domingo, 6 de noviembre de 2022

ANDRÓMEDA.- LA LUCHA VITAL CONTRA LAS CADENAS QUE NOS ATAN.




Mayormente cuando hacemos referencia a ANDRÓMEDA nos viene a la mente la más que conocida constelación que contiene una galaxia con el mismo nombre, si bien su denominación técnica es Messier 31, NGC 224 o Galaxia Espiral M31; nos encontramos, pues, ante una gigantesco espiral siendo su diámetro superior a los doscientos veinte mil años luz y en ella se encuentran un billón de estrellas.





Pero mucho antes de que la astronomía optara por denominar como ANDRÓMEDA  a esta constelación una historia mitológica nos cuenta la "historia" en la que ANDRÓMEDA se convirtió en protagonista de unos hechos que tanto nos gustan los que amamos la MITOLOGÍA y las hazañas, tiranías, aventuras de sus dioses, reyes, semidioses, ninfas e incluso mortales, y que han llegado hasta nuestros días, incluso siendo protagonistas de películas o libros que arrasan entre el publico.





En la mitología griega, ANDRÓMEDA puede traducirse por "gobernante de los hombres", siendo hija de los reyes de Etiopía, Cefeo y Casiopea, también fue la esposa de Perseo con el que tuvo siete hijos.

Tanto Casiopea como su hija Andrómeda enojaron a Poseidón, pues se consideraban superiores en belleza a las Nereidas, a las que protegía éste último. La furia de Poseidón tendría como consecuencia el inundar toda la tierra y enviar a un monstruo marino, conocido como el Ceto, que acabaría con toda la humanidad y el resto de vida. El padre de Andrómeda sólo tenía una solución para evitar este desastre, después de consultar el oráculo de Delfos: entregar a su hija ANDRÓMEDA al monstruo; y para ello la joven fue atada desnuda y engalanada con joyas a una roca como sacrificio.

Edward Poynter

                                                

Más en la mitología, como en la vida real, la fortuna juega un papel determinante, pues la joven Andrómeda fue descubierta por el joven Perseo, quien provisto de unas sandalias aladas, regalo de las Hespérides, y se enamoró de ella.


Juan de Frías y Escalante



De esta forma Perseo decidió convencer a los padres de Andrómeda de que les concediera la mano de su hija y él terminaría con el monstruo, y así sucedió, quedando convertido el monstruo en un coral. Más todo no resultó tan sencillo pues Casiopea ya había concedido, con anterioridad, la mano de su hija al príncipe Fineo, al que también se enfrentó, sirviéndose de la cabeza de Medusa y pudo unirse a su amada Andrómeda.

Rubens



Ambos habitaron la isla de Séfiros y después Tirinto (Argos); de este matrimonio nacieron siete hijos, una niña Gorgófone y seis niños, Perses, Alceo, Méstor, Heleo, Electrión y Esténelo. 

A la muerte de Andrómeda, la diosa Atenea la situó entre las constelaciones del cielo norte, cerca de su marido, Perseo y de su madre, Casiopea.


Gustave Doré



Este mito de Andrómeda ha sido representado en las más diferentes artes plásticas, desde la pintura, la literatura, el teatro e incluso la música.

Las diferentes representaciones de Andrómeda en pintura nos la muestran inicialmente vestida, si bien fue durante el Renacimiento cuando su cuerpo fue mostrado desnuda y encadenada, tal y como nos cuenta la mitología, también en algunas obras aparece también la figura de su enamorado Perseo, en el momento en que es rescatada por éste.

Piero di Cosimo


Mengs


Tiziano



Desde Tiziano, pasando por Paolo Veronese, Rubens, François Boucher, Gustave Moreau y Edward Burne-Jones nos han mostrado la extraordinaria belleza de la joven encadenada esperando su terrible destino, otros artistas han hecho especial incidencia en remarcar el terror en su rostro, mostrarnos la debilidad de la joven frente a un destino ineludible, tal es el caso de Rembrandt, Chassérieau, Delacroix, Gustave Doré y Frederic Leighton.


Rembrant



Andrómeda, como muchos otros seres mitológicos, fue un tema recurrente en los más diferentes artistas, principalmente durante el Renacimiento y el Barroco.

Carracci



Edward Burne-Jones


Pierre Etienne Monnot


La mitología nos habla de historias del todo atemporales y cada mito nos transmite un mensaje, una experiencia determinada, relacionada con el sufrimiento o el placer, en gran medida ejemplarizante y que se repite desde el principio de los tiempos. En gran medida puede considerarse una especie de psicoanálisis de la Antigüedad; y nada más cierto que el hecho de que Sigmund Freud, conocedor de la mitología griega, denominara diversas sintomatologías psíquicas con nomenclatura mitológica.

También podemos afirmar que la mitología nos adentra en las siempre eternas preguntas o incógnitas de la humanidad, a lo largo de los siglos, sobre la muerte, la moral, la curiosidad ante tantas situaciones que nos rodean y con las que convivimos continuamente.

El mito es del todo maleable, lo que ha hecho posible su inmortalidad.



"Tras dejar atrás innumerables pueblos,

divisa las comarcas de los etíopes

y los campos cefeos. Allí el injusto Amón

había ordenado a Andrómeda,

que no lo merecía, pagar el castigo que debía

su madre por su lengua"

OVIDIO, Metamorfosis, IV,665





Fuentes:
Wikipedia.
En la estela del mito. Mireia Rosich.
El libro de la mitología clásica. Ángel Erro.



martes, 1 de noviembre de 2022

Adele - I Drink Wine (Official Video)




BUENA NOCHE

BUENA MÚSICA


 

PLAUTILLA BRICCI.- LA EXTRAORDINARIA HISTORIA DE LA PRIMERA ARQUITECTA MODERNA.




La escritora italiana Melania G. Mazzucco, en la que es su novela publicada en 2019 por la Editorial Anagrama, Colección Panorama de narrativas, y bajo el título de LA ARQUITECTRIZ nos acerca a la historia de la primera mujer arquitecta moderna, en la Roma del siglo XVII.

Esta fascinante historia nos permite conocer a fondo la figura de una gran mujer y artista, desconocida para el gran público, prácticamente ninguna mujer de su época se decantaba por la arquitectura como disciplina artística, amén de que nos hace una exacta aproximación a la sociedad de su tiempo, la que conoció y vivió todo el esplender del barroco.




Una exposición de los proyectos arquitectónicos de PLAUTILLA BRICCI podemos admirar, por vez primera, en una muestra en la Galería Corsini, en Roma, en la que se reúnen, amén de diferentes proyectos sus cuadros más significativos.

PLAUTILLA BRICCI nació en Roma (Italia), el 13 de agosto de 1616 y falleció en su ciudad natal en 1705; no sólo cultivó la arquitectura, sino que también fue pintora y miembro de la Academia de San Lucas.





La introducción de Plautilla Bricci en el mundo del arte lo fue de la mano de su padre Giovanni Bricci, músico y pintor, algo que también hizo con su hijo y hermano de Plautilla, Basilio Bricci, también arquitecto y pintor. Gracias a su progenitor, quien en ningún momento dudó del talento de sus dos hijos, en el caso de la joven Plautilla pronto tomó contacto con los artistas próximos al círculo artístico de su padre y gracias a ello comenzó a trabajar realizando pinturas, como la "Virgen con el Niño de Santa María en Montesanto", datada hacia el año 1640.

El éxito de sus primeros trabajos le sirvieron para conocer a Benedetti, secretario del cardenal Giulio Mazzarino, al que también frecuentaban Gian Lorenzo Bernini o Giovan Francesco Grimaldi, e hicieron posible que la carrera como arquitecta de la joven Plautilla Bricci fuera toda una realidad.







La obra arquitectónica más significativa de Plautilla Bricci fue la Villa Benedetta, construida en 1662 y que, desgraciadamente, fue destruida en 1849 durante el asedio francés a la ciudad de Roma. Esta impresionante obra se encontraba ubicada en la vía Aurelia y recibió el nombre popular de "el buque", en función de su forma.

Si bien el proyecto arquitectónico fue firmado por ambos hermanos Bricci, Plautilla y Basilio, fue la primera la que se ocupó también de la decoración interior realizada a base de pinturas alegóricas y religiosas; no obstante, y a tenor de la información que se ha podido recabar posteriormente del Archivo del Estado de Roma, el proyecto del edificio lo fue en mucha mayor medida obra de Plautilla, siendo Basilio un mero apoyo del mismo.





Curiosamente, esta Villa Benedetta presenta una arquitectura del todo diferente a la que abundaba en su época, destacando gran variedad de loggias, paredes curvas y estucos muy trabajados, todo ello nos acercaba a lo que se consideraba una arquitectura barroca pesada.

Desgraciadamente, de este magnífico edificio sólo se conservan, a día de hoy, restos de la puerta de entrada en forma de gruta, lo que nos lleva a pensar que la joven Plautilla Bricci empleó un elemento tan característico del Renacimiento como las grutas y con ello dar un aspecto más naturalista, aportando una mezcla entre lo campestre y lo urbano.

El éxito de esta obra contribuyó a que el Abate Benedetti, allá por el año 1664 planteara a Plautilla Bricci el proyecto de un edificio de carácter religioso, la denominada Capilla de San Luis, en la iglesia de San Luis de los Franceses. El resultado fue una maravillosa capilla ricamente ornamentada, a base de mármoles polícromos, bronces dorados, a lo que se añadió un cortinaje confeccionada con estuco azul a base  flores de lis. En esta espléndida capilla, Plautilla fue la encargada de llevar a cabo la pintura principal del retablo que representaba a San Luis de Francia.






La Capilla de San Luis demostró el hecho tan cierto como el que Plautilla era capaz de crear un espacio grandioso, en gran medida escenográfico y lujoso, demostrando no ya un ingenio nato, sino una formación continua en el arte de la arquitectura. Gracias a esta obra Plautilla Bricci fue admitida, con todos los honores, en la Academia del Disegno di Roma.

Sin perjuicio de la grandeza de su obra arquitectónica, Plautilla Bricci también destacó como pintora, destacando sendas pinturas por encargo de la Compañia de la Misericordia de Poggio Mirteto, un lienzo pintado por ambos lados que representa escenas de la vida de San Juan de la Cruz, así como un estandarte para una confraternidad, destinado a desfiles procesionales, representando a la Virgen del Rosario.



No cabe la menor duda y pese a que se insiste en que el papel de la mujer dentro del mundo del arte ha sido menor, nada más incierto, mayormente por el hecho de que no se ha indagado lo suficiente, y también por las circunstancias que obligaban a las mujeres a que su capacidad artística no pudiera trascender las paredes de sus viviendas. Pero existir han existido muchas mujeres que han destacado dentro de todas y cada una de las más maravillosas disciplinas artísticas, sólo es cuestión de buscar e indagar en la historia del Arte....



Fuentes:
Wikipedia.
https://www.investigart.com
https://www.anagrama-ed.es
https://elobrero.es/cultura



domingo, 30 de octubre de 2022

Marlango - Si Preguntas por Ahí


BUENA NOCHE

BUENA MÚSICA



 

ADOLF HIRÉMY-HIRSCHL.- LA PINTURA SIMBOLISTA DE LA MITOLOGIA E HISTORIA.




No es este artículo el primero ni el último que tenga como protagonista un artista, en concreto, un pintor al que puede encuadrarse dentro del MOVIMIENTO SIMBOLISTA, teniendo en cuenta que como tal fue un auténtico fenómeno de carácter internacional, que si bien se aplicó inicialmente a la poesía, pronto se impuso en las artes plásticas, dando forma a imaginarias escenas de ensueño en las que abundaban contenidos psicológicos, sexuales y místicos.


                                                         
El Nacimiento de Venus

                                                          La tumba de Aquiles

El arte simbolista vino a significar para muchos intelectuales, artistas y estetas toda una revolución, convirtiéndose en una especie de religión, en la que la belleza resumía toda una carga espiritual. Y es a William Butler Yeats al que debemos un delicioso resumen de este movimiento: "Todo arte que no se limita a la pura narración de historias o al mero retrato es simbólico (....) cuando se libera a una persona o a un paisaje de las cadenas de los motivos y sus actos, de las causas y los efectos y de todas las cadenas excepto de las cadenas del propio amor, se modificará a los propios ojos y se convertirá en un símbolo de sentimiento infinito, de un sentimiento perfecto, de parte de la sustancia divina".


                                                                        Ondina

ADOLF HIRÉMY-HIRSCHL (1860-1933) fue un artista de origen judío húngaro, cuya obra destaca por su preferencia por las pinturas de índole mitológico e histórico, principalmente en relación con la Antigua Roma. Sin lugar a dudas la pintura de Adolf Hirémy-Hirschl está considerada como una de las más significativas de la Viena del fin de siècle, si bien su fama se vio eclipsada ante la aparición de la conocida Sezessionsstil, y fundamentalmente, por Gustav Klimt.

Son numerosas las obras de Adolf H.H. que, a día de hoy, se encuentran desaparecidas  y de las que tenemos conocimiento lo es gracias a la especial dedicación e interés de sus herederos.




Adolf Hirémy-Hirschl nació el 31 de enero de 1860 en la ciudad de Temesvár, que formaba parte por entonces de Hungría, y desde muy temprana edad realizó sus estudios en Viena; fue su especial dedicación la que le valió una beca para asistir a la Akamemie der bildenden Künste en 1978; su primer premio lo consiguió tan sólo dos años después gracias a su obra Farewell: Scene from Hannibel Crossing the Alps, y un segundo premio más tarde con el pudo permitirse viajar a Roma.


                                                         The souls of Acheron

La estancia en la ciudad de Roma marcó para Adolf Hirémy-Hirschl la que sería gran parte de su obra, pues se enamoró de la maravillosa ciudad que es -quién no-, así como de su historia y de regreso a Viena comenzó a trabajar en pinturas en las que el tema fundamental era el histórico ambientado en la antigüedad romana, si bien a día de hoy la mayoría de estos trabajos están perdidos.


                                                                   La peste

No obstante, una de sus obras más aclamadas es la conocida como La peste en Roma (1884), también en paradero desconocido. El hecho cierto es que Adol Hirémy, tal como él mismo se empezó a hacer llamar, a raíz del nacimiento y crecimiento del movimiento de la Secesión vienesa tuvo una carrera de gran brillantez y sus obras llegaron a cotizarse en las más grandes colecciones privadas. 

Fue en Roma donde pasó los últimos 35 años de su vida, , ciudad que le acogió de buen grado y en la que se sentía realmente a gusto, dentro de la comunidad artística expatriada; en 1904 una retrospectiva suya tuvo un enorme éxito, en la que se expusieron setenta de sus pinturas.

Entre sus últimos trabajos destaca Sic Transit... (1912), en el que representa, en forma de políptico, una alegoría sobre la caída del Imperio Romano y el nacimiento y crecimiento del cristianismo. 

(En las imágenes siguientes los tres paneles -izquierda, centro y derecha-).






Adolf Hirémy murió el 7 de abril de 1933 y sus restos reposan en el cementerio protestante de Roma; sus herederos consiguieron mantener durante bastante tiempo su estudio de trabajo y se ocuparon de la conservación de su legado.

Con independencia de su obra pictórica ADOL HIRÉMY-HIRSCHL fue un excepcional dibujante, lo cual se desprende del gran número de estudios de figuras y drapeados realizados en tiza o carboncillo que luego plasmó en sus pinturas, ya que se trataban de estudios preparatorios; también llevó a cabo numerosos desnudos femeninos, que destacan por su deliciosa sensualidad; no menos importantes son sus estudios en pastel, acuarela y gouache.







En su paleta, y sobre toda en aquellas obras marcadamente simbolistas, destacan el azul, gris, negro, blanco con toques de oro y una extraordinaria calidez que emanan sus figuras femeninas.
Tal es así como podemos contemplar en Ahasuerus at the End of the World (1988).




Para quienes deseen contemplar su obra pictórica mayormente se encuentra en los EE.UU. en la Colección Jack Daulton en Los Altos Hills, California.

Y para los que no nos podemos permitir el lujo de viajar, pues nos quedamos con la siempre deliciosa vista del legado de ADOLF HIRÉMY-HIRSCHL.


Fuentes:
Wikipedia.
https://historia-arte.com