Future Islands - 'The Tower' (Official Video)

BUEN DÍA

SÓLO NOS QUEDA LA MÚSICA

 

LOS NIÑOS DE LÍDICE (HISTORIA DE UNA MASACRE)

El arte debe servir para hacernos conscientes de cuánta belleza existe en el mundo en el que vivimos, más también debe serlo como forma de denuncia de situaciones personales, sociales que están o han estado llenas de dolor y sufrimiento.

A través de la mirada de una tercera persona podemos adquirir el conocimiento necesario para juzgar el horror que la historia no debe olvidar.

La escultora checa MARIE UCHYTILOVÁ, nacida en Královice en 1924 y fallecida en Praga en 1989 nos legó un testimonio del todo escalofriante, pues tiene como temática una masacre ocurrida durante la Segunda Guerra Mundial, siendo su escenario el pueblo checoslovaco de LÍDICE, que fue  destruido por las fuerzas de ocupación, y todo ello como consecuencia del asesinato del jerarca nazi Reinhard Heydrich.

En la mañana del 27 de mayo de 1942, Heydrich se dirigía en su descapotable al Castillo de Praga en el sector de Holesovice, siendo atacado por dos guerrilleros de la resintencia checa, Jozef Gabeik y Jan Kubis; ambos habían sido entrenados en el Reino Unido y formaban parte de la Operación Antropoide. Pocos días después Heydrich fallecería en el hospital, como consecuencia de una septicemia, lo que provocó la ira de Hitler, dando orden expresa de capturar a ambos.

Pero nunca imaginó la resistencia checa hasta qué punto podría llegar la venganza de Hitler, para lo que las fuerzas alemanas rodearon el pueblo de Lídice, así como Lezáky, ambos escogidos por ser muy contundentes contra la ocupación nazi.

Toda la población fue sacada de sus casas, los hombres mayores de 15 años fueron separados del resto y trasladados a un granero, donde fueron todos ellos fusilados; muchas mujeres y niños fueron trasladados al campo de concentración de Ravensbrück, muriendo casi todos ellos en las cámaras de gas o por inanición. Hasta los animales domésticos, las mascotas fueron sacrificadas, e incluso destruido el cementerio, siendo exhumados los restos de los ya fallecidos, a fin de despojarles de las posibles joyas que pudieran tener

En el caso de los niños, aquellos que tenían rasgos arios fueron separados del resto y enviados a familias alemanas. 

De los 503 vecinos de Lídice los alemanes asesinaron a 340, de los 88 eran niños.Por lo que respecta a la aldea de Lezaky, cuya población eran mucho menor, 33 personas de entre 14 y 84 años fueron fusiladas, y 11 de un total de 13 niños gaseados en un campo de exterminio, únicamente dos niñas lograron sobrevivir al tener rasgos arios.

Y si con la matanza no hubiera sido más que suficiente el horror, continuaron arrasando ambas aldeas, limpiando todo tipo de rastro, como si nada hubiera sucedido. Tal fue la crueldad de este hecho que conmocionó al mundo y en distintos países se fundaron pueblos con el nombre de Lídice, en Brasil, México, Ecuador, Panamá, Israel, Venezuela, Perú, EE.UU., Uruguay y Cuba.

Una vez finalizada la Segunda Guerra Mundial sólo Lídice fue reconstruída, y toda la zona fue considerada terreno sagrado en la República Checa.

En el lugar donde se encontraba la aldea de Lezaky existe diferentes lápidas de piedra con cruces latinas, en las que aparecen los nombres de todas las víctimas de tan horrible masacre.

Es a Marie Uchytilová a quien debemos el monumento en recuerdo de los 82  niños masacrados, un grupo escultórico en el que empezó a trabajar en 1980, y que tardó veinte años en terminar. La obra escultórica en cuestión está situada en el emplazamiento de la antigua ciudad de Lídice, bajo el nombre de "Monumento a los niños víctimas de la guerra" está compuesta de 82 estatuas simbólicas de cada uno de los pequeños asesinados (40 niños y 42 niñas) realizadas en bronce, de edades comprendidas entre 1 y 16 años,  si bien no se trata de retratos. Esta inmensa labor la pudo llevar a cabo gracias a la ayuda de su esposo, también escultor, Jirím V. Hamplem, y a pequeñas aportaciones individuales, hasta que la ayuda definitiva vino de la localidad danesa de Albertslund. El conjunto escultórico está orientado de forma que los niños puedan ver la tumba de sus padres, abuelos y amigos.

Toda la zona está rodeada de un área que rinde tributo a todos los fallecidos, y en la que se ubica un museo y una sala de exposiciones; en 1955 se instaló un jardín de rosales, que fue sustituido y ampliado por otro con un total de 21.000 rosales.

Cualquier forma de violencia, cualquiera que sea la etapa histórica que hemos conocido a través de los libros o la que vemos y escuchamos diariamente a través de diferentes medios de comunicación, es tanto o más terrible que la que se ve reflejada en este conjunto escultórico, siendo siempre los más pequeños, los niños, las víctimas de todo conflicto, no importa su raza, ideología, religión. Hoy más presente que nunca.

La escultora Marie Uchytilová había unido a su obra en homenaje a estos pequeños el siguiente texto:

"En nombre de la paz entrego a los 82 niños de esta nación a su planicie natal en forma de símbolo de advertencia y recuerdo a los millones de niños asesinados en las guerras desencadenadas son sentido alguno por habitantes de la Tierra. A través de las escultura envío a las naciones un mensaje de entendimiento. Espero que junto a este símbolo de la tumba coletiva de los niños de Lídice lleguen a reconciliarse los vecinos uno con los otros".

Fuentes:
Wikipedia.
https://español.radio.cz

SHINOVA - ALAS (Videoclip oficial)

BUENA NOCHE

BUENA MÚSICA

 

RENÉ MAGRITTE.- LA TEMÁTICA RECURRENTE DE LAS MANZANAS.

Entre lo visible y las diferentes formas que puede llegar adoptar para manifestarse, y lo invisible existe un sin fin de posibilidades que nadie como RENÉ MAGRITTE supo captar a través de sus diferentes obras pictóricas, conviniendo un singular aspecto de incertidumbre y de misterio.

Y es que en lo que vemos como apariencia de las cosas reside un elemento oculto, que nos impide penetrar hasta el fondo en su naturaleza.

Uno de estos elementos que forma parte de nuestra realidad cotidiana es una "manzana", más para René Magritte una "manzana" no es sólo eso, sino que viene a expresar a través de su presencia recurrente en sus obras una realidad que  puede ponerse en duda e incluso llegar a cuestionarla.

Magritte nació en Bélgica el 21 de noviembre de 1898, su padre era sastre y su madre modista, y cuando ésta se suicidó -René contaba con sólo 14 años- el joven pasó a crecer bajo la custoria de su abuela. Es de significar, por lo que respecta a la muerte de su madre que ésta se arrojó a las aguas del Sambre, y que su hijo nunca vio el cadáver de su madre al ser recogido de las aguas del río, y le quedó un triste recuerdo: el de su rostro cubierto por una camisa de dormir.

El arte de pintar lo convierte Magritte en algo mágico, nos hace sentir que posee ciertos poderes sobrenaturales que nos alejan de todo tipo de convención.

Sus primeras obras impresionistas las expuso en 1920, si bien en ellas se veía una clara influencia del orfismo, el cubismo, el purismo y el futurismo, si bien a partir de 1926 su estilo pasó a ser puramente surrealista; lo que viene a definir inicialmente el trabajo de Magritte es el hecho de situar objetos de lo que es la realidad cotidiana en escenarios y contexto del todo insólitos, creando un desafío excepcional en el público.

Después de varios años de búsqueda de un reconocimiento internacional, éste le llegó en 1950, gracias a su unión al manifiesto El surrealismo a plena luz del sol, marcando las distancias del surrealismo ortodoxo, tal y como se conocía en París.

René Magritte es un pintor de ideas y pensamientos, no sintetizó en un tema particular, de la misma manera que jamás trabajó en estudio alguno, sino en lo que era el salón de su casa. Es así que su trabajo impresiona en gran medida por su sensibilidad, esa esencia invisible que quienes  participamos del amor por el arte sabemos captar.

El hecho de que determinado elemento sea utilizado recurrentemente por este artista viene a crear en el espectador que lo contempla el sentimiento de un enigma, la duda sobre qué nos quiere transmitir, para Magritte la "manzana" simboliza la tensión persistente entre lo oculto y lo que nos resulta visible, por lo que en algunos casos llegó a utilizar una "manzana" para tapar su rostro.

La "manzana" se convierte en protogonista principal de algunas de sus obras más significativas. Magritte se sirvió por vez primera de la manzana no en un cuadro, sino para la portada de una publicación, concretamente para la portada de diciembre de 1946 de la revista View, dibujando una manzana enmascarada; curiosamente, le gustó mucho  el resultado de su creación y retomó este diseño en la publicación Modernités, si bien eran dos las manzanas enmascaradas, bajo el título de Vals Vacilación,  llamando especialmente la atención el hecho del ambiente de oscuridad en la que están ambas manzanas y el fondo brillante y claro que las rodea.

Este sistemático empleo en la obra del artista de la manzana puede aludir al pecado (Adán y Eva), la tentación e incluso la inmortalidad.

Sus obras más destacadas y conocidas con "manzana" son las siguientes:

LA HABITACIÓN PARA ESCUCHAR, 1952.

Esta obra forma parte de la colección Menil, en Houston, si bien en 1958 se realizó otra versión que está en manos privadas. No obstante, la manzana es la misma en ambos cuadros, la cuestión es qué nos quiso transmitir Magritte situando una manzana enorme, encerrada entre cuatro paredes, y además la titula "La habitación para escuchar". Es evidente que Magritte invita al espectador no sólo a escuchar, sino a mirar, pensar, meditar. El hecho cierto es que desde hace siglos de historia de la humanidad la manzana, como fruto del árbol del conocimiento, es también el fruto prohibido , el impulso primero de lo que conocemos como tentación.

Esa constante invitación a pensar tomando como base objetos cotidianos que nos pasan desapercibidos en nuestro día a día es un acto no sólo simbólico, sino que viene a esconder algo que no es tan sencillo como resulta en su apariencia.

HIJO DEL HOMBRE, 1964

Siempre se ha supuesto que este cuadro es un autorretrato de Magritte, si bien no se le ve la cara pues la tapa una manzada que vuela y gira a la vez, más si nos fijamos a través de las hojas de la manzana el retratado observa detenidamente al espectador, sus ojos pueden ver a través de ella. Y no sólo eso nos desconcierta, sino el mismo título del cuadreo "El Hijo del Hombre", aunque parezca un tanto simple; existen variadas teorías sobre el significado del cuadro, quizá la más acertada sea la que afirma que se trataría de una representación del Adán moderno, es así que la fruta simboliza las más que diferentes tentaciones que nos ofrece la vida moderna aún no disfrutadas, pues la manzana aparece sin morder.

El propio René Magritte respondió una vez a la pregunta que ahora planteamos, de la siguiente manera:

"La manzana oculta lo visible pero oculta el rostro de la persona. Detrás de todo lo que vemos se esconde otra cosa pero siempre queremos ver lo que está oculto por lo que vemos. Hay un interés en lo que está oculto y lo visible, que no se muestra. Este interés puede provocar un sentimiento muy intenso, una especie de conflicto, se podría decir, entre lo visible, lo oculto y lo visible que está presente".

En resumidas cuentas René Magritte acierta afirmando el interés que todos manifestamos por saber lo que hay detrás de cada una de las personas que vemos y ese conflicto o duda que crea el no conocer la verdadera identidad de todo ser que nos mira y nos conoce, en tanto nosotros no sabemos nada de él, nos obliga a imaginarnos en qué medida es como persona, ante la posibilidad de sabernos inferiores.

ESTO NO ES UNA MANZANA, 1964.

Evidentemente, y aunque a simple vista no caigamos en la cuenta de la veracidad de lo que Magritte afirma y lo que vemos: Esto no es una manzana, sino sencillamente la representación o dibujo de una manzana, algo muy distinto.

No hay nada más irreal que aquello que vemos representado ante nuestros ojos, una manzana, con el interés que nos despierta Magritte por lo que supone la naturaleza ilusoria del arte.

Como buen surrealista Magritte indagó en lo que desconocemos del sueño y lo imaginario, lo insólito, e incluso lo sórdido como fuente de inspiración, una fuente eso sí del todo libre, si bien prevaleció, en gran medida, la simbología sexual, metarfoseando los objetos haciendo que parecieran estar dotados de vida, así como al contrario, fragmentó los elementos anatómicos -que, en gran medida vienen a esconder nuestros fantasmas- haciendo de ellos lugares imaginarios y absurdas apariencias.

Para Magritte el título de todas y cada una de sus obras es la clave para resolver el enigma que plantea. 

Indagar en lo visible, lo oculto y lo visible que se esconde es ardua tarea que nunca termina. 

Fuentes:

Wikipedia.

Tendencias del Mercado del Arte.

Movimientos de la Pintura.

MAGRITTE. Taschen

The National - Dreaming (Official Video)

BUENA NOCHE

BUENA MÚSICA

 

LA TUMBA DEL NADADOR (PAESTUM).

 

Con el nombre de PAESTUM -antigua ciudad magnogriega de Poseidonia o Posidonia- se reconoce una importante ciudad grecoromana situada en la región italiana de Campania, y que se sitúa a 40 km. al sureste de Salerno y a 92 km. de la ciudad de Nápoles, siendo considerado este excepcional sitio arqueológico como Patrimonio de la Humanidad por la Unesco desde 1998.

Situada a unos 7 km. al sur de la desembocadura del río Silario Paestum fue fundada por los griegos de Sibaris bajo el nombre de Posidonia, en una fecha hasta el momento indeterminada, si bien probablemente lo fue a final del siglo VII a.C. o en la primera mitad del siglo VI a.C.

Su etapa de mayor esplendor podemos situarla entre los siglos VI y V a.C., debiendo su denominación griega a Poseidón, el dios del mar.

A través de los más que abundantes estudios y excavaciones arqueológicas realizadas sabemos que contaba con un gran ágora y excepcionales santuarios, entre ellos edificios dedicados al culto, adornados por espléndidas metopas, en las que podían observarse numerosas imágenes de mitos griegos.

Fue en el año 1968 como consecuencia de diferentes trabajos de excavación llevados a cabo en las necrópolis del yacimiento, y que tenían como finalidad conocer en profundidad la historia cultural y social de dicho enclave, que se descubrió una tumba de carácter excepcional.

La tumba tenía forma de caja, y tanto lo que es el interior de sus cuatro paredes, que presentan la escena de un simposio como su cubierta se encontraban decorados con un conjunto de pinturas de una excelente calidad artística, que pueden considerarse modelo de lo que fue el arte pictórico griego en el año 480 a.C. Curiosamente, se ha llegado a la conclusión de que fue pintada por dos artistas diferentes.

En la tumba en cuestión no se encontraron datos relativos a la identidad del fallecido ni tampoco a su condición social, si bien aparecieron diferentes ofrendas funerarios; los trabajos de los arqueólogos descubrieron en las paredes laterales una serie de pinturas, entre las que destacan imágenes de un banquete formados por varias parejas, y escenas con cierto marcado erotismo. No obstante, es la escena que recoje la cara interna de la losa que cubre la losa la que llama la atención por su belleza y signficado: en un paisaje natural, un efebo desnudo se lanza de cabeza al mar desde una torre: este fresco es el que dio nombre a la tumba bajo la denominación de "Tomba del Tuffatore" o el nadador de Paestum.

Evidentemente desde su descubrimiento han sido variadas las interpretaciones de este bellísimo fresco, y se ha venido considerando que el salto del joven hacia el mar simboliza el tránsito de la muerte hacia la vida eterna.

No obstante, el arqueólogo y clasicista Tonio Hölscher en su libro "El nadador de Paestum", que hace especial alabanza a lo que signfica el mundo de la belleza, la juventud y la siempre relación entre el mar y la naturaleza, considera que las imágenes con las que se adornaban las tumbas venían a destacar no ya sólo la posición social del fallecido, sino su forma de entender la vida y la muerte, por lo que pasamos de considerar esta manifestación artística de simbólica a realista.

Es de destacar que este tipo de enterramiento era muy común en Paestum; el hecho de que la imagen del nadador se haya conservado en tan buen estado lo ha sido por la sencilla razón de que la tumba quedó sellada para siempre, y no sirvió para otros enterramientos de familiares como era también habitual en otras culturas.

Son más que abundantes las escenas en las que la caza y la pesca son habituales en la cerámica ateniense, y es que el hecho de lanzarse al agua era considerado una prueba de capacidad atlética y viril, lo que venía a considerarse como el paso de la adolescencia a la edad adulta.

Con independencia de este culto a la belleza del cuerpo, el enterramiento también nos ofrece la cultura de la mesa o banquete, más es la imagen que nos ofrece el joven nadador la que nos llega incluso a producir cierta perturbación, al conseguir reunir la belleza de la plástica con un cuidado misterio, el hecho de por qué se eligió esta imagen del joven lanzándose al mar, a modo de símbolo existencial, formando una linea divisoria entre la vida y la muerte.

En la actualidad la tumba se exhibe en el Museo Arqueológico Nacional de Paestum.

 

Fuentes.

Wikipedia.

https://www.elespañol.com

https://www.elpais.com

ENEAS, ANQUISES Y ASCANIO (la primera gran obra de GIAN LORENZO BERNINI)

Autorretrato de Gian Lorenzo Bernini

La larga y fructífera vida de GIAN LORENZO BERNINI, polifacético artista italiano, destacado pintor, escultor y arquitecto, fue una continua manifestación de lo que supone el éxito de este artista nacido en Nápoles (Italia) en 1598 y fallecido en 1680; tal fue su influencia en el mundo artístico de su época que llegó a convertirse en genio indiscutible de la Roma de gran parte del siglo XVII.

Bernini debe su fama fundamentalmente a sus obras escultóricas y arquitectónicas, si bien también trabajó el retrato; el hecho de que se convirtiera en favorito de los papas contemporáneos con su carrera artística le llevó a ser artista preferido de la nobleza romana. Indudablemente no podemos concebir el Barroco italiano sin la presencia de Gian Lorenzo Bernini quien a tenor de su estilo retórico y grandielocuente se convirtió en la personificación del perfecto artista barroco.

David

Apolo y Dafne

Alma maldita

La primera de todas las obras escultóricas de Bernini que le supuso el reconocimiento de los grandes mecenas de Roma, a los que dejó impresionados por su jovencísimo talento fue un grupo escultórico en mármol, realizado entre los años 1618 y 1619, cuando Bernini contaba apenas veinte años, y que se conoce con el nombre de los personajes que viene a representar "ENEAS, ANQUISES Y ASCANIO", actualmente conservado en la Galería Borghese de Roma, en el que trata una escena que fue descrita por Virgilio en uno de su poema épico "La Eneida", y que viene concebida en razón a la salida de Eneas junto a su familia de Troya.

Existen voces que nos hablan sobre la posible colaboración de Gian Lorenzo Bernini con su padre Pietro, toda vez que los trabajos escultóricos de este último llegaron a alcanzar por aquella época gran fama, máxime gracias a la divulgación que le otorgó el Papa Pablo V.

Este singular grupo escultórico fue un encargo del cardenal Scipione Borghese, gran admirador de todo lo que suponía la belleza física del cuerpo humano, y en él podemos encontrar reminiscencias de otros grandes artistas como Miguel Ángel Buonarroti, como es el caso del Cristo que decora el interior de la basílica de Santa María sopra Minerva, por lo que respecta a la figura de Eneas, así como a la escultura realizada por Pietro Bernini, ubicada en la Capilla Barberini de la Basílica de Sant´Andrea della Valle.

La escultura realizada en mármol blanco alcanza una altura de 2,2 metros y está situada sobre un pedestal de 113 centímetros. Son tres las esculturas que la conforman, tres generaciones de la familia de Eneas, el conocido héroe troyano, al que acompaña su padre Anquises y su pequeño hijo Ascanio; si bien la epopeya de la huída de la ciudad de Troya también menciona la presencia de la esposa de Eneas, Creusa, ésta no aparece en la escultura, pues los dioses tienen previsto para ésta un destino del todo diferente: Afrodita la hará desaparecer y sólo volverá a hablar con Eneas una única vez, convertida en una mera sombre. Todo ello tal y como relata Virgilio en su epopeya épica, La Eneida, en el siglo I a. C., y siendo los descendientes de Eneas los fundadores de Roma.

Esta obra maestra del Barroco adquiere la propiedad de una especie de torre, pues son varios los personajes que la conforman, si bien está configurada como una única pieza.

Es así que podemos observar a Eneas, sosteniendo en brazos a su padre Anquises, al que sitúa sobre sus hombros, en una postura que nos sugiere un equilibrio total, estática, trabajando la composición según una técnica cuya base teórica debemos a Leonardo Da Vinci. Las imágenes de padre e hijo vienen a aludir a la juventud y a la vejez, la primera destacando por su fuerza, la segunda por su sabiduría.

A lo largo de su existencia este grupo escultórico conoció de varios emplazamientos, pues en 1808 fue robada cuando Napoleón, en tiempos de las Guerras Napoleónicas lo trasladó a París, si bien una vez finalizada la contienda regresó de nuevo a Roma, eso sí, siendo exhibida en diferentes salas y galerías.

En un principio el conjunto escultórico estaba ubicado sobre una superficie decorada a base de festones y y motivos arquitectónicos, para ser sustituido en el siglo XIX por un apoyo de madera, y no fue hasta el año 1909 cuando gracias a Pietro Fortunati fue colocado en su actual superficie realizada a base de mármol.

En su conjunto podemos observar el estilo manierista de la obra, algo que es característico de las primeras obras de Bernini, si bien ya podían observarse rasgos identificados con el Barroco y que determinaría el resto de su magnífico trabajo tanto dentro del campo de la escultura como de la arquitectura, con un total dominio de la exhuberancia, el dinamismo y la composición teatral.

Disfrutad de esta maravillosa obra de arte para la eternidad.

Fuentes:
Wikipedia.
https://es.aleteia.org
https://es.borguese.gallery