The Cure - Lullaby

BUENAS NOCHES A TODOS EN ESTA NOCHE DE FIN DE SEMANA,PLENO VERANO, AUNQUE PARA NUESTRO PROTAGONISTA DE HOY, EL SOL COMO QUE NO HA SALIDO TODAVÍA.... ES BROMA, THE CURE, SIEMPRE EXCEPCIONALES. BYE LOVERS.

RAPTO DE UNA SABINA, por GIAMBOLOGNA

El conocido como "Rapto de las Sabinas" o el "Rapto de la Sabina" es una de las composiciones mas famosas y hermosas del escultor de la corte florentina llamado Jean de Boulogne, conocido como GIAMBOLOGNA, amén de que es uno de los tres únicos bronces con la inscripción "Gio Bologne" -las otras dos obras están en Museo de Historia del Arte de Viena y en el Museo de Bellas Artes de Boston-.

La obra en cuestión fue comenzada por Jean de Boulogne  hacia 1581, y lo finalizó un año mas tarde, por propia iniciativa, es decir, que no fue encargo de persona alguna, sino producto de la inspiración del propio GIAMBOLOGNA.

Mas el hecho cierto es que cuando Francisco I de Medici vio la obra quedó entusiasmado con la misma y ordenó que fuera instalada en la Loggia dei Lanzi, cerca del Palazzo Vecchio.

A ciencia cierta nada se sabe de su encargo en mármol, mas una carta datada el 27 de octubre de 1580, y firmada por el Simone Fortuna dirigida al duque de Urbino, Giambologna trabajaba por entonces en un grupo en marmol de tres estatuas, que estaba a punto de terminar y cuyo destino era la Loggia de Pisani, que se erigía frente al Palazzo Vechio en la Piazza della Signoria. 

Si el modelo para los bronces fue anterior al de gran escala que hizo para el grupo en mármol, o si, por el contrario, es posterior, no podemos saberlo. Mas si éste fuera el caso, podemos asegurar que los bronces fueron del todo fieles al mármol.

El tema al que recurre el artista es un episodio mitológico que describe el secuestro de mujeres de la tribu de los sabinos por los fundadores de Roma.

Cuenta la mitología que en la Roma de los primeros tiempos existían muy pocas mujeres, y que para dar una solución al problema, Rómulo, que fue su fundador y primer rey, organizó unas pruebas deportivas en honor del dios Neptuno, a las que invitó a los pueblos de los alrededores. Fueron varios los que acudieron, mas los de una población, la Sabinia, era personas voluntariosas y fueron a Roma con sus mujeres e hijos, junto con su rey.

Cuando comenzó el espectáculo de los juegos, y a una señal ya preparada, cada romano raptó a una mujer y luego echaron a los hombres. Los romanos intentaron por todos los medios convencer a las mujeres -las sabinas- de que no habría brutalidad con ellas, sino que simplemente querían que formasen parte de su pueblo. No obstante, las sabinas pusieron un requisito para contraer matrimonio: en el hogar, ellas sólo se ocuparían del telar, sin verse obligadas a realizar otros trabajos domésticos, y serían las que gobernarían la casa.

Rapto de las Sabinas, por Jacques-Louis David

Pasados los años, los sabinos se sentían contrariados por el doble ultraje de traición y rapto de las que eran sus mujeres, y atacaron a los romanos, acorralándolos en el Capitolio. Para poder llegar hasta dicho lugar, contaron con la ayuda de una romana, Tarpeya, la cual puso como condición que le entregasen todo lo que llevasen en los brazos (se refería, a los brazaletes). Viendo los sabinos la traición que la romana hacía a su propio pueblo, aceptaron el trato que ésta les ofreció, pero su respuesta fue, en lugar de agasajarla, aplastarla con sus pesados escudos. El lugar, donde según nos dice la leyenda, tuvo lugar tal asesinato recibió el nombre de Roca Tarpeya, desde la que a partir de entonces se arrojaron a los que cometían delitos de traición.

La Roca Tarpeya

En la batalla final, entre romanos y sabinos, las sabinas se interpusieron entre ambos bandos y les obligaron a razonar, pues si ganaban los romanos, perdían a sus padres y hermanos, y si ganaban los sabinos, perdían a sus maridos e hijos. Con este inteligente argumento las sabinas lograron su propósito, y la reconciliación se selló con un espectacular banquete. El rey de Sabinia Tito Tacio y Rómulo formaron una diarquía en Roma hasta la muerte de Tito.

Espero, amigos que no os haya defraudado el hecho de que haya empezado mi disertación con el origen mitológico que dio lugar al tema que recoge la escultura, pero creo que es del todo necesario para comprender la obra en cuestión. 

Jean de Boulogne conocido como GIAMBOLOGNA nació en Flandes, formándose en el taller de Jacques de Broeuq, y viajó y permaneció en Italia durante bastantes años, pues fue en dicho país donde realizó la mayoría de su obra.

Una curiosidad sobre Giambologna, y es que cuando le presentó una escultura suya a Miguel Angel, éste le reprochó el hecho de intentar acabarla minuciosamente sin antes haber realizado un estudio previo: lejos de enfadarse o tomarse a mal la recomendación, Giambologna se preocupó de realizar una gran cantidad de bocetos en cera, arcilla, ..antes de realizar su obra final. 

En Florencia pasó gran parte de su vida, y es entonces cuando podemos observar en sus esculturas una técnica  y una perfecta armonía en la composición del cuerpo humano que nos ofrece reseñas helenísticas.

Bajo la protección de Francisco I de Medicci recibió su primer encargo en mármol, una alegoría política La Victoria de Florencia sobre Pisa, para después realizar el grupo de Sansón y el filisteo, hasta que remató su técnica y su inspiración artística con su gran obra maestra el Rapto de las Sabinas.

En la que fue su obra maestra, Jean de Boulogne intenta hacernos llegar una forma diferente en el aspecto del movimiento en la escultura. Inicialmente, crea un grupo en bronce que representa un rapto, y en la que podemos apreciar a un hombre desnudo, con las piernas flexionadas como consecuencia del esfuerzo a que está siendo sometido, lleva en sus brazos a una mujer, tambien desnuda que parece invocar a los dioses como testigos de su sufrimiento.

Detalle de la obra

En la escena no se advierte lucha ni drama, pues la mujer no se resiste, es una especie de danza en la que se oponen dos movimientos en contraste. Con la finalidad de que el grupo se vea reforzado por un fundamente mas amplio, el escultor coloca una tercera figura curvada en dirección al suelo En consecuencia, nos encontramos con tres cuerpos que se combinan en el espacio: el vencido, en el suelo con los miembros encogidos; el romano, que dibuja un arco de círculo, encorvado y fogoso y la Sabina que intenta zafarse de los brazos de este último con un gesto de su espalda. 
Es sencillamente espectacular la perfecta geometría de las líneas que imprimen fuerza a la escena, el juego de las miradas, las expresiones, y la distinta variedad de los volúmenes que podemos observar como se contraen en dirección descendente y luego se expande; todo esta técnica al servicio de la belleza es una auténtica forma de reflexión sobre la relación de la forma en el espacio. 
Por último, son del todo evidentes los rasgos manieristas, el alargamiento de las figuras, el gesto.
El Rapto de la Sabina responde a lo que Miguel Angel había ya desarrollado como la figura serpentinata, mas Giambologna nos ofrece muchas mas perspectivas. Este movimiento de las figuras que se retuercen sobre sí y entre sí mismas, adquieren un dinamismo espectacular. 

La naturaleza creativa del hombre es infinita, como infinito es su capacidad de que esa creatividad lo sea a favor del bien, y de lo que que, generalmente, se conoce como bueno. Mas tal como dijo Edmund Burke, escritor, pensador y político irlandés, para que "el mal triunfe solo es necesario que los hombres buenos no hagan nada".

BUEN DIA A TODOS

Florrie - Little White Lies (Official Video)

BUENAS NOCHES A TODOS CON MIS MEJORES DESEOS EN ESTE SÁBADO QUE PROMETE UNA LARGA NOCHE DE TODO AQUELLO QUE MAS OS GUSTE. QUE CADA CUAL ESCOJA, O SE QUEDE CON TODO.... BYE, LOVERS.

FELIX FENEON: "Novelas en tres líneas"

Felix Feneón

Buen día amigos, hoy tenemos cita con una personalidad del todo extraordinaria, quizás muchos de vosotros no le conoceréis, pero puedo aseguraros que después de la lectura de este "post", Felix Feneón estará entre vuestros mas amables y sencillos conocimientos dentro del mundo en el que conviven aquellos seres humanos que pueden considerarse como "inclasificables", si bien, FELIX FENEÓN, en teoría, y por lo que fundamentalmente ha llegado hasta nosotros su relevancia es por sus "Novelas en tres líneas".

Podemos considerarle un "artista" de una total actualidad, si nos centramos en su obra, en la labor que realizó y ante todo, por su biografía, mas que suculenta.

Felix Feneón

Nuestro protagonista de hoy nació en Turín en 1861, y falleció en Chatenay-Malabry, en 1944. Poco sabemos de su infancia, salvo que creció en Burgundy.

Su actividad se desenvolvió entre el periodismo, la crítica de arte y la dirección de distintas revistas francesas, todas ellas, de gran conocimiento por el público y por la crítica.

Con apenas veinte años empezó su andadura laboral en el Ministerio de la Guerra, por lo que se trasladó a vivir a París. Es entonces cuando, Felix llegará a simultanear, frente a sus amigos y conocidos, una doble vida, pues, en tanto en el Ministerio destacó por el hecho de que era capaz de redactar cualquier nota o pequeña reseña con suma facilidad, muy al contrario que sus compañeros, dando cuenta de hechos o circunstancias acaecidas, y sobre todo, con pocas y acertadísimas palabras, lo que le  valió ser el ascendido a jefe del Departamento; por otro lado, este hombre, prácticamente inadvertido, cobra una inusual importancia gracias al descubrimiento que lleva a cabo de numerosos talentos, en el mundo de la literatura y la pintura.

Sus años de trabajo en el Ministerio los compartió con la colaboración en distintas revistas literarias, en las que hacía críticas y reseñas, entre ellas Le libre revue, La Revue indépendante y La Vogue. Su intención principal fue el descubrimiento de nuevos valores: así en esta última publicación  fue donde editó y ordenó las Illuminations de Rimbaud. Tambien se encargó de la publicación de los Cantos de Maldonor, escritos por el poeta uruguayo Isidore Ducasse, conocido por Conde de Lautreamont. Ambos libros fueron del todo escandalosos para la sociedad de su época.

En el mundo del Arte, podemos destacar, dentro de los que se podían considerar sus protegidos, sin perjuicio de la opinión de la crítica y del público, a Paul Signac, Toulouse-Lautrec, Bonnard, y los Pisarro, tanto el padre como el hijo. Pero no solo fue el conocimiento de estos artistas lo que hizo de Felix Feneón una persona ilustrada, sino que también el hecho de que se hizo con una gran cantidad de obras producción de aquellos.

Su ascendencia dentro del mundo de las letras, le llevaron a trabar conocimiento con Apollinaire, Alfred Jarry o Remy de Gourmont.

No cabe la menos duda que Felix Feneon fue un hombre de ideas liberales, sumamente inteligente, y que ejercía una gran fascinación sobre todo aquél que tuviera ocasión de conocerle. La Francia de la época  vivía el anarquismo libertario lo que producía continuos enfrentamientos entre el proletariado y la burguesía. Feneón se vio envuelto en las primeras acciones de terrorismo anarquista, con fatales consecuencias, pues causaron numerosas víctimas humanas entre la población civil; el que fuera su amigo, Emile Henry fue acusado de lanzar una bomba dentro del café Terminus, lo que constituyó no solo una masacre, a nivel social, sino que incluso dentro de las líneas anarquistas hubieron quienes condenaron tan deplorable acto.

El 4 de abril de 1894 una bomba hace explosión en el llamado restaurante Le Foyot, uno de los mas lujosos de la capital francesa. La bomba en cuestión había sido colocada dentro de una maceta, en tanto el explosivo que la activaba se encontraba escondido en forma de mecha como si se tratase de un tallo de la misma. El detenido como presunto autor de tal explosión no fue otro que Felix Feneón, que perdió un ojo en la misma, y a partir de entonces tuvo que utilizar un ojo de cristal.

Mas las pruebas que acusaban a Feneon no se sostenían por si mismas, pues se basaban única y exclusivamente, en que se habían hallado fulminantes de mercurio en el cajón de su despacho en el Ministerio de la Guerra. Fue detenido durante tres semanas, pasó tres meses en prisión preventiva, y poco después el Estado le inculpó en el conocido como proceso de los Treinta.

Este suceso se inició con el asesinato del presidente Sadi Carnot, el 24 de julio de 1894, por el anarquista italiano Sante Geronimo Caseria. 

Las respuestas a cada una de las preguntas que se le hicieron a Feneón en el juicio hicieron de éste una auténtica estrella por su ironía y su ingenio. No fue condenado, pero había perdido para siempre, amén del ojo, su puesto en el Ministerio de la Guerra.

Estas son las fotos que se tomaron de Feneón el día de su detención.

Ficha policial

No cabe la menor duda que la vida era sumamente afortunada con Felix, pues el abogado que llevó a cabo la defensa de los Treinta le contrató como editor de La Revue Blanche. De esta forma, Felix Feneon tuvo la oportunidad de contactar con la élite de las letras, a todo escritor o artista que le pudiera interesar. Baste mencionar que el crítico musical de la revista en cuestión no era otro que Debussy y André Guidé, al que Felix descubrió, el crítico literario. De esta forma fueron "pasando" por la revista los mejores plumas de la literatura, tales como Proust, Apollinaire, Jarry, Paul Claudel, Jules Renard. 

Fue precisamente gracias a su posición en La Revue Blanche como Felix Feneón hizo realidad el sueño de su vida, el de descubrir todo tipo de talento literario e impulsarlo.

La Revue Blanche

Después de ocho años de vida literaria, La Revue Blanche cierra y Felix Feneón empieza a trabajar en Le Figaro, aunque gran parte de sus colaboraciones iban sin su firma.

Hacia 1906 empieza a trabajar en Le Matin, una publicación de tendencias liberales, en la que elaborará sus famosas Novelas en tres lineas.
Mas la actividad artística, periodística y literaria de Felix Feneón no acaba aquí sino que los hermanos Bernheim le hicieron una oferta por la cual debería hacerse cargo de su Galería de Arte, algo a lo que Felix se apuntó de inmediato, tal era su afán de conocimiento en todos los niveles humanos; de esta forma la Galeria Bernheim-Jeune tuvo un pero que muy especial gerente y además le ofreció la posibilidad de seguir con su colección de arte. También se hizo con una editorial, eso sí modesta, pero que por medio de la cual ayudaba a todo aquel que intentaba abrirse un hueco en la literatura. 
La siempre buena intención y acción de Felix Feneón de hacerse con una mas que consolidada colección de obras de arte, sirvió en gran medida a que despues de su fallecimiento, en 1944, su viuda consideró la creación de unos premios que se entregan cada año en Francia. Y así, desde 1949, un comité de la Universidad de la Sorbona es el encargado de elegir, a artistas todos ellos jóvenes, no mayores de treinta y cinco años, dos: un escritor y un pintor, a los que se les dota económicamente para desarrollar lo que es la pasión de su vida. 
Desde luego, mis queridos amigos, la vida y la obra de Felix Feneón no tiene desperdicio y para rematar el tema de hoy nos quedamos con el concepto de lo que Felix quiso transmitirnos con sus "Novelas de tres líneas"

En principio, sentar las bases que como funcionario en el Ministerio de Guerra, en el que redactaba noticias escuetas, la técnica de las Novelas en tres líneas se convirtieron para Félix Feneón en la forma de poner a disposición del público en general todo tipo de noticias y mas que noticias, relatos de hechos, concisos, precisos, mas perfectamente estructurados.
Los temas mas recurrentes eran los relativos a los sentimientos humanos, fundamentalmente, a las venganzas de maridos ultrajados, de ecos de sociedad, y de accidentes que tenían al día a sus lectores de lo que ocurría, día a día.
Su destreza y habilidad se fue desarrollando con el tiempo, e incluso el sentido del humor, entre irónico y sarcástico, es frecuente en muchas de ellas. La crónica social del todo frecuente se ve aderezada por calificativos exactos y consolidados con una claridad meridiana.

Y como de muestra vale un botón, aquí tenéis algunas de esas maravillosas novelas cortas:

"Su majestad el rey de Camboya Sisowarth, en Marsella, ha repartido su tiempo entre sus bailarinas, un pedicuro y la exposición colonial"

"Al ser epiléptica, una granjera de Saint-Jean-les-Deux-Jumeaux (Sena y Marne), la señora Robeis, cayó de cabeza en una jarra de leche. Ahogada".

"Cuando su tren estaba parando, la señora Parlucy, natural de Nanterre, abrió la portezuela y se asomó. Pasó un expreso que rompió la cabeza de la mujer y la portezuela del tren".

Y, por cierto, no podía dejar de mencionar algo fundamental, cada una de las novelas en tres líneas no excedían de 140 caracteres, a qué os suena eso? TWITTER.

Lo que no esté ya inventado, es porque no conocemos que, efectivamente, lo está. 

Tres líneas

BUEN DIA A TODOS

MAGIC! - Rude

BUENAS NOCHES MIS SIEMPRE PRESENTES AMIGOS A ESTAS HORAS DE LA NOCHE QUE SE NOS PRESENTAN MUSICALES. BUENAS NOCHES, EN EL SENTIDO DE QUE OS SEAN LO MAS LÚDICAS POSIBLE, Y QUE QUEDAN MUCHAS HORAS POR DELANTE PARA PASARLO BIEN. BUENA GENTE,  BYE, LOVERS.

LA NAVE DE LOS LOCOS, DE EL BOSCO

Buen día, queridos amigos, hoy tenemos una cita muy especial, sobre todo por lo que a mí me afecta, pues lo es con una de las grandes personalidades artísticas que han existido: HIERONYMUS BOSCH, llamado y conocido como EL BOSCO.

Muchos han sido los historiadores del Arte que, a lo largo del tiempo, se han ocupado de la obra de El Bosco, mas no tanto de su vida, que quizá sea la clave para desentrañar la intención, el mensaje que quiso imprimir en sus lienzos. Podemos afirmar que Hieronymus Bosch nació entre 1450 y 1452, y que en 1478 contrajo matrimonio con Aleyt van de Meervenne, nacida en 1453, hija de un rico patricio, si bien las fechas pueden en algo variar. Si que es bien cierto que en 1480 Hierónymus Bosch está ya casado, y que en 1484, y gracias a la posición económica y social de su esposa, pudieron trasladarse a vivir cerca de Oirschot, una propiedad que lo era del duque de Brabante, sometida, por tanto, al derecho feudal.

El Bosco

La obra de este significativo pintor no han dejado de exaltar la fantasía y la fascinación, demandando nuevas interpretaciones de todo aquello que El Bosco nos dejó como legado, sin que hasta el momento presente no nos hayamos quedado definitivamente satisfechos con ninguna explicación.

Sin perjuicio de que, al final del texto incluyamos algunas de sus obras, mi intención para el día de hoy es la de centrarme, principalmente, en una de ellas: LA NAVE DE LOS LOCOS, en la que como en toda su producción proliferan y muestran las distintas y diferentes angustias y supersticiones de toda su época. Es en esta proliferación de imágenes donde abundan los símbolos infernales, místicos y alquímicos. Un mundo en el que el Infierno aparece como denominador común, ángeles caídos, una flora y una fauna maldita. Sus cuadros están, tanto llenos de vida, como de amenazas a ésta, y nos describen un universo del todo trastornado, incoherente y poseído por Satanás, como consecuencia del pecado.

Si bien se ha considerado desde el punto de vista artístico que EL BOSCO pintaba al hombre, al ser humano como era exteriormente, lo realmente cierto es que lo que reflejaba en cada uno de sus personajes no era mas que el alma del condenado, del condenado eterno, en una infinita lucha entre el bien y el mal.

Su obra no solo nos llama poderosamente la atención por su temática, hasta ahora irrepetible, sino por la perfección en la composición de los temas.

La nave de los locos

La nave de los locos, fue concebida, casi con toda seguridad hacia 1490. Dicha obra la podemos contemplar en El Museo del Louvre,en París. En dicha composición podemos observar la figura de un fraile y una monja tocando el laud, en tanto están sentados en una barca. Cantan o intentan coger con la boca una galleta que cuelga de una cuerda.  Sobre la tabla de madera hay un plato de cerezas y un vaso que tal vez contiene dados.

Una embarcación llena de locos era una imagen común para los contemporáneos de El Bosco, toda vez que en los cortejos de carnaval desfilaban sobre ruedas en las que se agitaban locos personajes.  Los demás acompañantes que van en la barca parecen alegres y contentos, a excepción de un personaje, el hombre con traje de bufón que aparece de espaldas al grupo, en tanto bebe tranquilamente el contenido de un bol; en cualquiera de los casos podríamos decir que medita sobre la situación.  El disfraz de bufón era muy popular en los tiempos de El Bosco, abundando en la corte de los grandes señores, así como los que disfrazaban de locos el Martes de carnaval, incluso llegaban a organizar fiestas de eso, de locos. Este hombre, disfrazado de bufón es un loco que no tiene nada en común con los demás que aparecen retratados por El Bosco, es alguien que no sigue las costumbres. Los demás pasajeros vienen a representar el tipo del loco antiguo, viven en el pecado, en vez de dirigir su existencia, la que transcurre en la barca hacia el reino de Dios.

De esta forma, El Bosco nos presenta en esta su obra, dos concepciones de la locura, la de los hombres de la Edad Media y la de los comienzos del Renacimiento. En definitiva es un documento gráfico de la transición de una época. Además, con independencia de su fantasía, caprichosa y alucinante, muestra un gusto mas que refinado por el arte pictórico, y prueba de ello son las manchas de luz que reflejan el disfraz de seda verde que viste el bufón, que destaca sobre el total del grupo retratado.

La tabla completa y el detalle del bufon

Detalle de la monja y el cura

La obra pictórica de EL BOSCO es del todo única y original y una de las creaciones mas fantásticas que se hayan visto jamás. 

Entre otras obras de EL BOSCO, seguro que reconocéis algunas de ellas, de las que a continuación os hago exposición.

El jardín de las delicias (tríptico abierto)

El jardín de las delicias (tríptico cerrado

En esta bellísima obra, El Bosco nos lleva a una especie de laberinto en el que la variedad de motivos utilizados nos extravía por la sencilla razón de que no nos ofrece un hilo inicial conductor. En esta tabla nos encontramos desde un mundo vacío, en sus inicios, hasta llevarnos en un viaje, que se nos antoja eterno, por la historia de la Humanidad. Si observamos el tríptico cerrado vemos la Creación del mundo anterior a la humanidad, reservada a la cara interior. En el interior, la lectura nos lleva primero por la creación de la pareja humana en el Paraíso, que aparece representada en el ala izquierda del retablo; el panel central nos muestra todo un mundo lleno de gozo y sexualidad, con escenas desbordantes de armonía, amor, sabiduría y verdad. En el panel de la derecha nos insiste en las consecuencias debidas a la depravación de los deseos carnales...con la caída al Infierno.

El Bosco fue siempre un hombre que exhortó a sus contemporáneos a que su espíritu no se extraviase y reflexionara sobre el final que les esperaba.

Otras obras de El Bosco:

La extracción de la piedra de la locura

La mesa de los pecados capitales

El carro de Heno

La epifania (retablo cerrado)

La Epifanía (retablo abierto)

La exploración del mundo que nos presenta El Bosco no sólo llenaba de asombro a sus contemporáneos, sino también de temor, pues para aquellos el Infierno era real de la misma forma que lo era el diablo.

No podemos evitar la fascinación que nos ofrece la obra de El Bosco, fue un pintor crítico con su época, y supo, de forma clara y evidente, mostrarnos esa crítica acudiendo a su concepción de lo que era su visión del mundo. Un mundo que, en definitiva, sigue siendo el mismo en el que vivimos, lleno de los mismos males. El Bosco había disfrazado sus verdades con libertad poética. Su mérito principal fue sacar a la luz el mal del hombre con su caos, con su pecado, y no cabe duda, que para ello no existían en la tradición pictórica límites que pudiera contravenir. Ese es su principal mérito.

BUEN DIA A TODOS

Sam Smith - I'm Not The Only One (Official Audio)

BUENAS NOCHES A TODOS MIS ESPECIALES Y SIEMPRE QUERIDOS AMIGOS DE LA MUSICA QUE TAN BUENOS MOMENTOS NOS HACE PASAR, COMO ESTOS QUE ESTÁIS DISPUESTOS A ESCUCHAR A CONTINUACIÓN. NO LO DUDO. BYE, LOVERS.

LOS ROSTROS DE YAN PEI MING

Buen día mas que estimados amigos, hoy volvemos al siglo XXI, después de que durante dos o tres días nuestra actividad nos haya remontado siglos atrás, y lo hacemos con la participación de un artista formado académicamente en China, si bien desde que apenas tenía veinte años se estableció en Francia, siendo dicho país desde el que ha proyectado toda su obra.

Este artículo es la impresión, la mía, por supuesto, que me ha producido la entrevista que YAN PEI MING ha concedido a la siempre interesantísima revista "Tendencias del Mercado del Arte" (desde aquí mi agradecimiento a todos aquellos que contribuyen a su mensual publicación), explicando y dando a conocer lo que es su visión del mundo, su arte y su forma de expresión de éste.

Así que espero haber captado bien la intención de Yan con sus respuestas a sencillas preguntas, pero que nos dan una imagen clave de su personalidad.

Yan Pei Ming

Yan Pei Ming nació en Shangai, en 1960, siendo el primer artista chino que consiguió exponer en el Louvre, y hoy es paradigma de lo que es la historia de nuestro tiempo. 

Su fama le vino fundamentalmente de sus retratos de Mao, realizados exclusivamente en blanco, rojo y negro, y que fueron sumamente impagtantes por el equilibro en su composición. Yan Pei Ming ha admitido siempre ser un apasionado de Goya, sobre todo, con  su obra, Los fusilamiento del 3 de mayo, porque para el es transcendental el reconocimiento de la presencia de la muerte. 

Utilizando sus propias palabras: "Quiero crear un universo singular y oscuro".

Mao

Ya Pei Ming está representado por la mas que poderosa Galería David Zwirner, y recientemente, ha visitado Barcelona como presidente del jurado del Premio Canson, que se celebró en la Fundació Miró de Barcelona, siendo ésta su cuarta edición.

De esta forma ha podido conceder esta entrevista de la que entresacamos algunas de sus ideas y vivencias mas profundas.

Para Yan Pei Ming fue fundamental su primera exposición colectiva, que tuvo lugar en Paris, en 1988. Dicha muestra tuvo como título  "Ateliers 88", y se llevó a cabo en el ARC-Musée moderne de la ville de Paris. La oportunidad que poder exponer junto a distintos artistas le catapultó al conocimiento de su obra por parte de un público amplio.

Yan Pai Ming es sincero al admitir que su vida cambió con su llegada a occidente, donde conoció lo que es "la libertad de pensar", lo que le supuso la expresión de la misma y de actuación, lo cual le valió para desarrollar su mundo artístico.

Yan Pei Ming confiese abiertamente que es la muerte su fuente principal de inspiración, de la misma manera que lo es para diferentes formas de expresión artísitica. Es algo inevitable.

Su obra principal trata el tema del retrato, y para ello se ha servido en innumerables ocasiones de su padre, al que ha utilizado para plasmar todo tipo de sentimientos y emociones, y en cierta forma, es una mas que definitiva expresión de todo lo que aquél significa para él. 

Invariablemente, también ha retratado a numerosas personalidades, tanto del mundo de la política, de la sociedad, del cine, de la música, y lo ha hecho de forma espóntanea, raramente, acepta encargos, sino que escoge el mismo el modelo, del que le atrae su vida, y su tragedia.

Pese a cultivar el retrato Yan Pei Ming manifiesta no tener un ideal de belleza. Sí que sabe definir cual es el ideal de felicidad del mundo actual: el dinero. Sin dinero, no eres nada. Ello es, sin lugar a dudas, una tragedia para nuestra sociedad. Mas Yan Pei Ming tiene bien claro que lo importante de la vida es eso ¡vivirla!, pues nadie se lleva el dinero a su tumba.

Sobre el hecho de por qué utiliza ante todo los colores blanco y negro es porque le gusta mucho el cine y las fotografías. Esa ausencia de colores intenta que le sirva de alejamiento de los maestros antiguos, en los que, precisamente, el colorido, era característica singular de su obra.

Yan Pei Ming ama la oscuridad, la noche, el silencio, y lejos de ser un hombre complicado o díficil de entender por lo que respecta al contexto de su obra, ésta habla por él. 

La obra de Yan Pei Ming está considerada como una de las referentes artísticas del momento, baste para ello tener en cuenta la Galería que le representa, y esperamos que, en un futuro no muy lejano podamos contar con una exposición suya patrocinada por alguna de nuestras Fundaciones que nos ofrecen lo mejor que el arte internacional tiene considerado como tal.

Hasta pronto, YAN PEI MING.

El estudio de nuestro protagonista de hoy

BUEN DIA A TODOS

Justin Timberlake - TKO

BUENAS NOCHES A TODOS, AUNQUE HOY CON ALGO DE RETRASO, MAS TRATÁNDOSE DE JUSTIN TIMBERLAKE YO ESPERO LO QUE HAGA FALTA. DISFRUTAD DE ESTE CHICO, LA QUE PUEDA, CLARO¡ BYE, LOVERS.

JOHN MILTON: EL PARAISO PERDIDO.

JOHN MILTON

Buen día, estimados amigos, hoy nos vamos de recorrido literario por la vida .

del poeta ingles JOHN MILTON y una de sus obras, calificada como una de las obras cumbres de la poesía inglesa de todos los tiempos: EL PARAISO PERDIDO.

No cabe la menor duda que sobre la vida de John Milton se sabe mucho mas que sobre la que fue de Shakespeare, pues a ambos les tocó vivir la misma época, mas Milton no fue un hombre fácil, su carácter no invitaba, precisamente, a su conocimiento personal; eso sí, era una persona del todo íntegra, mas era terco, inflexible e impaciente. Ello nos lleva a admirarle como genio, aunque no sintamos la misma cercanía emocional que podemos sentir hacía Shakespeare o a cualquier otro escritor que hubiera hecho mas por acercarse, amistosamente, al prójimo. 

John Milton nació en Londres en 1608, y falleció en dicha ciudad, en 1674. Su padre era notario y un gran apasionado por la música, por lo que le animó a estudiar las lenguas clásicas, griego, latin y hebreo, amen de varias lenguas modernas. Milton tenía una mente privilegiada, superior a cualquier joven de su misma edad. Realizó sus estudios en el Christ´s College de Cambridge, y después de de varios años de posgrado viajó a Italia, para reforzar su italiano, donde escribió una serie de poemas en ingles que fueron conocidos como los "cognoscenti".
Pero Milton solo se estaba preparando para que la quería que fuera su gran obra épica del inglés, de la misma forma que Homero escribió la del griego, y Virgilio la del latín, en tanto Dante, nos ofreció su Divina Comedia, en italiano.

Es de significar que la primera intención de John Milton a la hora de escribir su epopeya tuvo como tema elegido las magnificas historias antiguas sobre la corte del Rey Arturo y los mas que conocidos caballeros de la Tabla Redonda. Hacia 1639 ya estaba preparado para escribir su obra, mas hechos inesperados llevaron al traste tal resolución, y estos hechos no fueron otros que los conflictos religiosos que se vivían en Inglaterra desde el siglo XVII, que amenazaban una guerra civil. John se mostró partidario de aquellos a los que el rey calificaba de "rebeldes". Oliver Cromwell consiguió derrotar al rey Carlos I que fue decapitado en Whitehall, el 30 de enero de 1649 , y Miltón justificó tal acción. Su trabajo consistía en ser lo que hoy se puede conocer como "secretario de prensa", pues era el suyo el de dar comunicados a los gobiernos extranjeros. 
Desgraciadamente, y debido a una enfermdad congénita, con tan solo 44 años, en 1642, Milton se quedó ciego, lo que no le impidió seguir trabajando. Con la muerte de Oliver Cromwell, Carlos II regresó de Francia para coronarse como nuevo rey de Inglaterra, lo que supuso un grave problema para Milton, un problema hasta de supervivencia. Mas la generosidad sobrevenida en última instancia le salvó la vida.
Es partir de entones cuando Milton estima que debe dedicar su vida a defender la libertad de Inglaterra, y para ello, ya no le resultaba suficiente y conveniente le historia de ésta última, sino que sería necesario un tema heroico, una historia que contada resultase magnífica, la historia de la propia humanidad, el relato de la pérdida del Eden, por lo que el hombre y la mujer perdieron todos sus privilegios.

Ilustración de El Paraiso Perdido por Gustave Doré

De esta forma, Milton se puso a trabajar de una forma concienzuda y casi obsesiva, se levantaba muy temprano y componía sus versos de forma mental. Si bien algo podía escribir, en su mayor parte, muchos de sus versos fueron escritos por sus sobrinos al dictado de Milton.

Así de esta forma se escribió EL PARAISO PERDIDO, que fue publicado en 1667. De él podemos decir que sobrepasa los 10.000 versos sin rima. El poema en cuestión, como ya he indicado, es una epopeya acerca del tema bíblico de la caída de Adan y Eva, haciendo especial relevancia en el problema del mal y el sufrimiento en el sentido -que siempre ha estado presente- de responder al dilema de por qué un Dios bueno y todopoderoso decide permitir todo ese sufrimiento y dolor si puede evitarlo.

Nos presenta, además, una exacta descripción psicológica, principalmente, de los "protagonistas principales" de la obra. Dios, Eva, Adam y el diablo. Es curioso significar que tanto el cielo como el infierno están representados como estados de ánimo (lo que en definitiva, puede considerarse un avance en dicho aspecto) y no como espacios físicos.

La obra se desarrolla partiendo del Infierno, y en el se nos da cuenta de los estados de insatisfacción y desesperación de quienes lo "habitan", y es así que Satanás, al que define como el sufrimiento, toma venganza de Dios, de una forma indirecta, utilizando para ello  a su seres recién creados que viven en una perfecta armonía.

No cabe la menor duda que la figura principal de la obra es Satanas al que se le atribuye la antedicha frase: "Mas vale reinar en el Infierno, que servir en el Cielo". Nuestro soberbio y altivo Satanás fue condenado al Infierno después de que la rebelión que quiso llevar al reino de los cielos fuera un total fracaso. Según Satanás todos los seres no merecen la libertad, por la simple razón de que los ángeles son ya autónomos de por sí y de esta forma elimina la autoridad que Dios tiene sobre ellos.

Satanás es un ser muy bien descrito y definido por Milton, quien insistió en remarcar su carácter persuasivo; es así que a sus ángeles seguidores les manifiesta el por qué deben de tratar de derrocar a Dios; pues todos ellos deberían tener los mismos derechos. 

Ilustración de Gustave Doré

Otra figura fundamental en la obra es la de Adan, el primer ser humano creado por Dios en el Eden. Milton nos lo presenta mas inteligente que Eva y también mas fuerte, no solo físicamente, sino desde el punto de vista moral. El Angel Rafael es el encargado de hacerle una serie de preguntas que nos llevan a esa conclusión, Adán es curioso, e intelectual, cualidades que no se le otorgan a Eva, la segunda de las creaciones de Dios, formada a base de una costilla de Adan. Nos la presenta como el modelo de mujer fiel, amorosa y sobre todo sometida a su pareja-eso sí, por libre voluntad de ella-. Es fundamentalmente hermosa, y Adán lo sabe, mas ella también. 

(Hay que tener bien en cuenta que las características tanto morales como físicas que Milton brindó a sus personajes no son mas que un reflejo de las costumbres de su época, sobre todo en lo relativo a la condición femenina).

La figura del Hijo de Dios en el Paraiso es Jesucrito, si bien no se le nombra expresamente, puesto que aún no ha pasado por forma humana. Aparece dotado de un gran poder, y se enfrenta a Satanas derrotándole; no obstante, su auténtica misión será para la que el mismo se ofrezca: salvar a la Humanidad.

Dios el Padre, el es el creador del Jardín del Eden, del Cielo y el Inierno amen de todos los personajes que en el se sitúan. Según opinión de Miltón, la máxima autoridad de Dios deriva de ser el "autor" de la creación, en tanto que Satanas intenta justificar su rebelión negando este aspecto de Dios padre.

La figura del Angel Rafael nos la perfila Milton como el enviado por Dios para advertir a Adán sobre los peligros que Satanás le va a suponer en el Edén.

El Angel Miguel es el enviado por Dios, después de que Adan y Eva hayan desobedecido a este y les sirve de acompañante en su expulsión del Paraiso.

Es entonces cuando ambos, Adan y Eva dan la espalda al Paraiso y se dirigen a su nueva vida.

"Su llanto, natural, muy pronto fue enjugado.

El mundo todo ante ellos, podían elegir

su lugar de reposo, guiante Providencia;

asidos de la mano con paso incierto y lento

cruzaron el Edén por senda solitaria".

Ilustracion por Chris Tellier

La historia de Adány Eva es mucho mas que un cuento bíblico. Es una especie de recomendación a todas las parejas de recién casados en el sentido de que deben vivir una experiencia y un padecimiento similares.  El Paraiso Perdido no es, en consecuencia, la mayor creación literaria del Barroco: es una historia para cualquier persona de cualquier época. Además, también es una honda apología de la religión cristiana, que puede llegar al mas duro de los corazones.

Su estudio y lectura ha estado siempre presente a lo largo de todos estos siglos y fue traducido, en numerosas ocasiones, fundamentalmente, durante la Ilustración europea del siglo XVIII.

Es de significar que ya al final de sus días, Milton escribió una especie de continuación de El Paraiso Perdido, que se tituló El Paraiso Recobrado. No tiene la brillantez del primero, pero si es una obra interesante.

Si William Shakespeare está considerado como el mas grande de los poetas ingleses, sin duda, Milton, ocuparía el segundo lugar. Milton escribió obras magnifícas, amén de que compuso una gran cantidad de poemas líricos, en  su conjunto, merecerían la misma o mayor estima que EL PARAISO PERDIDO.

Y con uno de ellos termino este "post":

"Gloria es alzar el ánimo caído

-esa postrer flaqueza del ingenio-,

dejar goces y hacerse laborioso;

mas cuando el galardón hallar pensamos

y creemos ya arder en resplandores,

viene la ciega Furia y sus tijeras

los tenues hilos de la vida cortan"

BUEN DÍA A TODOS AMANTES DE LA LITERATURA