ALFONSINA STORNI: ¡AQUEL DULCE MAR!

Bienvenidos amigos hoy a este mi blog, en el que voy a tratar la figura de una mujer, una persona que quiso sobrevivir y soñar al mismo tiempo, y cuya vida estuvo marcada por un "presentimiento", el de su muerte, su pronta muerte.

Ella no es otra que ALFONSINA STORNI (1892-1938) considerada como una de las mas potentes y sobresalientes poetas en lengua española de las primeras décadas del siglo XX. 

Fue una mujer capaz de desafiar a todo tipo de convencionalismos sociales y políticos, y de manifestar su aspecto femenino con tal belleza y desgarradora finiquitud comolo fue su vida. 

Siempre que hablamos de Alfonsina Storni nos viene a la mente la trágica leyenda de su suicidio, allá por el año 1938, y que sirvió de inspiración a una bellísima canción, compuesta por Ariel Ramirez y Feliz Luna, titulada "Alfonsina y el mar", cantada por innumerables voces, entre ellas la entrañable Mercedes Sosa, tal y como podemos disfrutar, pues no existe mejor forma de empezar a hablar del sentimiento de una mujer que "cantándole".

¡Nada mas hermoso!

Después de escuchar semejante maravilla, difícil me lo ponen las palabras para dar forma al sentimiento de la vida y la obra de Alfonsina Storni; no obstante, este es mi homenaje y mi mas sincero afecto hacia su persona.

Alfonsina Storni Martignoni nació el 22 de mayo de 1892 en Sala Capriasca, Suiza, hija de Alfonso Storni y Paulina Matignoni, fue la tercera hija del matrimonio.

Su familia, años antes, habia marchado, como inmigrantes a Argentina, estableciéndose en San Juan, donde nacieron sus dos primeros hijos, mas en 1890 regresaron a Suiza, y se establecieron en Sala Capriasca, en la Suiza italiana. Con tan solo cuatro años Alfonsina junto con su familia deciden regresar a San Juan, donde residirá hasta 1900, año en el que marchó a la ciudad de Rosario en busca de un nuevo horizonte para sus aspiraciones.

Joven de inspiración precoz, con tan solo doce años escribe su primer poema, marcado, como casi toda su producción, por la tristeza, el desengaño, la soledad y la muerte. En 1906, fallece su padre, y Alfonsina sin descuidar su creatividad empieza a trabajar en un taller de confección de gorras.

Su madre contrae nuevas nupcias y se traslada a vivir a Butinza, donde da clases de música y canto. Alfonsina en su deseo de independizarse de su familia, marcha a Caranda para estudiar Magisterio, a la vez que trabaja, mas su economía no es nada boyante, y tiene que cantar en una compañia teatral del español José Tallavi. No obstante, su deseo de estudiar no la abandona y se matricula en 1909 en la Escuela Normal Mixta de Maestros Rurales de Coronda, donde también ejerce el cargo de celadora. Un año mas tarde obtiene el título de maestra rural y empieza a ejercer en la ciudad de Rosario.

Sus primeas publicaciones  aparecen en las revistas Mundo Rosariano y Monos y Monadas; es entonces, con tan solo veinte años cuando se queda embarazada de un hombre casado, veinticuatro años mayor que ella, más Alfonsina, mujer independiente y de espíritu libre decide marchar a Buenos Aires, y llevar a término su gestación, dando a luz a un niño, Alejandro, el 21 de abril de 1912.

Para poder mantener a su hijo, en estos primeros años debe ejercer múltiples empleos, trabajando como cajera en una farmacia y en una tienda, amén de "corresponsal psicológico" en una empresa importadora de aceite de oliva. 

Su primer libro ve la luz en 1916, con el titulo de "La inquietud del rosal", y empieza a colaborar con distintas publicaciones literarias, entre ellas, "Fray Mocho", "Caras y Caretas", "El Hogar", "Mundo Argentino" , todo lo cual le ayudan para poder sacar adelante a su hijo, amén de que empieza a relacionarse con una sociedad intelectual fundamentalmente socialista, entre otros, Manuel Ugarte y José Ingenieros, a la vez que se dedica a recitar sus poemas en las bibliotecas de su ciudad. 

En 1919 se hace con la sección fija de la revista "La Nota" y mas tarde en el periódico "La Nación", en el que fundamentalmente escribe sobre el papel de las mujeres en la sociedad actual y la necesidad de un cambio radical de éste.

El hecho cierto es que Alfonsina Storni vivía encerrada en un cuerpo femenino, mas su mente era del todo varonil. Amén de la poesía también cultivo la prosa y el teatro. Su obra puede clasificarse dentro del movimiento postmodernista, portador de una originalidad que cambió radicalmente las letras latinoamericanas.

La labor artística de Alfonsina es incansable y su salud empieza a  resentirse como consecuencia de su exceso de trabajo, por lo que se traslada periódicamente a Mar del Plata y a Córdoba; mas la situación vital de Alfonsina es tal que necesita continuamente dar rienda suelta a su capacidad de creación, en detrimento de su salud. Es frecuente verla en las tertulias con poetas y literatos de la época, entre ellos, Horacio Quiroga, con el que mantuvo una mas que intensa relación, Enrique Amorim, Emilio Centurión, y a participar en numerosas tertulias artísticas, lideradas por Benito Quinquela Martin en el café Tortoni y en las del grupo Signo, que se llevan a cabo en el Hotel Castelar. Es allí donde conoce a Ramón Gómez de la Serna y a Federico García Lorca. 

Para comprender la vida y la obra de Alfonsina Storni debemos estar fundamentalmente a su lucha cotidiana,  a su intento por comprender la vida. Sus primeros cuatro poemarios "La inquietud del rosal", "El dulce daño", "Irremediablemente"  y "Languidez", nos remiten al estilo de Rubén Darío o Amado Nervo, poblado de un lenguaje preciosista. Sus temas nacen de sus propias vivencias, son poemas sinceros y fundamentalmente, humanos. 

No obstante, poco a poco Alfonsina va dando un giro a su forma de expresión, la cual se manifiesta de forma rotunda en "Ocre", donde aborda temas -entonces, vetados a las mujeres- como el libre ejercicio de la sexualidad, la libertad del cuerpo. A sus treinta y tres años es ya una mujer convencida de lo que la vida puede ofrecerle y de lo que ella está dispuesta a aceptar de ésta.

Alfonsina se nos muestra dueña de una rebeldía rotunda, una mujer dotada para vencer y hacer sentir al resto de las mujeres esa rebelión, de su papel de simples esposas y madres.

Alfonsina gusta de indagar en la muerte, no en su concepto, sino en el hecho en sí de lo que la muerte le puede aportar, no le tiene miedo, y es capaz de imaginar y sentirse "muerta". No cabe la menor duda, que esta mujer estaba predestinada a morir joven, tal y como podemos leer en su poema "Presentimiento".

En 1935 le detectaron un cáncer de mama, por lo que hubo de extirpársele un pecho y la llevó a un estado de desánimo, amén de apartarse de sus amistades más íntimas. Su enfermedad la iba poco a poco debilitando.

Es en octubre de 1938 cuando se traslada a Mar del Plata, y allí escribe una carta a su hijo, en forma de poema titulado "La Nación". Es su despedida.

Alfonsina Storni no consideró jamás la idea de que la muerte decidiera por ella, sino que ella misma hizo de su muerte una expresión de lo que suponía el abandono voluntario, lento, suave de la VIDA.

La madrugada del 25 de octubre de 1938, Alfonsina sale de la pensión en la que se encontraba alojada, y poco a poco, va introduciéndose en el mar (aunque según otras versiones se tiró desde un  espigón de la playa de La Perla). A la mañana siguiente encontraron su cuerpo, lugar donde se ha levantado un monumento en honor a su persona.

Alfonsina Storni siempre intervino en su destino, hasta en su propia muerte. Nada quiso dejar al azar, en definitiva, en su mundo interior, había estado acercándose y alejándose continuamente de la muerte, de ese sentimiento de búsqueda de inmortalidad, tratando de sentir la muerte en vida. 

Si lo encontró o no, leamos sus poemas, y entenderemos hasta qué punto la VIDA y la MUERTE crearon una misma sensación de vacío en su universo poético.

PRESENTIMIENTO

Tengo el presentimiento de que he de vivir muy poco.

Esta cabeza mía se parece al crisol,

purifica y consume,

pero sin una queja, sin asomo de horror.

Para acabarme quiero que una tarde sin nubes,

bajo el límpido sol,

nazca de un gran jazmin una víbora blanca

que dulce, dulcemente, me pique el corazón.

(El dulce daño, 1918)

BUEN DÍA A TODOS

Beck - Heart Is A Drum

BUENAS NOCHES, HOY OS DEJO CON ESTE DELICIOSA CANCION DE BECK. NADA MEJOR QUE MUSICA PARA PONER PUNTO FINAL A UNA NOCHE, O .....EMPEZARLA. SED FELICES. BYE, MY LOVERS.

ROBERT CRUMB: EL GENIO DEL COMIC UNDERGROUND.

Bienvenidos a un nuevo día, en este caso, lleno de divertimento, pues nos introducimos en el mundo del cómic gracias a las historietas de este hombre ROBERT CRUMB, nacido el 30 de agosto de 1943, en Pensilvania, destacado ilustrador y uno de los fundadores del comic underground, siendo tal vez la personalidad mas señalada de dicho movimiento. 

No obstante su trayectoria como ilustrador lo ha sido siempre al margen de la industria. Es mucho, pero que mucho Robert Crumb.

Baste decir que en España supuso un auténtico descubrimiento para toda una generación de dibujantes, que expresaban de forma agresiva y caótica sus sentimientos y emociones, allá por los años setenta, una etapa del siglo XX que supuso numerosos cambios en la concepción de los valores de toda una generación.

Robert Crumb fue uno de los cinco hijos de Charles V. Crumb, de profesión militar, y cuya infancia se desarrolló en un ambiente del todo católico y conservador. Fue su hermano mayor, Charles, quien le introdujo en el mundo del comic, toda vez que le prestaba ejemplares de E.C. Segar, Carl Barks y Walt Kelly, mas le imponía, a cambio, la obligación de dibujar continuamente. Tanto Robert como sus hermanos se emplearon rápidamente en dibujar y producir sus propios comics (Foo, Crumb Brothers Almanac), y cuya venta la hacían directamente.

La vida, la obra y el pensamiento de este singular personaje, físicamente bastante corriente, quien ha manifestado en numerosas ocasiones su fijación por el suicidio (afortunadamente, aún no se ha decidido), la podemos conocer en un volumen que edita Gallo Nero, bajo el título "R. Crumb, Entrevistas y cómics", todas ellas recopiladas por Gary Groth.

Bien es cierto que la familia en la que creció Robert Crumb estaba un tanto desestructurada -como se suele decir ahora, cuando cada cual hace de "su capa un sayo"- pues su madre se pasaba el día enganchada a las anfetaminas, y su padre no tenía mas remedio que trabajar para mantener a la familia, y prácticamente no tenía apenas contacto con sus hijos.

En palabras de Robert Crumb "Mi familia era un verdadero desastre".

Su estilo era rotundamente particular, pues utilizando el estilo de las tiras de prensa de comienzos del siglo XX, Crumb se adentraba abiertamente en Zap Comix, el sexo y la crítica política, todo lo cual era completamente transgresor para el que hasta el momento -el comic- tenía un público determinado: el juvenil. 

En sus publicaciones, que se convirtieron en auténticos iconos de la época, Robert Crumb creó personajes de la contracultura, como Mr. Natural, El Gato Fritz, Flakey Foont, Shuman the Human o Angelfood McSpade, todos ellos con un denominador común "sienten el asco de la gran ciudad, son los sujetos a reprimir o exterminar porque no participan del modo de vida norteamericano" y exhiben  "la perturbadora idea de que hay gozar de la vida y rechazar todas las imposiciones."

Con estos antecedentes no es de extrañar que la obra gráfica de Robert Crumb fuera condenada por su obscenidad, en la década de los setenta en un Nueva York, en el que siempre han abundado la polémica en muchas de sus publicaciones, todas ellas con referencias a la sexualidad, la violencia y la denuncia del sistema político social de vida de los norteamericanos.

La característica fundamental de los protagonistas de sus cómics es amén de la violencia despiadada contra las mujeres, a las que utilizaban sexualmente, contra los niños, e incluso contra aquellos que están en inferioridad de condiciones físicas y psíquicas. 

El eje conductor de la posición machista de su obra abunda en el maltrato a las mujeres, pero un maltrato del todo violento y sin ningún tipo de tapujo; mujeres a las que insultan y pegan; en definitiva, a las que destruyen .

Según sus propias palabras, es su subconsciente el que habla a través de sus viñetas, pero no cabe duda, que ese subconsciente que reconoce y hace público nos ofrece un universo particular devastador. Reconoce sentirse atraído por las mujeres fuertes físicamente, pues desde un punto de vista físico sus preferencias femeninas lo han sido sobre mujeres mas altas y mas robustas que él, mujeres que representan el ideal de la hembra de anchas caderas y poderosos pechos. 

Robert Crumb nos justifica sus "predilecciones" en el sentido de que al hacerlas públicas, son muchas las personas que piensan que tales gustos no suponen una desviación, amén de que les hacen sentirse menos culpables por sentirse atraídos por tal provocación. 

En definitiva, Robert Crumb nos muestra el lado mas salvaje y depravado del ser humano, aunque ello no nos guste ni ver ni reconocer, y por eso muchos le detestan, pero ello no impide que dichas circunstancias vitales se den en la vida real.

A la vista de las imágenes que estáis viendo y del contenido que transmiten o del contenido que quiere Robert Crumb que transmitan  las opiniones sobre la obra de este ilustrador son muy variadas. Para algunos críticos es uno de los mas grandes artistas del siglo XX, al que podemos comparar con escritores como Rabelais, Swift o Mark Twain, o a pintores como Brueguel y Goya. Mas para otros, que mantienen posiciones cercanas al feminismo, no dudan en calificar su obra como pornográfica, misógina e incluso degradante. Robert Crumb jamás ha ocultado en su obra sus obsesiones sexuales, nunca se ha preocupado de lo que se considera ni política ni socialmente correcto, por lo que su lectura y visionado para algunos puede resultar realmente incómoda.

No obstante, su influencia en la historia del cómic mundial, ha abierto muchas puertas a todo tipo de temáticas anteriormente vedadas.

Rey del sarcasmo y de la ironía, se guía por sus propias leyes y convicciones; según sus propias palabras: "Constantemente estamos intentando hacer lo socialmente correcto... El arte, por suerte, es el lugar donde puedes salirte con la tuya..."

Fiel a sí mismo, eso siempre, en el libro que la Editorial Gallo Neto publica en España, como ya he mencionado "R.Crumb, Entrevistas y Cómics", recopiladas por Gary Groth, su protagonista hace un auténtico desnudo integral de si mismo, llegando incluso a afirmar que lo mismo está equivocado.

Es por ello que no duda en afirmar: "Quizás todos deberíamos pintar flores. No lo sé. No estoy totalmente seguro de nada".

No cabe la menor duda que Robert Crumb es un hombre controvertido, pero también lo es sincero consigo mismo y con los demás, o como el mismo dice al afirmar que no está seguro de nada, tampoco lo está de hasta qué punto su forma de expresión no sea mas que una mera llamada de atención utilizando unas formas y unos medios un tanto "subidos".

Pero eso queda para los amantes del comic, yo me limito a ofreceros una visión de este controvertido ilustrador Robert Dennis Crumb, y su mundo del cómic underground y alternativo.

JUZGAD VOSOTROS MISMOS

BUEN DÍA A TODOS

Fantasmas - Miranda! (Letra) Tema Nuevo!!

BUENAS NOCHES A TODOS, MIS CHICOS DE MIRANDA ESTRENAN NUEVO TRABAJO, ASÍ QUE DEL TIRON QUE ME HAGO CON ÉL, ENTRETANTO, OS PONGO ESTE TEMA PARA HACER BOCA. MIRANDA, MI AMOR, BYE, LOVERS.

EL HOMBRE Y SU PENSAMIENTO - AUGUSTE RODIN

Bienvenidos amigos todos, de nuevo a vueltas con el mundo del Arte y hoy nos vamos a centrar en una obra cuya autoría corresponde a FRANÇOIS-AUGUSTE-RENÉ RODIN, que como todos conoceréis y bien fue un escultor frances contemporáneo del movimiento impresionista.

No obstante, en su obra acertamos a descubrir su procedencia de la escuela escultórica neoclásica, y con el no sólo esta disciplina artística puso fin a mas de dos siglos de intentos de conseguir la conjunción de las artes tridimensionales, sino que nos llevó en una nueva dirección de lo que es la concepción del monumento y de la escultura pública. Todo ello nos lleva a considerar a RODIN como el primer escultor moderno.

Mas nuestro "post" de hoy se va a centrar en una de sus obras, quizás no tan conocida como otras, pero como todas provista de una belleza indescriptible: EL HOMBRE Y SU PENSAMIENTO, datada entre 1899 y 1900.

En esta bellísima composición podemos observar como, de forma indefinida, el pensamiento ha quedado atrapado en la materia en la roca. Para hablarnos en tal sentido Rodin utiliza la delicada forma de un cuerpo infantil que nace de la propia roca, mas no consigue liberarse de ella: ese trabajo solo puede llevarlo a cabo el escultor.

Esta extraordinaria metáfora de lo que se  considera como facultad creadora del artista ha experimentado numerosas variaciones.

Precisamente la metáfora en cuestión la podemos ver reflejada en muchos mitos y distintos héroes; no obstante, el mas conocido de todos es el de Pigmalión, quien se enamora de una estatua que él mismo ha esculpido.

Según nos cuenta la leyenda, que muchas veces llega a ser historia, Pigmalión, rey de Chipre, buscó durante mucho tiempo a una mujer ideal para casarse, mas debería de tener una condición: ser perfecta. Frustrado en tal sentido, decidió por no casarse y dedicar su tiempo a esculpir deliciosas figuras de mujer para compensar la ausencia de una auténtica. Una de éstas era tan hermosa que Pigmalión llegó a enamorarse de ella.

Mas gracias a la intervención de Afrodita, la diosa del Amor, Pigmalión tuvo un sueño en el que Galatea cobraba vida. En la obra de Ovidio, Las Metamorfosis, se relata de esta forma, tan hermoso mito: 

"Pigmalión se dirigió a la estatua y, al tocarla, le pareció que estaba caliente, que el marfil se ablandaba y que, deponiendo su dureza, cedía a los dedos suavemente, como la cera del monte Himeto que se ablanda a los rayos del Sol y se deja manejar con los dedos, tomando varias figuras y haciéndose mas dócil y banda con el manejo. Al verlo, Pigmalión se llena de un gran gozo mezclado de temor, creyendo que se engañaba. Volvió a tocar la estatua otra vez y se cercioró de que era un cuerpo flexible y que las venas daban pulsaciones al explorarlas con los dedos".

Cuando despertó, Pigmalión se encontró con Afrodita, quien conmovida por el deseo del rey, le dijo. "mereces la  felicidad, una felicidad que tú mismo has plasmado. Aquí tienes a la reina que has buscado. Ámala y defiéndela del mal". Y así fue como Galatea se convirtió en humana.

Ernest Normand

Rodin desarrolló esta idea para este grupo escultórico en los trabajos que previamente estaba llevando a cabo en "Las puertas del infierno", de la cual surgió otra obra, la magnífica escultura "El Pensador", sin duda, una de las mas conocidas de nuestro protagonista de hoy.
El banquero berlinés Felix Koenings visitó una retrospectiva de Rodin en un viaje que realizó a Paris con Max Klinger y fue allí donde encontró el yeso original de "El hombre y su pensamiento". Encargó mas de media docena de obras al maestro Rodin, sin embargo, solo esta obra en mármol ha llegado a la Nationalgalerie (Berlín).

La vigencia de la obra de Rodin no solo se encuentra en la validez de su formación académica en las Bellas Artes, sino que no lleva a universos puramente plásticos, como el uso de la serie (consistente en utilizar varias veces la misma imagen en diferentes contextos, formatos y tamaños), el collage (lo que conocemos como unión y separación de distintas piezas para generar con ellas imágenes nuevas), la importancia del soporte de la obra -pues hasta entonces se utilizaba como tal un pedestal altísimo que separaba al público de la obra-, y que fue eliminado por Rodin, al considerarlo demasiado elitista, y por último, el empleo de la anatomía humana como una forma de expresión de su espiritualidad.

Rodin encontró influencias para su obra, sin duda, en Miguel Angel, y en la poco conocida obra de Dègas.

  

"Yo no inventé nada, redescubro"

(AUGUSTE RODIN)

BUEN DIA A TODOS

EMILY DICKINSON: LA FRUCTÍFERA SOLEDAD.

Buen día a todos, hoy tenemos con nosotros a una mujer extraordinaria. Una joven que vivió para sus poemas y sus cartas, utilizando sus propias palabras "Una carta siempre se me hace como la inmortalidad, porque es la mente sola sin amigo corpóreo".
Pocas personas son capaces de vivir una existencia, me refiero desde el punto de vista personal, austera, prácticamente recluida en su casa, mas esa soledad le hizo aprender por sí misma, de la vida, de las personas, de las cosas, y ante todo, de los sentimientos.
Nuestro siempre amado Jorge Luis Borges, refiriéndose a ella nos habla en estos términos:
"No hay, que yo sepa, una vida mas apasionada y solitaria que la de esta mujer. Prefirió soñar el amor y acaso imaginarlo y temerlo. En su recluida aldea de Amherst buscó la reclusión de su casa y, en su casa, la reclusión del color blanco y la de no dejarse ver por los pocos amigos que recibía. Además de la escritura fugaz de cosas inmortales, profesó el hábito de la lenta lectura y reflexión".

Emily Elizabeth Dickinson nació en Amherst (Masachussetts), en 1830. Su familia se encontraba bien situada económicamente, pues su padre era un abogado de prestigio. Su educación formal culminó cuando realizó un curso en un seminario femenino en Mount Holyoke y desde entonces, contando tan solo dieciocho años, vivió el resto de su vida en la casa de sus padres. 

Eso sí conoció Washington y Boston, en sendos viajes cortos que realizó, pasando sus días en su casa; ello no le impidió mantener una intensa correspondencia con numerosas personas, a las que jamás vio, pero de cuya constancia nos queda un bellísimo libro, editado por Lumen, bajo el titulo de Emily Dickinson -Cartas- que nos muestra todo el mundo personal y espiritual de esta joven que escogió esa vida de total reclusión.

Nunca contrajo matrimonio, aunque quizás mantuvo uno o dos relaciones que no llegaron a fraguarse; no obstante de la lectura de sus poemas no se destaca en su sentimiento ningún tipo de resentimiento o dolor por tales pérdidas. Emily fue siempre una mujer muy fuerte y que se conocía muy bien a sí misma.

Desde muy pequeña empezó con su actividad literaria, principalmente escribiendo versos, poemas hermosísimos; mas esta faceta era desconocida para los pocos que la frecuentaban, aunque algunos de ellos tuvieron un receptor común Thomas Wentworth Higginson, quien precisamente le insistía en que no publicara los mismos. 

Fue tras su fallecimiento, en 1866, cuando su familia, se decidió por imprimir "Poemas de Emily Dickinson", hacia 1890; si bien la crítica no fue muy acertada, se hizo una nueva edición y poco a poco fueron haciéndose distintas recopilaciones de su poemario.

Si nos dejamos llevar por la belleza de la poesía de Emily Dickinson podemos observar que sus poemas están hechos a base de buscar en la realidad de la existencia. Algunos de ellos quedan, en cierta forma, inconclusos, pues no terminan de definirnos el verdadero sentido de su concepción, mas en otros podemos observar una infinita energía, derrochadora de su talento. 

Es a través de su obra poética como Emily se plantea muy distintos aspectos de la vida con una calidad del todo consistente. 

Así podemos apreciar la excelencia de su obra en este bellísimo poema, en el que nos habla de sus propios sentimientos:

"Tienen por mas dulce al éxito

los que nunca lo saborearon.

Primero pide el corazón placer,

y luego, la disculpa del dolor.

El alma selecciona su propia sociedad,

luego cierra la puerta;

en su divina mayoría de edad

no hay que interferir.

Como no podía pararme por la Muerte,

él amablemente se paró para mí.

A un gran dolor sigue

un sentimiento ceremonioso".

Emily Dickinson adoraba observar, percibir, descubrir, a veces, cosas, hechos, situaciones que siempre han estado ahí, más en ello nadie había reparado. Emily, si.

Sus poemas son de fácil lectura, pero ello no debe llevarnos a considerar a Emily como una poeta simple. Todo lo contrario, segura de su concepto de las cosas y de las personas, nos las presenta, directamente, de una forma real. Para nada, dudaba, pues controlaba sus poemas, como el profesional que sabe cuál es su trabajo y lo ejerce con total seguridad. 

En su forma de trabajar, sin embargo, existía un punto caótico, escribía sin cesar, y sus poemas iban todos, en hojas sueltas de papel, a parar a un cajón, sin orden ni concierto; en cierta medida, Emily Dickinson le lanzaba un órdago a vida y a la posibilidad de que la posteridad conociera de su existencia.

La calidad poética de Emily Dickinson es equiparable a la de Walt Whitman, siendo ambos los dos poetas mas destacados dentro de la literatura estadounidense.
Leer a Emily Dickinson es un placer indiscutible. Tanto en sus cartas como en sus poemas nos encontramos una voz cálida, cercana, mas fuerte y potente. Su obra tanto como su vida es sumamente densa, por ello os recomiendo una lectura lenta y en pequeñas dosis.
La grandeza de su producción contrasta con la rigidez y escaso contacto que mantuvo con quienes la conocieron, hasta el punto de que se dirigía a ellos a través de una puerta entornada. No obstante, el mundo infantil le resultaba delicioso, gustaba de hacer y regalar todo tipo de pasteles y golosinas a los pequeños. Este encierro paulatino, evidentemente, lo fue tras realizar viajes con algunos de sus compañeros de clase, estudiantes. Bien es cierto que en su casa paterna, a la que se referían como La Mansión, acudían numerosas personalidades de la cultura americana, de las que no cabe la menor duda que Emily Dickinson supo sacar buen partido.

Casa Museo

Emily, desde muy joven, puso en tela de juicio el orden social establecido en familia, religión y estado. Desde temprana edad supo que el matrimonio no era para ella, los convencionalismos sociales, tampoco. 

Ante todo, Emily Dickinson vivía para sus poemas, no solo los pensaba, dándole una prioridad absoluta a la cristalización de la verdad en el lenguaje. Un lenguaje lleno de precisión y detalles que aunque parecen no tener importancia son del todo sólidos. Se descubrió a si misma y descubrió su propia conciencia y todo ello con la misma precisión y belleza que plasmó en sus cartas y sus poemas.

BUEN DÍA A TODOS

Efecto Mariposa - Ahora (Videoclip Oficial)

BUENAS NOCHES A TODOS, HOY OS DEJO CON LA VALIOSA COMPAÑIA DE EFECTO MARIPOSA, HACÍA TIEMPO QUE NO NOS VISITABAN EN ESTE NUESTRO ESPACIO MUSICAL DE TODAS LAS NOCHES, ASÍ QUE A POR ELLOS. BIENVENIDA LA NOCHE Y DISFRUTAD. BYE, LOVERS.

EL MATRIMONIO ARNOLFINI, por Jan van Eyck

Buen día, entrañables amigos todos del Arte, con mayúsculas, volvemos hoy, con la PINTURA, y como ejemplo no solo vale un botón, sino, en el caso del Arte, una auténtica obra maestra, aquí que nos encontramos con este retrato, una de las obras mas emblemáticas y por excelencia, mas sobresalientes de la Edad Media.

Este óleo sobre tabla que todo el que quiera y así lo desee puede verlo en la National Gallery de Londres, fue pintado allá por el al 1434, por Jan van Eyck (1390-1441). Fue Margarita de Austria la que adquirió el cuadro en cuestión en el año 1516, en tanto era gobernadora de Flandes.

La pareja que aparece retratada en el cuadro, según todas las investigaciones llevadas a cabo por la historia del Arte, los identifica como Giovanni Arnolfini y Giovanna Cenami, descendientes de familias de comerciantes de Lucca. Ambos vivieron durante varios años en Brujas, donde Giovanni Arnolfini fue nombrado duque de Borgoña en el año 1461, a tenor de las buenas relaciones que mantenía con el rey Felipe el Bueno. El matrimonio no tuvo hijos, falleciendo Giovanni Arnolfini en el año 1472 y su esposa, ocho años mas tarde.

Hay que tener bien en cuenta que todos y cada uno de los detalles de la pintura, hasta los mas nimios está subordinados a un concepto superior, lo cual no deja de sorprender a quien lo admira por el hecho de que la vestimenta del hombre y de la mujer, e incluso la decoración de la habitación, corresponden al estilo que imperaba hacia finales de la Edad Media.

Su contenido debe analizarse porque nos llevará a descubrir un mensaje sobre los que los estudiosos del Arte no tienen dudas

En este detalle del óleo observamos como la mano derecha del esposo está levantada, lo que le confiere el juramento de la fidelidad hacia la que es su esposa. La circunstancia de que justamente a su derecha se sitúe una ventana abierta no es nada casual, pues a través de la misma podemos apreciar un seto florido, relacionando el rol masculino con el mundo exterior. Su indumentaria nos le representa vestido con capa y sombrero, más nada mas entrar en su hogar se ha quitado los zapatos. Este gesto, que parece trivial, así como el pequeño perrillo que figura en la parte inferior del cuadro simbolizan, asimismo, la fidelidad matrimonial.

Por lo que respecta a la esposa, de la que podemos observar el reflejo de su sombra sobre el lecho de color rojo, que aparece detrás de su persona, evidentemente, representa las cualidades domésticas.

Si dirigimos nuestra mirada al dosel de la  cama podemos observar una estatuilla de Santa Margarita, realizada en madera, que es la santa protectora de las futuras madres.

También debemos prestar atención al rosario de vidrio, un regalo que solía hacerse por entonces a las futuras esposas y la escobilla de mano, que vienen a simbolizar las virtudes cristianas: ora et labora (reza y trabaja).

Ahora, vamos a dirigir nuestra atención a la ventana en la que podemos observar varias naranjas, fruta del paraíso terrenal (conocidas como manzanas de Adán), tal y como de ella nos habla la iconografía cristiana. La presencia en el cuadro de tal fruto, también puede llevarnos a pensar que el matrimonio Arnolfini gozaba de una cierta holgura económica, pues al tratarse de una fruta exótica, no estaba al alcance de cualquiera.

Y ahora, llamo vuestra atención sobre el candelabro de siete brazos de la estancia en el que solo está encendida una vela, que representa, por un lado, el cirio nupcial que era empleado durante la ceremonia cristiana del matrimonio, y por otro, la luz, siempre presente de Dios.

Un detalle bellísimo que no pasa desapercibido para ninguno de los que hayamos visto tan delicioso óleo es el espejo que aparece justamente al fondo, en el centro de la estancia: es un espejo curvo que nos ayuda a interpretar el significado del cuadro.

Delicioso elemento el introducido por el maestro Van Eyck , y que aparece rodeado de medallones con distintas escenas de la Pasión, costumbre propia de la Edad Media y también símbolo de la Virgen: en calidad de speculum sine macula (espejo sin mancha) que simboliza la virginidad y la pureza de la madre de Dios.

Ahora, pasemos a examinar ¿que observamos en el reflejo del espejo? Evidentemente, al ser su forma curva: toda la habitación, el matrimonio Arnolfini, de espaldas y a otras dos personas que estarían presentes, como testigos, en el momento del enlace. Sobre el espejo, podemos, leer una inscripción "Johannes de eyck fuit hic (Jan van Eyck ha estado aquí), lo que amén de firmar su "obra", nos invita a pensar que también estuvo presente en el enlace.

La minuciosidad en el trabajo de Van Eyck nos permite identificar no sólo las figuras reflejadas, sino todos y cada uno de los adornos del espejo, como ya he mencionado anteriormente. Todos los elementos que aparecen tienen algo que ver, desde el punto de vista simbólico con la escena que representa, si bien Van Eyck nos los representan como si fueran elementos casuales y que estuvieran, simple y llanamente, en la habitación.

Una curiosidad sobre la esposa, la moda de la época marcaba tendencia en el sentido de que las damas se rapaban la frente y se adornaban con una toca en forma de cuernos. Por lo que respecta al vestido de la novia producía una deformación en la anatomía de la novia en el sentido de que hacía pensar que se encontraba embarazada; pues bien, mediante un corpiño muy ajustado se estrechaba el pecho de la mujer, elevándolo y creando, de esta forma, un abombamiento tanto en el vientre como en las caderas.

Este cuadro es una de los pocos retratos realizados en la Edad Media que nos ofrece la oportunidad de captar la fisonomía exacta de los retratados. Una verdadera obra maestra no solo por la perfecta armonía de las superficies plasmadas de los diferentes materiales, y para ello, me remito de nuevo a la madera de los zuecos y del suelo, los adornos de piel de nutria del abrigo del hombre.

No obstante, los historiadores, auténticos científicos de la Historia nos han sembrado la duda sobre la identidad de la pareja y ello en base a que el hombre sostiene la mano de la mujer con su mano izquierda. Este detalle nos lleva a pensar en un matrimonio morganático, es decir, entre dos personas de distinta clase social. Mas por lo que conocemos de Giovanni Arnolfini y Giovana Cenami ambos provenían de familias de idéntica condición social. Así, los historiadores han señalado que podría tratarse del hermano de Giovanni, Michele Arnolfini, de cuya esposa, llamada Elizabeth, no tenemos referencias.

Desde el punto de vista estilístico es una obra fiel reflejo de los primitivos flamencos, destacando, en su composición:
1) La minuciosidad de la pintura, teniendo en cuenta de que se trataba de una pintura doméstica, minuciosidad conseguida gracias al empleo del óleo y de plumillas especiales.
2) El perfecto detalle en la reproducción de los objetos que aparecen representados, sobre todo, teniendo en cuanta que los flamencos se enorgullecían del bienestar logrado y solían figurar en sus obras.
3) El naturalismo, pues Van Eyck es un pintor que se preocupaba mucho por representar la realidad con la mayor exactitud posible. Un detalle que no escapa al observador es la falta de movimiento de los retratados, incluido el perro, es como retratar escenas rígidas y poco espontáneas
4) Y por último, la deseo de que la luz y la perspectiva fueran lo mas aproximadas a la realidad: la luz que entra por la ventana es delicada y suave, la claridad se dispersa, mas la atmósfera resulta del todo tangible.
Baste decir que el propio Diego de Velázquez se inspiró en esta obra para pintar Las Meninas.

Autorretrato de Van Eyck

No cabe la menor duda que, a pesar del tiempo transcurrido y de todo lo que la historia nos ha aportado sobre la identidad de los retratados, todavía existe un enigma sin resolver en torno a la verdadera identidad de la pareja cuya imagen nos la devuelve continuamente el tiempo, eso sí, ¿quienes eran?

Algo de duda debe siempre de existir sobre todo aquello que es FASCINANTE, pues lo hace más fascinante, si cabe aun.

BUEN DÍA A TODOS