruno Schulz, amén de Jean Cocteau e incluso el mismísimo Dalí.

Ya hice alusión al impacto de la obra de H.R. GIGER al inicio de este artículo, algo que no defraudará al hasta ahora lector tras la visión de estas imágenes.

"Disfrútenlas".....

















Fuentes:
GIGER. TASCHEN
https://es.wikipedia.org
https://historia-arte.com


Vetusta Morla - Puñalada Trapera



BUENA NOCHE

BUENA MÚSICA



 

sábado, 6 de noviembre de 2021

REMBRANDT BUGATTI.- EL ESCULTOR ANIMALISTA.




Destacar la obra escultórica de REMBRANDT BUGATTI nos lleva irremediablemente a hablar de una de sus grandes pasiones, su amor por la naturaleza y, en especial, por los animales.

REMBRANDT BUGATTII nació en Milán, el 16 de octubre de 1884, y falleció en París, el 8 de enero de 1916. 
Fue la suya una vida corta si bien supo transmitirnos a través de su obra su emoción y un talento que el tiempo nos impidió que evolucionara.



Nacido en el seno de una familia en la que el arte era denominador común, su padre fue Carlo Bugatti, un magnífico diseñador de mobiliario art nouveau, y su hermano Ettore, el fabricante de la famosa marca de coches de lujo, Rembrandt recibió no ya solo el nombre del famoso pintor holandés admirado por su padre, sino también una innata capacidad para la escultura.
Precisamente, para su hermano Ettore diseñó diferentes adornos y el elefante plateado que coronó el radiador de uno de sus coches más deseados, el Bugatti Royale de 1941.




Esta admiración por el mundo animal se vio traducido en su escultura, es más, ya siendo niño manifestaba su interés en realizar figuritas de arcilla o plastilina cuya perfección era objeto de admiración por parte de quienes le conocían; fue precisamente, uno de los asiduos al taller de su padre, el escultor ruso Pável Trubeskói (que ostentaba el título de principe) quien se fijó en el pequeño Rembrandt y le tomó bajo su tutela.
Es así que siendo muy joven comenzó a trabajar con Adrian Hébrard, dueño de una galería de arte.

Con el estallido de la Primera Guerra Mundial, Rembrandt Bugatti se ofreció como voluntario médico,  sirviendo en un hospital militar en la ciudad de Amberes; más tanto horror le produjo una depresión, que se vio perjudicada por problemas económicos.
Sus paseos por Paris por la reserva natural situada próxima al Jardin des Plantes, así como al zoo de Amberes, le facilitó el estudio de los animales, amén del disfrute al contemplarlos. 
La triste circunstancia de que el zoológico de Amberes tuvo que sacrificar a muchos de sus animales al carecer de abastecimiento, llevó a Rembrandt Bugatti a caer en una depresión aún más profunda, pues muchos de ellos le habían servido de modelos para sus esculturas.
Es así que en 1916 con solo 31 años y en su propio apartamento, se suicidó inhalando gas; fue enterrado en el panteón familiar situado en la región francesa de Alsacia. 

El hecho cierto es que tanto el artista como su obra cayeron en el olvido, y fue gracias a una gran exposición que se celebró en la Alte Nationale Galerie de Berlin, entre marzo y julio de 2014, y que contó con préstamos de diferentes colecciones privadas, así como de museos de París, Washinton y Amberes, el público en general pudo retomar el conocimiento y admiración por la escultura de este indiscutible artista.

Rembrandt Bugatti no solo es un artista digno de reconocimiento por su trágica historia, relacionada con su pasión por la naturaleza y los animales, sino por la especial sensibilidad de su escultura.
De especial belleza son sus figuras en bronce de panteras y elefantes, realizadas con gran realismo y provistas de una gran expresividad cinética con raíces cubistas; sus formas nos hablan entre el naturalismo, el expresionismo, el cubismo y el futurismo, con un denominador común: una mirada próxima a la belle époque.

Conozcamos, pues, la obra escultórica de REMBRANT BUGATTI.


























Fuentes: Wikipedia.
https://www.20minutos.es

domingo, 31 de octubre de 2021

Bunbury - Antes de desayunar (Videoclip Oficial)




BUENA NOCHE

BUENA MÚSICA


 

GEORGES JULES VICTOR CLAIRIN.- EL ORIENTALISMO FRANCÉS EN LA PINTURA Y LA ILUSTRACIÓN.

Los pintores y otros artistas que cultivaron el orientalismo como forma de representación en sus trabajos quedaron seducidos por el mundo oriental, ya que fueron muchos los que viajaron y estudiaron las diferentes culturas de Oriente Medio; el orientalismo puede interpretarse como una oscilación entre la emoción pictórica romántica y la concisión propia del reportaje documental. Fue un estilo que alcanzó una gran popularidad por Europa en el siglo XIX, triunfando en las Exposiciones universales de París, en 1855 y 1867.



Así como la temática se adapta a la representación de harenes y paisajes, como el desierto, destaca la precisión del dibujo y la luz, cálida y transparente; sus colores son tornasolados, lo que producen escenas de una gran majestuosidad.



GEORGES JULES VICTOR CLAIRIN, en adelante, Georges Clairin, nació en París, el 11 de septiembre de 1843 y falleció en Belle-Île-en-Mer, el 2 de septiembre de 1919.
Fue en 1861 cuando inició sus estudios en la Escuela de Bellas Artes de París, después de trabajar en los talleres de Isidore Pils y François-Édouard Picot. Sus exposiciones pudieron empezar a verse a partir de 1866.




Su formación se complementó con los conocimientos que adquirió en sus viajes a España, junto a Henri Regnault, a Italia, en compañía de François Flameng y Jean-Léon Gerôme; en Marruecos trabó amistad con Mariano Fortuny y en su viaje por Egipto le acompañó el compositor Camille Saint-Saëns.
No cabe la menor duda de que la experiencia vital y artística de Georges Clairin fue de lo más amplia y variada.




No obstante, sus trabajos más conocidos son los retratos que hizo de la actriz Sarah Bernhardt, dando testimonio de sus distintas interpretaciones en diferentes obras de teatro, y dando lugar a una relación de estrecha amistad.









Sus obras las podemos también admirar en los techos de la Ópera Garnier, los teatros de Cherburgo y Épergay, la cúpula de la Bolsa de Comercio de Paris, así como son cerca de veinte las que decoraban el palacio Cosueño en Santiago de Chile (en la actualidad se conservan ocho óleos, de las que cuatro representan las estaciones del año; es de destacar que la pintura con motivos alegóricos del techo del salón principal del palacio Errázuriz, en Brasil. También realizó grandes frescos para La Sorbona, la Bolsa de Comercio y el Hôtel de Ville.





Su temática abarca desde el retrato de festivales venecianos, ballets de ópera, pasando por escenas de género y escenas orientalistas, siendo a éstas últimas a las que debe su mayor fama.





Georges Clairin  expuso regularmente en el Salón de Pintores Orientalistas Franceses, 1909, en el Salón de Artistas Argelinos y Orientalistas de Argel, en la Sociedad Colonial de Artistas Franceses, 1910, y en Salón de Artistas Franceses, 1914, siendo premiado en variadas ocasiones, obtuvo una medalla de plata en la Exposición Universal de París de 1889.




En 1897 fue nombrado Caballero de la Legión de Honor y en 1901 la Galeria Georges Petit le dedicó una magnífica exposición en París.



Fuentes:
Wikipedia.
Movimientos de la Pintura. Larousse.