GEORGIA O´KEEFFE: INSPIRACIÓN E INTUICION.

Georgia retratada por su marido

Buen día estimados amigos, una pequeña reseña en mi "revista favorita" TENDENCIAS DEL MERCADO DEL ARTE, en su número 79, nos ofrecía una mas que extraordinaria noticia para el mundo del arte, y es que la sala de subastas Sotheby´s había vendido por la increible suma de 35,5 millones de euros un lienzo suyo, datado en el año 1932, su tela denominada Jimson Weed/White Flower No.1, que nos representa una de sus tantas maravillosas flores. La subasta en cuestión tuvo lugar el pasado 20 de noviembre de 2014, y con esta cifra la pintora norteamericana ha conseguido triplicar su mayor venta conseguida hasta el momento. 

Jimson Weed/White Flower

Y si a ello unimos que el Museo Thyssen Bornemizsa ha realizado una exposición sobre su obra desde el pasado 4 de noviembre de 2014, hasta el 1 de febrero de 2015, ello me inclina, sin remedio y con una total admiración, a tratar la figura de esta gran pintora norteamericana.

Motivo mas que suficiente para entrar de lleno en la vida y la obra de esta gran dama del arte que es GEORGIA O´KEEFFE, una mujer que representa todo un icono no solo por su obra, sino también por su mas que peculiar personalidad, pues fue la suya una vida que planificó hasta el punto de establecerse para poder pintar en pleno desierto de Nuevo México.

Su obra abarca medio siglo, y se mueve entre lo que podemos considerar el naciente modernismo norteamericano y las diferentes tendencias  abstractas que conocieron los años cincuenta y sesenta.

Es su obra de una fuerza cromática sensacional, y en ella se esconde una sensualidad que solo es captada por quien se detiene en su complacencia. Los motivos de sus cuadros son flores de grandes dimensiones, amén de distintos paisajes que nos reproducen escenas del suroeste norteamericano, eso sí, reflejando la belleza de su naturaleza. 

Georgia O´Keeffe nació y crecio en el medio oeste de los EE.UU., concretamente en Sun Prairie, Wisconsin.

Georgia fue la segunda de los siete hijos del matrimonio formado por Ida Totto O´Keeffe y de Francis Calyxtus O´Keeffe.

Su vida se desarrolla en una granja, en pleno contacto con la naturaleza, y son estas impresiones que capta durante su infancia las que reflejaría años mas tarde en su obra. 

Si bien el hecho de que una niña crezca en un ambiente solitario, como es una granja, en plena naturaleza nos puede hacer pensar en que no recibió una formación adecuada, estamos del todo equivocados, pues estudió música, pintura y dibujo.

Con quince años ya tiene claro a qué quiere dedicarse: a la pintura. La familia se traslada a Williamsburg, en Virginia. Es ahora cuando Georgia asiste al internado femenino de Chatham, si bien su asignatura preferida son los paseos por los alrededores del mismo, el contacto con la naturaleza. Fue gracias a su profesora de arte que descubre el potencial de Georgia y la ayuda en su decisión de pintar. Para ello, con 17 años se matricula en la escuela del Art Institute de Chicago. Es en esta escuela en la que encuentra a un profesor mas que especial John Vanderpoel, de cuyas clases de dibujo aprendió la composición del cuerpo humano, y sobre todo, cuál es la función de la línea que da forma al cuerpo. Mas, desgraciadamente, esta etapa de aprendizaje se ve interrumpida por una enfermedad, el tifus, que la mantendrá recluida en su casa. 

En en el otoño de 1907 cuando se matricula en el Art Students League, de Nueva York, una de las instituciones de mas reconocido prestigio, asistiendo al curso que imparte William Merrit Chase, el que despierta en nuestra joven pintora el interés por las texturas vivas y por la materialidad del color. Su norma de trabajo era un tanto particular, pues insistía en sus alumnos en que realizaran un cuadro al día, con la finalidad de conocer el proceso del trabajo mas que su resultado. No obstante, las clases que se imparte en este instituto se basan en la tradición de los clásicos. Mas un artista neoyorkino, el fotógrafo Alfred Stieglitz marca una diferencia en su concepción de lo que son las técnicas artisticas, puesto que antes, en el año 1913, el conocido "Armory Show" diera a conocer el nuevo arte de vanguardia europeo, Stieglitz, en su galería, había expuesto obras de Henri Matisse o Paul Cezanne.

Georgia O´Keeffe, junto con sus compañeros de academia, visita un día la citada galería y descubre a Rodin, Matisse, Braque, Pablo Picasso y los americanos John Marin y Marsden Hartley.

Como premio a la mejor naturaleza muerta de la clase, recibe una beca para la League Outdoor School, en el Lake George, Nueva York.

Mas como en muchas ocasiones suele ocurrir las necesidades económicas influyeron en el trabajo de Georgia y ésta se vio obligada a trabajar como ilustradora en Chicago, realizando paneles y logotipos para distintas empresas. Esa misma necesidad la llevó a dar clases de arte de educación primaria, que compaginó con la asistencia a los cursos de verano de Alon Bement en la University de Virginia. De Alon Bement que difunde las  teorias de Arthur W. Dow, Georgia se reconoce en la representación clara y simplificada de la forma, con la finalidad de dar una mas que mejor esencia de las cosas.

Durante el año 1914 residió en Nueva York y recibió clases en el Teachers College de la Columbia University. Ello fue decisivo para su trayectoria como pintora pues la decidió a tomar contacto con las vanguardias neoyorquinas, por medio de las revistas CAMERA WORK  y 291, editadas ambas por Alfred Stieglitz. Es por esta época cuando Georgia O´Keeffe estudia a Kandissky, del que acoge la idea de que los colores y las formas ya no deben someterse al modelo de la naturaleza sino a los sentimientos, lo que es "el mundo interior" del artista.

En el año 1917 lleva a cabo su primera exposición individual en la galeria 291 y gracias al que fue su gran amigo y potenciador de su arte, Stieglitz se traslada a Nueva York. Un año mas tarde empezaron una convivencia que se vió culminada en 1924 cuando contrajeron matrimonio. Es partir de entonces cuando la obra de Georgia O´Keeffe no conoce descanso y su exposición es continúa de una a otra galería.

Georgia O´Keeffe conoce su madurez artística durante la década de los años 20 y 30, caracterizada por una mas que especial combinación de simbolismo y abstracción, y en la que se muestra su interés por la fotografía. Es entonces cuando realiza las primeras enormes flores que ocupan toda la superficie del cuadro y con las que la mayor parte de las ocasiones se verá unida su pintura como si se tratara de un sello propio. En el caso de las flores, O´Keeffe llevará a cabo varias series, y en cierto sentido se aproxima al arte japonés. La mirada que nos ofrece de la flor desde la mayor cercanía se puede comparar con los primeros planos que nos muestra una fotografía. Todo ello nos invita a considerar la sensualidad como un elemento fundamental de sus flores, su respeto hacia la vida, haciéndola brillar en todo su esplendor antes de que se marchite, nos lleva a considerar cierto aspecto romántico en las mismas, tal y como habría podido describir el inglés William Wordsworth con las palabras siguientes: "A toda forma natural, a toda roca, a todo fruto o flor, incluso a las piedras sueltas que cubren el camino, les concedí una vida espiritual, las vi sentir, o asocié con ellas un sentimiento (....)".

A partir de 1930 llevó a cabo una serie de paisajes urbanos cuya protagonista era la ciudad de Nueva York y en 1931 llevó a cabo su primera pintura de huesos.

Su  esposo y admirador Alfred Stieglitz falleció en julio de 1946, a los 82 años, víctima de un infarto, esa misma primavera, el Museum of Modern Art de Nueva York le dedicó a Georgia O´Keeffe una gran retrospectiva, reconociendo el valor de toda una obra. 

Despues de la muerte de su marido se dedicó a administrar en Nueva York la gran colección de arte legada por su marido y dirigirla a las instituciones norteamericanas que el así deseó. Durante este tiempo pintó pocos cuadros, máxime teniendo en cuenta que sufrió una gran pérdida de visión.

Es en 1949 cuando Georgia O´Keeffe se trasladó, intermitentemente, a Abiquiu, en invierno, y a Ghost Ranch, en verano (Nuevo Mexico), lugares en los que había pasado temporadas de descanso. En este periodo su obra se caracteriza por volver a trabajar sobre obras ya realizadas o inacabadas e incluso por dedicarse a la alfarería. 

Su obra fue premiada en vida, algo que no todo artista puede vivir y sentir, y las exposiciones de aquélla siguieron sucediéndose, eso sí, con el sentimiento de dolor que supuso para Georgia la pérdida de la visión, pues solo alcanzaba a ver formas y colores, y necesitaba de un asistente para poder desenvolverse,y para ser ayudada en los mas que numerosos viajes que continuó haciendo, preparando y ultimando exposiciones y publicaciones. Esa persona que ocupó tan importante función en la vida de los últimos de Georgia, fue Juan Hamilton, un joven ceramista, que se convierte amén de en su amigo, en su confidente y partícipe de sus experiencias.

Su último viaje la llevó, en 1983, a la costa del Pacífico costarricense. En 1984, se traslada definitivamente de Abiquiu a Santa Fé, donde muere el 6 de marzo de 1986.

Sus cenizas fueron esparcidas por el lugar, por el paisaje que tanto amó alrededor del Ghost Ranch.

No cabe la menor duda que el trabajo artístico de cualquier gran maestro está unido a su personalidad; en el caso de Georgia O´Keeffe  nos muestra una mujer clara, sencilla, rodeada de un universo poético y auténtico. Es la máxima representación del bienestar que vive el individuo. Ese fue el caso de esta gran artista y mujer. Nadie que vea uno de sus cuadros puede negar la emoción que le invade y  en los que la luz y el color fluyen de forma independiente. 

"Cada vez que tengo una idea para un cuadro, me viene el pensamiento: qué banal.¿Por qué tengo que pintar esta vieja roca?, ¿Por qué no doy mejor un paseo?. Sin embargo, entonces se me ocurre que a otra persona no le resultará tan banal". GEORGIA O´KEEFFE.

Deliciosa flor negra

BUEN DÍA A TODOS

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Rihanna And Kanye West And Paul McCartney - FourFiveSeconds

LO ÚLTIMÍSIMO CON RIHANNA, KANYE WEST AND PAUL MC CARTNEY, PARA QUE LUEGO NO OS QUEJÉIS. A VUESTRA DISPOSICIÓN Y HOY MAS QUE NUNCA, SUPERANDO MI BLOG LAS 100.000 VISITAS. GRACIAS A TODOS MIS QUERIDOS AMIGOS. BYE, LOVERS.

ANDRÉ KERTÉSZ: FOTOGRAFÍA DEL SENTIMIENTO

Buen día, estimados amigos, aprovecho la ocasión que nos brinda la Sala de Exposiciones San Benito, de Valladolid, que acoge una muestra de uno de los fotógrafos mas emblemáticos del siglo XX, ANDRÉ KERTÉSZ, y de la que podemos disfrutar desde el pasado 22 de enero y hasta el 15 de marzo de 2015, bajo el nombre de ANDRÉ KERTESZ, EL DOBLE DE UNA VIDA, para que este sea nuestro tema del día.

Y digo bien que aprovecho la ocasión para tratar el tema de la fotografía porque sé que sois muchos los aficionados y amigos a este arte, porque eso es lo que es. 

La exposición de la que os hablo ha sido organizada por diCrhoma photography y producida por el Jeu de Paume de Paris.

Gracias a ambas instituciones podemos recrearnos con un total de 189 imágenes, captadas por el considerado como un gran maestro por la comunidad de fotógrafos.

Pues bien, de estás 189 fotografías, 163 están tomadas en blanco y negro.

La exposición que nos propone la Sala San Benito nos muestra la trayectoria de la vida y la obra  de André Kertész dividida en cuatro partes. En ella podemos descubrir sus inicios en Hungría, su posterior emigración a Francia, para a continuación instalarse en Nueva York, y todo el mas que merecido reconocimiento de la comunidad internacional, para este hombre cuyo lema, en cada una de sus fotos era: "Hago lo que siento".

André  (Andor) Kertész nació en Budapest, Hungría, en 1894. Su afición por la fotografía se inició de una forma mas que singular, gracias a un manual que encontró en el ático de su casa. Mas antes de iniciarse como fotógrafo profesional cursó estudios en la Academia de Comercio, graduándose en 1912, con la finalidad de trabajar en la bolsa de valores de su ciudad natal. 
Pese a que este trabajo no le satisfacía en absoluto, gracias a ello pudo comprarse la que fue su primera cámara fotográfica, en 1913, con la que se dedicaba a sacar fotos de sus vecinos y de su ciudad.

Es la Primera Guerra Mundial la que le obliga a alistarse y es enviado al frente y lo cierto es que, aún en tan difíciles momentos, su afición por la fotografía no la abandonó; eso sí, gran parte de la obra de esta época fue destruida durante la Revolución Húngara de 1919. En el año 1915 resultó herido en un brazo, y consecuencia de ello es que abandonó el frente.
Su trabajo como fotógrafo profesional empezó a desarrollarse en Paris, allá por 1925, ciudad a la que se desplazó para realizar encargos para diferentes revistas. Introducido en el ambiente artístico de la ciudad de la luz, sus conocimientos le llevaron a ponerse en contacto con otros artistas que se encontraban en París, entre ellos, Robert Capa, Brassaï, o Man Ray. Fue por entonces cuando su obra fue reconocida y valorada, participando en numerosas esposiciones tanto individuales como colectivas. 
En 1936, y sabedor de su éxito en el continente europeo, se decidio por trasladarse a Nueva York, sin embargo no vió recompensado su trabajo con el reconocimiento esperado y tan solo la revista Harper´s Bazaar le hizo algunos encargos. 
Como consecuencia de la Segunda Guerra Mundial abandonó su trabajo durante algún tiempo, máxime teniendo en cuenta que los húngaros fueron declarados enemigos de los EE.UU. y André Kertész sintió el rechazo de cuantos le rodeaban y que hasta entonces no se habían manifestado en tal sentido. 
André Kertész tuvo siempre el sentimiento de que el público y crítica no valoraban en su justa medida su obra, sentimiento que le acompañó hasta su fallecimiento.

La temática de su obra podemos,claramente, definirla en cuatro etapas: el periodo húngaro, el francés, el estadounidense y el internacional.
Evidentemente, el periodo húngaro agrupa aquellas fotos que Kertész realizó en su país natal, las que tomó durante su participación en la Primera Guerra Mundial, y que fueron publicadas en la revista "Érdekes Újsag". La obra mas significativa de este periodo es la conocida como "Nadador bajo el agua, Esztergom,1917", la única de la que nos queda constancia de una serie que muestra a nadadores  cuya imagen se ve distorsionada bajo el agua. Ello hizo surgir en André Kertész el interés por la distorsión en la fotografía, y llevar a cabo otra serie llamada "Distorsiones", a comienzos de los años 30.

Su etapa parisina, le supuso no solo el abandono de su país, sino también el de su familia, su madre, sus hermanos. Es precisamente, en Paris donde cambia su nombre Andor, por el de André, nombre que usaría el resto de su vida. En aquellos años muchos eran los fotógrafos que estaban mas que interesados en el movimiento dadá y el propio Kertész se interesó por el mismo, trabando amistad con distintos artistas afines al movimiento. Gustaba ver a sus amigos trabajar, fundamentalmente en la escultura, y se sintió verdaderamente atraído por el cubismo. Es más retrató a varios artistas de la época, a los pintores Piet Mondrian y Marc Chagall, a Collette y al cineasta Sergéi Eisenstein. 
Fue en 1928, cuando Kertész adquiere una Leica y empieza a hacer fotos con esta su nueva cámara. Precisamente a este periodo de su vida, es al que dedica una mayor producción fotográfica, publicando en varias revistas.  En 1930 ganó una medalla de plata por sus servicios a la fotografía en la "Exposition Coloniale", en Paris. 

Entre las revistas que mas solicitaron sus servicios estaban VU y Art et Médecine; en la primera de ellas trabajó junto al editor Lucien Vogel, quien le sugería temas que posteriormente Kertész fotografíaba. Su mas que famosa serie "Distorsiones" es una muestra de su original estilo, pues se compone de mas de doscientas fotos de desnudos (un hombre y una mujer) en diferentes poses y frente a distintos espejos cóncavos y convexos. Algunas de estas fotografías vieron la luz en revistas como "Le Sourire", si bien el propio Kertész publicó un libro "Distorsiones" en las que reunía las fotos en cuestión. 
A su libro de fotografías "Enfants" (1933), siguió otro "Paris" (1934), "Nos Amies les bêtes" (1936) y "Les Cathedrales du vin" (Las catedrales del vino"), en 1937.

En el año 1920, André Kertész contrajo un primer matrimonio con un fotógrafa francesa, Rosza Klein (conocida como Rogi André), mas la pareja se separó al poco tiempo. Tanto es así que ocultó dicha situación a la que fue su segunda esposa Erzsebet Salomon (la cual cambió su nombre por Elizabeth Saly). 
En 1930, Kertész regresa a Hungría para visitar a su familia y un año mas tarde regresó de nuevo a Paris, acompañado de Elizabeth con la que contrajo matrimonio el 17 de junio de 1933. La vida familiar empezó a restarle tiempo para estar con sus amigos artistas y fotógrafos. 
Como ya antes he indicado su traslado a Nueva York vino determinado por el poder del partido nazi en Alemania, por lo que la pareja viajó a Manhattan en 1936.

Es entonces cuando en su fotografía comienza lo que se viene a calificar como periodo estadounidense. En EE.UU. tanto André como su esposa conocieron mas que difíciles situaciones económicas, máxime teniendo en cuenta que no tenían amigos en dicho pais. No obstante, Kertész contactó con Beamont Newhall,el director del departamento fotográfico del Museo de Arte Moderno de Nueva York, quien, por entonces estaba preparando una exposición bajo el nombre de "Photopraphy 1839-1937"; no obstante, opuso su resistencia a algunas de las fotografias ofrecidas por Kertész, pese a lo cual éste no dejó de exponerlas.

En EE.UU. las cosas no fueron nada fáciles para Kertész, en parte por la falta de aceptación hacia su persona, por las dificultades con el idioma, y porque no encajaba con el espíritu del pueblo americano. Fueron varias las revistas que le ofrecieron trabajo, entre ellas Harper´s Bazaar, Vogue, e incluso Life. Eso sí, debía de seguir estrictamente las instrucciones de su mandante, y Kertész nunca estuvo dispuesto a fotograficar aquello que no fuera su "sentimiento". 
En el año 1941, el matrimonio Kertész fue declarado enemigo extranjero, ya que ambos seguían teniendo su pasaporte húngaro. Les fueron tomadas sus huellas dactilares y Kertész abandonó durante tres años la fotografía para evitar ser arrestado. 

El 20 de enero y el 3 de febrero de 1944, Elizabeth y André obtuvieron la nacionalidad estadounidense. Fue contratado por la revista "House and Garden". En 1945 sacó a la luz un libro de fotografias llamado "Day of Design" que fue todo un éxito de crítica. Ello dio lugar a que la revista "House and Garden" le hiciera un contrato, gracias al cual pudo realizar varios viajes, haciendo fotos y visitandos diferentes paises. Gracias a ello entre 1945 y 1962, la revista "House and Garden" publicó mas de 3.000 fotos suyas.

Andre y su esposa

En 1946, Kertész se decide por llevar a cabo una exposición individual bajo el nombre de Day of Paris, en el Art Institute Of Chicago, que no se repetiría hasta el año 1962, cuando algunas de sus fotos fueron expuestas en la Long Island University. Un hecho bien cierto es que el trabajo de André Kertész no fue siempre tratado con el merecimiento que debía por parte de las editoriales que solicitaban sus servicios y después despreciaban el trabajo realizado. 
Es por ello que a finales de 1961, rompe su relación laboral con Condé Nast Publishing, y empieza a trabajar de forma independiente, siendo ésta la conocida como etapa internacional de su fotografía, que le llevó a realizar exposiciones en la IV Mostra Biennale Internazionale della Fotografia en Venecia y en la Biblioteca Nacional de Francia en Paris.

En esta época empieza a experimentar con el color y su exposición individual en el Museo de Arte Moderno fue aclamada por la crítica .
Afortunadamente, los años siguientes fueron los que le llevaron a ver reconocido su trabajo, recibiendo varios premios internacionales: en 1965, fue nombrado miembro de la American Society of Media Photographers; en 1974, le fue otorgada la beca Guggenheim y se le nombró Comandante de la Orden de las Artes y las Letras; y así como muchos otros que le reportaron no solo el favor del publico y de la crítica, sino una mejor economía.

Las exposiciones se sucedían, en tanto en 1977, su esposa, murió de cancer. André Kertész se volcó en su trabajo y en sus amigos. En 1982 recibió el Gran Premio Nacional de fotografía de Paris, y ganó el 21º Premio Anual George Washington de la American Hungarian Fundation. Siguieron los reconocimientos y hasta el Museo Metropolitano de Arte compró 100 de sus fotografias en 1984, la mayor adquisición de fotos de un artista vivo realizada por un museo. 
André Kertész falleció mientras dormía, el 28 de septiembre de 1985.

André Kertész fue un hombre que se mantuvo siempre fiel al lema que le llevó a realizar tantas y tan variadas fotos. Su obra es conocida por el uso predominante de la luz y él mismo llegó a decir: "Yo escribo con luz". 
Sus fotos, como habréis podido observar a lo largo de la exposición de este artículo están llenas de nostalgia, se nos manifiestan íntimas y nos transmiten una gran sensación de eternidad. 
Hoy en día ANDRÉ KERTÉSZ está considerado como el padre del periodismo fotográfico, y su influencia alcanza hasta a maestros de la fotografía como Cartier-Bresson.

Afortunadamente, y pese a las dificultades que André Kertész encontró a lo largo de su vida para hacer de la fotografía algo propio e inimitable, tuvo su reconocimiento por parte del público y de la crítica, mas aunque ésto último no hubiera llegado a darse, ANDRÉ KERTESZ jamas habría abandonado su lema: "HAGO LO QUE SIENTO".

André con su gato

BUEN DIA A TODOS

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LA UNION (Oficial) | LOBO-HOMBRE EN PARÍS (VÍDEO OFICIAL) 1984 | Mil siluetas |

BUENAS NOCHES, AMIGOS, AYER LE TOCÓ EL TURNO A MECANO, HOY A LA UNION, CON SU FAMOSA "LOBO HOMBRE EN PARIS", TODO UN CLÁSICO PARA LOS AMANTES DE LA BUENA MÚSICA QUE SIEMPRE SE HA HECHO EN ESTE PAIS. Y A LOS LOBOS, NO HAY QUE TENERLES MIEDO, PEOR A CIERTOS INDIVIDUOS... BYE, LOVERS.

La fuerza del destino - Mecano

BUENAS NOCHES, AMIGOS, QUIEN NO RECUERDA ESTA MAS QUE MARAVILLOSA CANCIÓN DE MECANO. AQUELLOS AÑOS 80¡ MARAVILLOSA DÉCADA CON UNA JUVENTUD LLENA DE ÍMPETU. SE CUMPLIERON VUESTROS DESEOS? HOY ES MOMENTO, POR UNOS MOMENTOS, DE RECORDAR, Y DARLE UN SÍ A LA VIDA. BYE, LOVERS.

LA COLUMNA TRAJANA: LA HISTORIA ESCRITA EN PIEDRA.

Buen día, estimados amigos, hoy nos adentramos en el terreno de la historia del arte mas clásico, y nos trasladamos a Roma, donde vamos a disfrutar del conocimiento que encierra la llamada COLUMNA TRAJANA, en italiano, Colonna Traiana.

Los romanos fueron mayormente grandes admiradores de la escultura griega, y a tal punto llegaba su admiración que intentaban hacerse con colecciones de esculturas griegas e incluso realizaban copias, con la finalidad de decorar su mas que suntuosas mansiones (los ricos, evidentemente). Es particularmente en el retrato donde podemos encontrar mas características propias de lo que es el arte romano, pues tendía a representar al individuo tal como era, en su realidad cotidiana, y ello con el deseo de que esa imagen fuera participada por todas las personas que le conocían y le recordaban como un ciudadano o personalidad ilustre. 

En definitiva, eran los suyos unos retratos realistas, lo que no les impedía estar impregnados de belleza. 

Era habitual que a los difuntos se les hiciera una máscara en cera, que se utilizaban durante los funerales, y que con posterioridad sirvieron para el teatro. Recordemos el origen de la palabra "máscara" utilizada por los personajes que intervenían en el teatro romano.

Dentro de lo que conocemos como escultura conmemorativa, la misma tenía como función primordial el transmitirnos las hazañas de los grandes hombres, así como los acontecimientos cuyo conocimiento han llegado hasta nuestros dias. Esta mas que significativa costumbre se desarrolló en Roma durante la época imperial. Con un mas que espíritu realista y abundante en el sentido de expresión del movimiento, la escultura conmemorativa se llevaba a cabo de forma que pudiera ser vista desde lejos. Su temática, evidentemente, se refiere a las hazañas y conquistas de generales,  y emperadores, así como a los dioses protectores a los que siempre consultaban antes de iniciar cualquier tipo de empresa bélica. 

La escultura que hoy os propongo para que nos detengamos en su estudio es la Columna Trajana, construida en el año 113 d.C., en la que no solo hay que valorar la belleza de la escultura en sí, sino el mensaje que nos ofrece de propaganda política.

Esta mas que maravillosa expresión de lo que es el arte escultórico y de reconocimiento histórico se encuentra situado en Roma, en el llamado Foro de Trajano, cerca del Quirinal. Tiene una altura de 30 metros (38 si incluimos el pedestal sobre el que descansa), y está recorrida por un bajorrelieve en espiral, que conmemora todas y cada una de las victorias de Trajano frente a los dacios.

Estas hazañas aparecen descritas según la crónica del propio emperador en sus campañas contra el citado pueblo dacio (98-116d.C). La columna estaba culminada por la figura del emperador, vestido con indumentaria militar y con unos gestos que debemos interpretar, pues tenían una mas que determinada finalidad.

Así, por ejemplo, la mano derecha, a la que se atribuía un valor siempre positivo, podía indicar, según su posicionamiento, mando militar, imposición, saludo o anuncio de paz. Es por ello que los gestos de estas esculturas eran cuidadosamente tratados, pues eran un mensaje para todos los que le observaban.

Si la mano derecha permanecia alzada, significaba un gesto de saludo, augurando paz y benevolencia.

Para llevar a cabo tal obra de precisión se necesitaron 18 bloques de mármol de Carrara, -cada bloque pesaba unas 40 toneladas, con un diámetro de unos 4 metros-. El friso escúltorico en conjunto mide unos 200 metros y da 23 veces la vuelta a la columna. Y para los mas curiosos, dentro de la columna hay una escalera de caracol, que nos permite, tras subir sus 185 peldaños, llegar a una plataforma mirador en la parte superior.

La Historia menciona el hecho de que inicialmente la columna estaba terminada con un ave, quizás un águila, para situarse después en ella la estatua del propio Trajano. No obstante, en el año 1588, y por orden del papa Sixto V, fue sustituida por la estatua de San Pedro, que aún figura (en mi modesta opinión, no creo que fuera una decisión acertada).

El relieve que nos ofrece para su visionado la columna nos muestra la narración de dos campañas victoriosas de Trajano contra los dacios, de tal forma que en la mitad inferior se ilustra la primera (101-102) y en la superior, la segunda (105-106). Pueden diferenciarse perfectamente ambas secciones, pues están separadas por la personificación de la victoria, NIKÉ (en griego antiguo), y VICTORIA (en latín) por los romanos. 

Evidentemente, su estado actual no es el que fue inicialmente, pues estuvo completamente policromado, y en la columna en cuestión no tiene tanto valor la técnica de la escultura como el mensaje a transmitir.

Su lenguaje abunda en metáforas, llegando a ser representado el Danubio, por un anciano. En total y siguiendo la forma helicoidal podemos contar 2.500 figuras humanas, de ellas 59 son del emperador. Todo el conjunto no solo nos ofrece una visión histórica, sino también de las técnicas empleadas por los romanos en sus batallas y episodios bélicos. 

La escritura que vemos en la columna tiene la forma quadrata (mayúsculas cuadradas romanas). Toda vez que está pensado para ser leido de abajo hacia arriba las letras inferiores son mas pequeñas que las superiores, lo cual, además nos ofrece un perfecto ejemplo de perspectiva.

Y otra curiosidad el llamado tipo de letra para ordenadores Trajan, que fue diseñado en 1989 por Carol Twombly se inspira en el empleado en esta inscripción. 

Imágenes de su aspecto inicial

Como toda escultura, máxime de estas proporciones tenía diferentes finalidades; la primera de ellas era señalar hasta dónde llegaba el monte desplazado por el foro, la segunda, albergar las cenizas del emperador y por último conmemorar la conquista de la Dacia, como gran victoria de Trajano. 

En el año 117 el Senado romano votó en el sentido de que las cenizas de Trajano fueran sepultadas en una urna de de oro, en la base de la columna. Al día de hoy, no están allí.

Inscripción al pié del pedestal.

Traducción: "El senado y el pueblo romano, al emperador César Nerva Trajano Augusto Germánico Dácico, hijo del divino Nerva, ponfífice máximo, tribuno por decimoséptima vez, imperator por sexta vez, cónsul por sexta vez, padre de la patria, para mostar la altura que alcanzaban el monte y el ahora destruidos para (obras) como ésta".

Relieve de la columna en el que aparece Trajano con sus generales.

Me tomo la licencia de aparecer en uno de mis "post"

¡Desde Roma, con amor!

BUEN DÍA A TODOS

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Death Cab for Cutie - "Black Sun" (Official Lyric Video)

BUENAS NOCHES, AMIGOS TODOS, PONIENDO PUNTO FINAL AL DOMINGO OS DEJO CON ESTE VIDEOCLIP QUE NO TIENE DESPERDICIO. LA MÚSICA ES UN NEXO DE UNIÓN ENTRE LAS PERSONAS QUE NOS HACE COMPARTIR LO MEJOR QUE HAY EN CADA UNO DE NOSOTROS. BUEN DIA DE LUNES, BYE, LOVERS.